发布时间：2022-07-13 00:59:39
序言：写作是分享个人见解和探索未知领域的桥梁，我们为您精选了8篇的美术硕士论文样本，期待这些样本能够为您提供丰富的参考和启发，请尽情阅读。
新课标下，高中教育不再是传统的应试教育，而是强调素质教育，注重培养学生的综合能力，全面提升学生的思维发展。新课标也对高中美术鉴赏课做出了重要的改革，重点强调培养学生的美术鉴赏思维。在此要求下，老师只有善于引导学生对美术作品及美术大家进行深入的了解，才能使得学生真正理解作品的内涵，培养学生的鉴赏思维能力。下面笔者根据自身的教学经验提出了一些关于培养学生美术鉴赏思维的教学方法。
一、了解过程，引导创新
老师引导学生鉴赏一幅美术作品不仅仅是欣赏它的外在画面，而是要让学生了解作者创作作品的时代背景以及作者创作这幅作品时的心理状态，从而使得学生能够深入地了解作品的时代意义。在了解作品的时代意义之后，老师可以引导学生根据自己的想法对作品进行在创新，从而逐渐提升学生的美术创新思维能力。
例如在讲《蒙娜丽莎》这部经典作品时，我先为学生讲解了这幅作品的时代背景以及这部伟大作品的作者——达·芬奇。我为学生们讲到《蒙娜丽莎》创作于文艺复兴时期，这个时期非常强调尊重人的情感以及对人的力量的赞美，反对宗教以某种方式束缚人的精神和思想情感。这个时期的代表作家之一就是达·芬奇，他在创作《蒙娜丽莎》这幅在作品时可谓是精益求精，从人物的坐姿到人物的一颦一笑都精雕细琢，达·芬奇也巧妙地利用他的烟雾状笔法画出了这幅经典作品，让人对蒙娜丽莎耐人寻味、难以捉摸的微笑产生无限遐想。但是杜尚在这幅堪称经典的作品上为蒙娜丽莎画上了两撇胡子，引起了激烈的讨论，在此之后就出现了后现代主义，杜尚也被称为后现代主义的鼻祖。就这样，我告诉学生们我们鉴赏作品不仅仅是欣赏它的美，还要在欣赏的过程中根据自己的想法进行在创作，此后学生们也想出了使时装模特、老师与《蒙娜丽莎》进行结合。
二、尊重个性，自圆其说
现代的新式教育不单单是学生接受知识，老师输送知识的过程，而更加强调的是让学生独立发表自己的看法，老师要尊重学生的想法。对于美术鉴赏这门比较特殊的课程，老师更应该引导学生发表自己对于作品的想法，并且老师在鼓励学生积极探讨作品时，也要指导学生有理有据地阐述观点，自圆其说。
例如在鉴赏《场景Ⅱ》时，我先告诉学生们现代主义不再以写实为基础，而是将客观的事物用主观的形式表达出来，从而表现作者的思想以及情感。抽象派是其中一个重要流派，我们鉴赏的这幅是冷抽象主义代表作家蒙德里安的经典作品之一。在介绍完外国现代主义的特征之后我就讓学生观察作品并就其发表自己的观点。其中一位学生回答到：“老师，我认为蒙德里安的这幅作品表现的并不是那么完美。”于是我就问他：“那你觉得这幅作品哪方面表现得不是特别好呢？”于是该学生回答：“虽然抽象主义的特点之一是不用客观的形象来变现作者的内心情感，但是蒙德里安的这幅作品仅仅用简单的格子和色彩来表现他的思想，对于那些不懂得抽象艺术的人来说很难欣赏这种艺术的美，更不用说走进作者的内心了。”听完学生的叙述后，我点评到：“同学的评论有理有据，确实有许多人认为抽象艺术就是乱涂鸦，但是作者蒙德里安把绘画语言限制在垂直线和水平线，三原色和黑白灰系列，在创作时对每一种色彩的选择以及线条的勾勒都是经过思考和精心组织的，所以我们可以通过当时的背景来了解作品内涵和作者的思想情感，同样只要你们有自己的理由，我也会尊重你们对作品的看法。”
老师通过美术鉴赏课，让学生赏析各种名作不仅仅是为了让学生欣赏作品的美，同时也应该注重学生的想法，引导学生表达出对作品的真实思想。
三、作品对比，发现差异
美术课堂鉴赏美术作品时，有时必然会将作品放到一起进行对比，这样做的目的并不是让学生们比较出作品的优劣，而是让学生在进行作品对比的过程中寻找其中的差异，从而让学生更加深入地理解作品的特点，最终提升美术鉴赏思维能力。
例如在学习宗教雕塑时，我让学生们欣赏了云冈石窟释迦佛像、龙门石窟卢舍那佛像和麦积山石窟佛像，然后请他们仔细观察这三尊佛像的外在特点有何不同。一位学生回答：“卢舍那佛面部形象与早期的云冈石窟佛像相比，明显中国化了，看上去更加恬静、祥和，给我的感觉更加睿智、博大、庄严、高贵。”我说这位学生回答得非常好，佛教传入后，为了在中国立足，佛教从内容到艺术形象都开始了一个不断汉化的过程。卢舍那佛所体现的气度也正是盛唐时代精神的写照，它超越了宗教的局限，在成千上万件同类作品中脱颖而出。后来有学生补充道：“云冈石窟和龙门石窟的佛像都比较健壮、丰硕，而麦积山石窟的佛像则瘦了些。”接着又有学生发现了服饰的差异，说：“麦积山石窟的佛像，衣纹褶皱像层层叠加的荷叶花瓣，更好看，而之前的佛像衣纹有点像面条，稍显逊色。”我肯定并赞赏了这几位同学细致的观察力，早期的佛像承袭印度经由凉州地区传播而来的模式——健硕的体态、紧贴的袈裟。后来受南朝士大夫秀骨清相审美观的影响，外貌则变得清瘦、俊逸，衣纹褶皱也由泥条式变为更富于装饰性的阶梯叠加式，世俗的审美改变了异域的造像面貌。通过对这几尊佛像的对比，学生们不仅发现了它们的外在差异，同时也感受到了一些内在的不同。
关键词：多元智能，旅游，高职教育，教育模式
一、多元智能理论的内涵
多元智能理论, 最初是由美国哈佛大学心理学教授霍华德·加德纳及其助手, 经过多年研究和观察而提出来的。硕士论文，教育模式。加德纳在1983年出版的《智能的结构》中提出了多元智能理论，又在 1993 年出版的《多元智能》中发展了这一理论，概括出了如下人类八种智能：言语——语言智能、逻辑——数理智能、视觉——空间智能、身体——运动智能、音乐——节奏智能、交往——人际关系智能、自知——自我认识智能和自然观察者智能。硕士论文，教育模式。他认为，一方面，智能不是一种能力而是一组能力；另一方面，智能不是以整合的方式存在而是以相互独立的方式存在的。人的智能没有好坏之分只有强弱之差，作为教育者应该引导学生开发潜在智能，使其上升为学生的显性智能。
二、我国旅游高职教育模式现状分析
目前我国高职旅游院校的教育模式较前有了很大的发展，已经走出其他学科影响的阴影，逐渐步入符合旅游职业特点和职业需求的正轨。经过多年的完善，从培养目标的普遍化走向明确化，以培养适应旅游企业基层需要的高技能、高素质人才为主，从课程体系设置的混乱化转向课程设置科学化——课程设置与旅游企业需求紧密结合，从师资力量的杂交化走向师资力量的专业化——聘用重点大学旅游专业的研究生及旅游企业的高级管理人员担任教学。但是由于旅游学科的年轻化，以及在旅游教育领域研究的专门人士还不为多也不够深，我国旅游高职教育模式仍存有很多欠缺如：专业方向不明确，定位不准确；教学技术落后，现代化的教学设施和设备欠缺；教学方法仍旧是填鸭式教学为主，限制了学生个性和才能的发展；考核方式以笔试为主，与旅游的技能性、实践性脱钩；这些问题的存在严重影响学生综合素质的提高，导致旅游高职毕业生与企业人才需求标准相差甚远，从而影响了学生就业率，也挫伤了办学积极性。因此我国目前的旅游高职教育模式亟需注入新理念加以充实以适应高职生的个性需求。
三、运用多元智能理论改革我国高职旅游教育模式的必要性分析
为了更好的了解旅游高职毕业生的素质能力状况，笔者对河北旅游学院，保定职业技术学院的高职毕业生生进行了问卷调查，调查内容以八项智能为主兼顾对旅游教育模式的看法。共发放问卷300份，回收296份，无效的3份，有效率为97.7%。现将调查结果统计如下：
注：*单位（人） *优秀概率以“1”为整体满意度
程度统计 比较项目
【中文关键词】舞蹈美学.舞蹈创作.舞蹈作品.新时期.舞蹈生态学.社会文化环境。.
【英文关键词】Aestheticofdance.dancecomposition.danceworks.thenewperiod.c
horeoecology.socialcultureenvironment..
[硕士论文，备索！]
1古代华南少数民族的舞蹈与社会生活
2四川凉山彝族传统舞蹈研究
3青海藏传佛教寺院羌姆舞蹈和民间祭礼舞蹈研究
4新时期舞蹈审美创造刍议
5浅析高等美术教育观念改变的必要性
6小学美术个性化教学策略研究
7小学美术个性化教育理论研究与模式构建
8素质教育与中小学美术教师素质培养
9潜意识与现代美术教育西北师范大学
10儿童电视美术片在幼儿园教育中的应用研究
11写实与现实
12理想与现实：基础美术教育的知识观及课程组织
13不同文化境遇下的审美取向
14液化报告（第一稿）
15幼儿美术创作发展评价研究
16从美术与诗歌潮流的对比中谈中国现当代艺术的介入性
【关键词】混凝土建筑 可塑性 建筑美学 场所精神
Abstract Based on the plasticity characteristics of the concrete building， proposing the interpretation of the aesthetic value of modern concrete building cases， combined with contemporary architectural aesthetic trends. Analyzing the modern concrete buildings from genius loci， brutalism and literati aspects. Making an explicit explanation on the influence that the changes of concrete architectural aesthetics under the concrete technology development.
Key Words： concrete building， plasticity， architectural aesthetics， genius loci
1.相关理论解读
1.1可塑性
可塑性是指混凝土建筑在形体上能被模板规定成任意形状，建筑形体的规定性不强，自由度很大，可塑性是使混凝土的表现力完全不同于其它建筑材料的最主要性质。混凝土的成型过程是一个由动态变为静态的过程，混凝土的流动性使它可以依据模板而塑成任何形式。也就是说混凝土没有固定的形式，它的最终形态有模板决定，这就为建筑中的美学考虑提供了多种可能性。与砖石、木材等传统建筑材料相比，混凝土具有许多不同的材料特点。首先，由于混凝土结构的整体性，结构的各个部分是以一个整体状态结合在一起的；其次，混凝土是在一种半流质状态中制作的，因此它可以塑造成任何形状。
以上两个特点，都可以基于混凝土的可塑性所延展出的，而正是由于建筑师和结构师们利用了混凝土的这一特点，使之成为现代建筑设计中常用的、用于表现建筑师意匠和营造特定建筑美学的“神器”。从设计上来讲，混凝土的流体状态及力学性能使得它广泛应用于专注形态塑造的建筑，也流露出技术上的美学意义，这充分展现了技术与艺术的高度统一。
1.2建筑美学
建筑美学是艺术美学和建筑学的重要分支。是建立在建筑学和美学的基础上，研究建筑领域里的美和审美问题的一门新兴学科。虽然建筑伴随人类走过了漫长的道路，但建筑美学的出现却是20世纪的事情。英国美学家罗杰斯・思克拉顿从审美的角度论述了建筑具有实用性、地区性、技术性、总效性、公共性等基本特征，可看成是建筑美学的创始人。美国现代建筑学家托伯特・哈姆林较全面地概括了建筑美学的基本内容。此外，包豪斯的建筑美学理论与现代主义联系较多，美国建筑大师文丘里则从符号学的角度来探讨建筑的美和审美问题。
1.3混凝土建筑的发展历史
从材料的工程学和结构角度来看，罗马人将混凝土从天然的填充料发展成主要的结构材料。万神庙穹顶的建造过程没有使用模板，而是采用卧砖分层圈砌。随着罗马帝国的消亡，大多数重要的结构和工程发现及研究并没有延续下来，18世纪以前，混凝土并没用被当成建设的主流材料。
到19世纪，法国首先开始使用混凝土作为建筑立面的表现材料。水泥的发明直接推动了混凝土材料的发展，此后混凝土的运用也日益广泛。意大利建筑师皮埃尔・奈尔维在推动混凝土使用的路上也起到了重要的作用，他对于钢筋混凝土的应用可以说达到了炉火纯青的地步。奈尔维既是建筑师，又是一位诗人，他努力将建筑与诗歌的韵律和节奏运用到自己的建筑设计中，正因为如此人们常常喜欢称他为“钢筋混凝土诗人”。
2.混凝土建筑之美学解读
在建筑理论流派多元化的今天，建筑材料的选择和使用也是多元的。由于混凝土自身所具有的可塑性特点，使之不仅成为一种常用的建筑材料，也在体现建筑的美学方面起了很大的作用。以下将从三个方面并结合相关案例来解读基于可塑性特点而建造的混凝土建筑的美学价值。
2.1场所精神之美
建筑并不是一个简单的形式问题，也是空间的营造，或者更为主要的，是作为空间基础的“场所”的营造。混凝土建筑营造空间氛围的时候，其意境含蓄、韵味隽永。阿尔瓦罗・西扎设计的葡萄牙馆就表现了对混凝土柔性特征的探索。
他用一片薄薄的混凝土幕用金属线悬挂在两边的建筑上，形成一个3900平方米的有顶广场。这块巨板长65米、宽58米、高10米，两端对称。用纤薄的混凝土板展示了混凝土结构的柔性，打消了人们心中对混凝土厚重庞大的印象。屋面像雨篷一样轻巧地覆盖在中央广场上方。丝毫体会不到混凝土屋面的沉重坚实感。这个结构就是模仿传统的葡萄牙集市：在厚重的房子前面支起一片帐篷。通过轻薄的混凝土构件，营造了一种传统集市的场所感，让人们在置身其中时，忘掉了繁华都市的喧嚣，去体味古朴和谐的市井之风。
2.2粗野主义之美
“粗野主义”是50年代到60年代喧噪一时的建筑设计倾向。粗野主义经常将混凝土毛糙的方面暴露出来，极其夸张那些沉重的构件，并把他们冷酷地碰撞在一起。混凝土的可塑性特点和视觉效果符合了粗野主义所倡导的审美观念。作为粗野主义的倡导者，柯布西耶设计建造了许多迎合粗野主义审美观念的建筑，最有代表的应是朗香教堂。
朗香教堂可以说是利用混凝土的可塑性建造的混凝土建筑典范之一，这个建筑也是柯布西埃新的探索的结果。郎香教堂是他绝无仅有的非几何形式的有机形态建筑。它粗壮敦实的体块，混沌的形象，岩石般稳重地屹立在群山间的一个小山包上。顶部呈自由曲线形，用两层钢筋混凝土薄板构成，在边缘上两层汇合并向上翻起。从内部往室外看去，窗户成为一个个透光的方孔，造成一种不稳定感，迫使人们面向祭坛方向，造成很特殊的宗教氛围。
2.3文人意匠之美
随着混凝土浇筑技术及轻骨料的不断更新，混凝土建筑的外表形式有了新的种类，越来越多的建筑师开始选用清水混凝土作为建筑外表皮饰面或内部构件。这些建筑师往往具有文人的气质。他们将思想通过混凝土来表达出来，比较出名的有安藤忠雄、路易斯・康、刘家琨等。在他们的作品中，混凝土是最常见的材料。他们倾向于一种淡雅的文人墨客的情愫。在严格的技术控制管理之下，混凝土表面质感变得极为细腻柔和，这种混凝土与表现结构力度的混凝土略有不同，它显示出混凝土的另一面，在空间表现上具有独特的魅力。以下以刘家琨设计的鹿野苑石刻博物馆为例。
设计者最初的设想是希望用清水混凝土表现一部“人造石”的建筑故事。但由于施工技术原因，难以在浇筑过程中保证墙体的垂直度，只好采用一种叫做“框架结构、清水混凝土与页岩砖组合墙”的组合墙特殊工艺。整个主体部分清水混凝土外壁采用凹凸窄条模板，形成明确的肌理，增加外墙的质感和可读性。为使建筑整体像一块“冷峻的巨石”建筑外部整体拟采用清水混凝土。在他眼中，在流行给建筑涂脂抹粉的年代，清水混凝土的使用已不仅仅是建筑方法问题，而且是美学取向和精神品质的问题。
4.结语
伴随着科学技术的进步，新型的混凝土浇筑施工技艺及混凝土材料添加剂的更新，会给未来混凝土建筑的外观表现及内在功能带来新的冲击和变革。同时，对于混凝土建筑的美学思考也会慢慢的改变。但是，最为混凝土最重要的区别于其他建材的特点――可塑性特点永远不会消失，也正是利用这一特点，混凝土建筑较其他的建筑所具有的独特的美学价值永远不会消失。围绕可塑性原理，混凝土建筑在未来的发展前景值得每一个人期待，也值得每一个建筑师大胆的去尝试这种充满挑战性建筑实验。
参考文献：
1. 万书元，当代西方建筑美学，东南大学出版社，2001
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4. 杜清华，混凝土的现代建筑艺术表现，西安建筑科技大学硕士论文，2007.6
5. 李宇，建筑的材料表现力，同济大学硕士论文，2007.3
6. 朱彩霞，解读马赛公寓，山西建筑，2007（32） 47-48
摘要性别意识在当代社会生活中体现得越来越强，但由于历史长久以来处于男尊女卑的意识之中，大部分产品的设计仍带有强烈的男性主义观念。然而在社会今后的发展过程中，男女平等的观念在产品设计上将真正的从本质上形成广泛认同。性别化产品设计从男性和女性不同的生理、心理结构出发，以其各自具体的理念、精神、文化层面为载体，对产品进行创造性的计划、规划设想，最终以理想的形式表现；同时社会的变迁也使得产品市场对于性别化设计，逐渐从保守的状态转变为一种自觉追求的肯定。
关键词：文化 设计 性别 产品
中图分类号：J50 文献标识码：A
一 导言：性别差异与设计
性别，是人类生理和社会属性的重要方面。由人的自然属性和社会属性两方面决定，被称为自然性别和社会性别。在20世纪70年代以前，学术界一般都认为性别角色是一种“先赋角色”或称“归属角色”，说明人的自然性别是先天的，后天难以使其发生改变，并且这一先天的人的特征对于人后天形成的多种特征具有决定性的作用。由此可见，后天的社会性性别差异也是由先天的特点所决定的，而后天的性别差异在人类社会生活的诸多方面也起着某些决定性的作用，就当代社会而言，其中之一就是设计上的性别差异化特点。性别差异化设计是根据性别差异分析不同性别的消费者，在产品选择及使用过程中所表现出来的生理状态及心理状态。并将这些信息通过进一步的分析、提炼、综合，进而运用于设计的各个方面的流程和方法。性别差异化设计所研究的重点在于，对消费者由于不同性别所带来不同生理和心理、功能和审美等方面的需求，同时运用社会性别理论进行一系列的分析，从而对性别差异做出尽量客观的描述，准确把握产品设计中重要的性别因素，并合理地将其运用到实际的设计中。这一问题，从根本上讲，是从使用者性别方面对人性化设计和个性化设计进行具体诠释。在现代文明社会的发展中，两性平等的思想渗透到社会生活的方方面面，设计作为重要的改变人类生活方式的学科，更需要将这一思想深入到设计师的头脑和心中。
二 源起追溯与现实分野：两性观念对产品设计的影响
随着社会生产力的不断发展，女性日益成为社会的重要支柱，传统的父权社会体系已经不能适应新的时代关系。这就促使两性的社会认识发生了改变，女性主义和女权思想在一次次的妇女解放运动中渐渐深入人心。其运动至今大概分为两个阶段：1、19世纪末，运动以实现男女平等并争取女性政治权利为目的。这次运动后，大多数国家女性的社会地位都有显著提高。2、从20世纪下半页起，运动将女性问题放在两性关系中，要求强烈反抗对女性的歧视，社会各个领域应向公众开放，并努力寻找解决女性问题的最合理途径。这些运动对于社会生产中的各个领域都或多或少地起到了促发作用，但在产品设计领域，尽管当代性别产品设计正在逐步以“人性化”设计理念来关注女性产品的设计，但由于女性长久以来的弱者姿态，时至今日，男尊女卑的观念也未彻底从人们心中消除。从原始社会的维纳斯，至今日的美女香车，总的来说男性的社会观念和价值体系支配男性将女性物化和商品化，以取悦他们。例如在广告界有这样一条法则：当设计师没有好的创意时，用女性作为题材一定会没问题。两性的不平等性，使女性一直处于被观看的位置。这就再一次印证了女性学者波伏娃的“女性即是他者”的经典理论。女性自身由于长久的处于这种社会环境下，不知不觉贬低了自己的身份地位。并毫无意识地接受被认为女性就应该阴柔、包容，将家庭和儿女作为生活的重心，忽视了切身产品所应有的个性化合理设计。而产品设计也仅以外观上来区分，未从心理上去适应女性需求，仍带有强烈的男性主义观念。
三 未来的曙光：性别产品设计的发展趋势
目前，大多数专业性的、操作能力要求高的产品，均以男性的生理条件为基础进行设计。若要设计从生理和心理上都适合女性的产品，最可行、最直接的方法就是运用大量的女性设计师来进行研究和操作。在设计上，男性设计师和女性设计师侧重点有所不同，在产品设计文化上，男性主要侧重于技术的反应，而女性设计师则会关注受用者的心理期望。如：沃尔沃、上海华普等一些汽车厂商，已经着手打造或已经打造出女性车设计团队。其设计师团队格外注重选择女性设计师，因为作为女性，设计师能够最大限度地了解女性驾车族的需求。于是最终沃尔沃推出了世界上第一款的YCC女性概念车，该车的设计团队均为女性。在最终设计结果中，可以感受出女性设计师为广大女性车主周到、细致的考虑，包括多种亮丽的色彩、可爱活泼的造型、布置合理的内部空间、做工精良的内饰等体现女性气质的设计。由此得见，在日后，女性也必将会同男性一样，成为建设社会的主力军。性别化产品设计也会随着两性审美态度的变更趋势而变化。社会发展中，传统观念里只属于男性或女性的部分，将吸引异性人群，即两性性格相互渗透。
与此同时，产品设计在性别趋同和利用性别差异改善单一性别产品所存在的缺点上，近年来也有所体现。目前商品越来越多地为女性考虑着想，体现出社会对女性的尊重，照顾到女性更多的不同于男性的需求。同时，商家在商品细分的过程中，提高了商家自身的知名度和利益收入，对市场经济也有重大贡献。但是需要注意的是，随着女性化产品的不断增多，商品中女性特点的逐渐加重，男性商品的风格也开始有了转变。除了部分仍是与女性商品形成鲜明的对比，也会有部分男性商品逐渐在风格上向女性商品靠拢，也许是因为女性商品在形式上的多变和色彩上的更加丰富，符合现今社会上对于时尚的定义和尝试各种新鲜事物的心理。装饰物、色彩不再是女性的专属，导致男性商品也开始追随着女性商品的特点而产生变化。总是这样，一旦传统的价值被突破，风格的趋同或者形式的诡异在历史的氛围中就不会显得突兀，人们对于这种现象所持有的态度也会最终改变；但是值得注意的是：由于这种情况的产生并愈演愈烈，致使部分男女商品在形式上没有区分，便又回归到了男女共用、中性商品的情形里。也因此，一些男性女性随着商品风格的改变在性别特征上的区分也逐渐降低，出现性别趋同现象。当然，男女有别是不可改变的事实，性别趋同在一定程度上不利于社会的健康发展，值得我们重视。在此我们应该从另一个角度来分析造成这种现象的社会学意义上的原因或演变的逻辑――即市场表象背后的历史发展。
四 社会变迁的一项圭臬――市场认同化的性别设计
如上所述，诚然产品的性别化设计在其历史发展的进程之中，具有一定的自觉演变逻辑和其自觉的历史发展趋势。但是另一方面，在其发生着演变的同时，也发生着一定的观念转变。也就是从一个新颖的角度证明了，受众在产品所组成的视觉以及使用“场域”之中的一种态度。这个问题的探讨，不仅对于设计历史研究能够起到溯本追源的作用，而且也为社会学的研究提供了一种新型的阐述路径。可见性别设计所反映出的产品的市场认同倾向，正是一种宏观社会的变迁圭臬，能够使我们更好地分析和找出这一性别设计美学接受意义上的原因。在当下市场中所充斥的，由满目新颖的各类性别化产品所构架出的购买氛围中，作为消费者的受众群体在对于产品的价值观倾向方面，已经从原先的传统意义上的性别认同走向了一个相对更加丰富、更加宽容的历史阶段之中。首先从正面而言，传统意义上的性别认同在市场中一直存在着，在性别化产品设计还没有突现其有益价值的早期市场时代，受众从自身的传统价值观出发，自觉遵守天然的性别心理，而对于产品的挑选也会基于这一自然的心理而进行购买，其中体现最为明显的还是上述所提到的服装产品领域，而其他产品尤其是电子产品和日常生活产品领域，一方面因为当时的市场还没有细分到一定的程度，没有更多的设计机会为性别化设计展开空间，另一方面也由于设计理论也远没有发展到以人为本的阶段，不关注使用者自身的特点，不关注人与产品的私密关系，这些原因都导致了性别化设计和相对的市场认同缺失。可以说，消费的习惯在当时也还是承袭着传统的惯性而选择相对适合自身性别的产品，以至于到了当代，这种传统也在大的范围内控制着设计的趋势和产品的市场，当代性别化设计已经在市场中展现其特点的阶段，我们就可以发现其最大的设计理念虽然是追寻着以人为本的特点，逐渐加深对于使用者和产品之间的私密关系而加强设计的细节和创意，但这种性别化的突出也是大部分追寻着传统的性别消费心理而言的，而性别趋同的设计也在市场中有意无意的出现了。我们再从反面而言，这种性别趋同的设计倾向也是一种社会价值观变现在设计领域中的现象之一，因为如上所述，女性在当代社会中的自主意识不断加强，而且性别的差异在社会生产中的体现也因为生产力和生产关系的不断进步而逐渐趋于淡化。而设计领域作为社会变迁的窗口也在某种程度上反映了这些变化的特点，于是乎市场中逐步增加了性别趋同的设计因素，而且也为受众带来了这种设计背后所隐含的整体社会审美观的转变态势，一种新颖的历史价值观在不断的加强，所反映在产品上的形式也在有意地增进，忽略了男女传统性别差异的设计形态带领着受众在消费领域中升级着价值观的临界点，一旦这种价值认可的临界点被突破，性别趋同的设计形式就会被整体社会所接受和认可，以至于在现实市场中消费者的目光不再对这种反传统的“前卫”加以排斥，而采取了一种比较亲和的认可甚至欣赏的态度，这也就是我们所分析出的作为社会整体变迁的圭臬的性别设计的现有状态。它可以说是一种历史价值取向的风向标，随着它的指向，我们可以从深层次分析设计背后的社会、审美以及经济等本质原因，以便在今后的设计实践中更好地把握这一方向。
五 结语
根据现今社会状况，在今后的社会发展过程中，男女平等的观念将真正地从本质上形成广泛认同。男女生理、心理的差异也将会逐渐模糊和相糅合，产品的性别化设计会面临新的挑战。一方面传统的文化心理尚未消退，男性产品与女性产品在一定程度上必然会具有形制、功能、色彩上以至于商业经营模式上的巨大差别，产品设计是以人的需要或某种目的为依据，将需要与目的转换为一个具体可触的物理形式的过程，性别化产品设计在企业产品策略中占据着重要地位，这种设计角度可以从男性和女性不同的生理、心理结构出发，以其各自具体的理念、精神、文化层面为载体，对产品进行创造性的计划、规划设想，最终以理想的形式表现。另一方面，在后现代社会包容和变通的文化导向之下，两性的心理差别在不断地缩减，设计师可以从两性趋同的角度设计出具有细微差别的两性产品，也可以从时尚的导向出发，设计出漠视两性差别、搁置性别冲突的，具有统一功能和外观的单一性别产品，从而满足特别是当代女性的某种积极的社会主导心理。总之，性别化差异的设计，是新时代对设计领域提出的一个崭新而又包含了人类传统文化观念的设计思路，产品的分类将越来越趋近细致。在挑战与机遇共存的时代，如何利用这一新兴的设计思路，将是设计师整合消费人群、扩充设计类型的有力工具之一。
参考文献：
[1] 粱梅：《世界现代设计史》，上海人民美术出版社，2009年版。
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作者简介：
关键词：克里姆特 绘画 精神特质
一、克里姆特绘画艺术呈现了世纪末当代人的精神危机和心理图景
克里姆特对深层精神的切入，体现了奥地利民族和艺术家自身的精神特质。随着新时代新思潮的来临，人们已不再依附于传统的理性哲学思想和宗教束缚，在这种日趋关注自身修养和精神的形式下，克里姆特开始由历史画、圣经画题材转向自我的寻找答案。在受到政治和传统学院的打击下，克里姆特把题材转向了女性图像以及生命死亡的描绘，来寓意其心中的焦虑和抗拒，希望通过女人来寻找完整的自我。克里姆特以绘画为载体，反映了19世纪末欧洲思想文化心理转向的时代精神；在心理空间对生命本能动力的体验和表现，则体现了奥地利民族心理特质的潜在因素。克里姆特的绘画呈现了世纪末男性艺术家的精神发展轨迹和心理特质。他在精神――心理的层面创造的女性图像，承载着他对、痛苦、生命与死亡等生命终极问题的探寻和理解，排除了生活的表层意义，而获得了超越时间的永恒性。只有了解了克里姆特作品背后的精神意念，我们才能够借鉴创作过程中的切入点，如何反映时代信息。
在世纪末维也纳的断裂性时代，分离派的艺术理念是反对一切固有文化和传统观念的束缚，突出的表现就是实现本能欲望的解放。在世纪末，随着经济社会的变革，所有的机制和观念都在转型，但是在新思潮还得不到全方位的肯定之时，传统的观念和思想还是占有统治地位。例如克里姆特为维也纳大学绘制的《医学》、《法学》、《哲学》，在当时展出的时候引起了轰动，有不理解也有支持者，但是却没有得到维也纳大学的赞美和展示。官方对这种象征寓意，的之作本能上还是首先抵触的。在绘画中的非理性主义、对本能欲望的直接展现，以及非历史画的艺术风格，遭到来自传统理性主义社会阶层和公众舆论的阻挠和攻击后，克里姆特的选择了从社会生活空间逃离。他停止了大型公共寓意性绘画创作，转向女性肖像画创作。在自由主义者小群体的庇护中，继续美学层面的反叛。
现代艺术通过多种手法描绘了我们生活的矛盾和精神冲突，克里姆特正是采用了这种寓意和象征的方式，把他的情感和焦虑通过减弱现实特征，转变成现实情境纯粹的幻影，让我们在它所营造的氛围中与画者进行了心灵的共鸣。处在中国当代，经济的变革，各种思潮的涌入，以及新事物的出现等等，以及随着变革社会出现的不合理不平衡的现象，都在使我们迷失、盲目，在这种情况下，我们更需要从自身精神心理中找到生命的本源动力。
二、 克里姆特绘画艺术体现了对生命和死亡的追问和思考
克里姆特面对由死亡引发的对生命终极意义的思考，这是他艺术创作题材的一个转折点，也是新的起点。也正是由于这个原因，我们才有幸能够看到克里姆特有关生命死亡题材的经典作品，才成就了一代艺术大师。他的绘画中体现的这种精神特质深深地刺激和打动着我们的感官和视觉感受。
1、《女人的三个阶段》中关于生命的思考
《女人的三个阶段》创作于1908年，克里姆特展示了女人不同的三个时期，即：老妇、年轻的母亲和年幼的孩子，象征着人的生命历程，表现出潜在克里姆特绘画深处“轮回”的观念。在画面中黑色和金色的混合的抽象背景中，朱红色的柱状总穿了画面，形成一个整体的十字构图，这个柱形以朱红为背景，布满了多样的女性象征，三个不同年龄的女性置于这个柱形空间中，象征着生命三个时期。
画家用写实主义的手法描绘人物，在这个平面化空间里，婴儿、母亲和老妇，三人的位置由外及内，暗示人生三个阶段的顺序。画面最左侧老妇，画家用写实的手法细致描绘了衰老的女性人体，特别是如照片般清晰再现了老妇的手臂，用另一只手托着垂下头，灰色的头发盖住了面颊，似乎绝望的在回忆逃避衰老的生命和即将面对的死亡。与之相反的是，在她的右边，是以装饰性手法刻画的年轻母亲，而她此时正怀抱着熟睡的婴儿，似乎共同沉迷在生命甜美的梦境中。老妇和年轻母亲的对比不仅代表女人生命的不同阶段和时期，还呈现了女性的不同生命阶段的特征。
“样式主义风格的女孩和自然主义风格的老妇人之间的对比有一种象征的意义。生命的第一阶段体现为无数种可能性和变化，而最后的阶段则由不可转变的一致性所标志，这种不变的一致性不允许人逃离必须面对的现实。第一个阶段由梦所标志，最后的阶段则体现了梦的不可能性。”这幅作品中生命的主题完全是通过女性生命的不同时期表现的。从和谐的童年、成长的自我、到老年的恐惧，生理的衰颓与迫近的死亡。克里姆特细致描绘了女性老年、青年和童年时期的外在形体，呈现了女性在不同时期的心理和精神特征，藉此表达对生命历程的理解。
2、《生命与死亡》中的精神特质
《生命与死亡》创作于1910年，克里姆特不再寓意性的表现死亡，而是真实直白的表现死亡的形象。画面的两侧，分别是以代表死亡的骷髅和代表生命的人群来组成，成为对峙的双方。作品采用象征和隐喻手法，左侧是身披长袍手举权杖的死神，右侧则是由代表生命的母子、情侣、少女和老妇共同组成。画面展示了人类从出生、成长、恋爱、衰老直至死亡的循环过程，寓意人的经历就是生命与死亡的轮回。右侧代表生命各阶段的人们，彼此之间没有交流也没有与观者的交流，故意回避死亡的事实，沉寂在自己的世界里。
在克里姆特的绘画中，表现了类似于弗洛伊德的对生命和死亡的理解。死神与人群在画面空间中被隔开，这暗示着死亡与生命的同在与隔绝。左侧死神长袍上的象征符号，暗示了死亡和生命本能欲望存在潜在联系：右侧沉浸在无意识欲望的人群中，老年的浅蓝色调与死神的深蓝色调相呼应，暗示着死亡的存在。于是，代表生命力的欲望本能同时也是趋于死亡的能量，生命和死亡不仅是轮回中的过程，而是同在于人的存在之中。
参考文献：
[1] 谭卫《论克里姆特、蒙克作品中的“生命、爱情、死亡”》，山东师范大学硕士论文，2011.12
[2] 陈丽艳《克里姆特绘画风格研究》，河北大学硕士论文，2011.05
[3] 孙欣. 克里姆特绘画研究M. 北京 首都师范大学出版社，2011
关于敦煌，直至当时，对我一个土生土长的西北女子而言，却是从未涉及的。因而，这方神秘的土地让我既觉得陌生却更多的是向往了。随着纪录片的播出，一直到2010年暑假，我亲自来到敦煌莫高窟。当站在洞窟里的一瞬间，我被眼前的场景震撼了，这里没有矫揉造作之态，也没有扭捏矜持之姿，展现在面前的，是充满朝气、令人振奋的服饰款形。其色彩也非常浓艳，各种鲜丽的颜色争相媲美，不甘疏落寂寞。这些奇思妙想的构思，充分反映了古人的高度智慧。对我们今天的服饰工艺美术研究和服装设计，无疑仍然具有启示和借鉴价值。
敦煌莫高窟是从南北朝十六国时即公元4世纪中期开始营造的，历经北凉、北魏、西魏、北周、隋唐、五代、北宋、回纥、西夏等各个朝代，一直到元代，即公元14世纪，延续了1000余年，敦煌艺术中的衣冠服饰资料也同样延续了1000余年，可以说形成了一个1000余年的漫长的衣冠服饰画廊，这是其他地方的服饰资料所无法比拟的。
我在想，服装之于人类，不仅仅是用来保暖和蔽体的，它更是一个国家、地区文化的体现、传承。文化与审美传统不仅表现在文学、艺术、建筑方面，同时，也表现在时装上。时装并不只是社会歌舞升平的点缀，它也是社会风貌的同步表现，还是社会变革的先锋力量、承受者。而敦煌服饰所展现的，正是我们祖先历代服饰文化变革无比珍贵的缩影。
于我而言，时尚本身就是一直跑在生活前沿的勇敢梦想，时装是时间性的产物，它只在某个时空有效和有趣，一个季度过去，就会有“过季、过气”之嫌，忙不迭地抛掷脑后，绝口不提。跟所有的美好事物一样，时尚最好的境界莫过于彰显个性，胆大妄为且又恰到好处。而敦煌壁画中不同朝代，不同时期人物服饰的款型，正演绎了一个古老国度里曾经繁华的时尚轨迹。 当我看到敦煌壁画历朝历代款式各异的服饰时，就如同穿越了千年时空，站到了远古繁华城邦的街头巷尾、田间地头。这些服装，想必在当时，都是最典型和最具时代性的时尚潮流吧。作为拥有数千年历史文化的中国，服装陪伴着人类一次又一次地历经轮回，它见证了人类文明的发展与进化。服装的灵魂正是穿梭于历史的精灵，或是把人们带回过去，亦或是携手共至未来。
让人感慨的是，敦煌壁画服饰中除了宗教人物服饰，如佛、菩萨、天王、力士等之外，还有许多世俗人物服饰，如故事画中的人物，特别是供养人像都是有名、有姓的现实人物的写照。尤其难能可贵的是，敦煌壁画中的服饰资料还保存了历史官方《舆服志》和其他文献中所不载或少见的平民百姓的服饰。可以说，敦煌服饰具有很强的平民性。壁画中人物的衣冠服饰，不仅有现实依据，而且是随时代的变化而变化的。在几百座洞窟中，几乎找不到两幅画完全相同的壁画。至于时代特征就更明显。这一切从根本上体现了设计艺术“变”的原则、内容和意义。我们看到，古人无论是有意识或无意识，在他们的服饰中或多或少都运用了这些原理，表现出不同凡响的生命力，使其充满了中国文化所特有的青烟淡墨、超尘出世的气质。 在当今高速发展的信息化社会里，西方世界主掌着全球经济命脉的同时，也掌控着时尚潮流的主动权，作为拥有千年文化古国的中国，到目前为止，还没有一个可以与国际一线品牌相提并论的时装品牌，这不禁让人深思。如何在激烈的市场竞争中保持旺盛的生命力，就必须在继承传统的同时发扬创新。尤其对于拥有5000年辉煌文明史的中国来说，怎样运用积淀了几千年的文化财富在现代社会的发展中独树一帜，是当今中国服饰文化发展的关键所在。面对社会的不断发展与变化，如何继承？如何发展？如何创新？都是值得我们深入探讨的课题。
从北京服装学院学习归来以后，我们开设了服装设计选修课，在近几年的服装设计课程教学中，从一开始的纸质材料概念服装设计到目前所采用的真材实料的制作，对每位没有正规学习过穿着打扮的学生来说都是一次不小的挑战。服装设计本身是一个艺术创作的过程，是艺术构思和艺术表达的统一体。设计师一般先要有一个构思和设想，然后收集资料，确定设计方案。我在指导2012届学生毕业设计作业的过程中，初步尝试并象征性地应用了甘肃文化符号彩陶元素、青铜纹样和敦煌壁画色彩，通过和服装的结合，让我体会到了设计思维空间的无限延展性，我在想，我们有如此丰厚的地域文化资源，而与之相对应的一些研究领域，有很多空白点有待重视和探索，我希望在将来的服装设计教学中带领学生拓宽眼界，打开视野，敢于尝试不同题材和材料的应用，并能结合地域文化特色，继承创新，创作出更加出色的作品，走出一条具有西部特色的服饰时尚潮流。尤其是在服装文化领域，敦煌莫高窟壁画服饰带给我们的启发，将会是取之不尽、用之不竭的财富。
1.相辅相成的关系
在美术文化的整体格局中，专业美术与群众美术的关系就像金字塔的基座与塔尖的关系一样，任何一方的缺失都会不完整。没有自觉接受专业美术“阳光”、“雨露”的群众美术，则会失去“光泽”，极易“枯萎”陷入庸俗的沼泽，而不敢接受群众美术的专业美术创作，只可能是脱离了群众、脱离了生活、孤僻的、没有灵魂的作品。社会主义美术事业的发展，离不开专业美术与群众美术的共同支撑，只有发挥他们相互渗透、相互改造、相互制约的“互动”作用，才能使美术事业的发展更加健康，对任何一方的全盘否定都是片面的、孤立的。
目前在市场经济条件下，在商业利益的熏染下，许多群众受大众文化的影响太深，纷纷投向物质名利的怀抱，许多画家也自动放弃精英批判立场，心甘情愿地随波逐流，与普通大众站在同一个高度，迷失了自己的审美观点，放弃了自己的审美标准，反而迎合大众的口味赚取钱财，当然在这样的多元化生活环境中，通过这种方式体现个人的能力和价值并不是可耻的事情，但是，作为专业美术干部在群众文化建设中的职业特性，决定了他们不能够为了追求物质利益而放弃自己的审美立场，画家的个人价值和名誉地位不能完全取决于世俗社会的现时评价，而应该对人民群众的审美倾向和价值观问题提出一套完整系统的解决方案和措施，在历史和实践中不断完善，让人们在参与群众美术活动中受益，当他们用无穷的智慧去履行一个专业美术画家在群众美术工作中应尽的职责时，肯定会赢得社会和历史的肯定和尊重。例如：为陕西省群众美术事业奉献一生的安正中先生，在他留下来的数百幅油画、版画、国画和速写作品中我们会发现，他从未间断过自己的艺术创作，他的创作题材极其广泛，从活动场景到军旅生活，从陕西风貌到俄罗斯的历史传说，几乎无所不及，通过他的作品不仅使我们感受到人民群众的生活状态、精神追求，更给观众带来了艺术家自身的审美观点和追求方向，从而对观赏者起到了审美引导的作用，同时，安正中先生在美术辅导、创作、组织管理工作中不断地丰富着自己对客观世界的认识和对生命价值的理解，正如他所说的。我牢记，对同志、对朋友、对观众和读者要真诚，对艺术、对生活要真诚，我将要在大西北找到对艺术的追求和感情的寄托与希望。而他在每一部作品中融入了自己的感情，他利用手中的画笔，回答了时代和人民对一位艺术家的要求，在他的作品中实现了时代精神、个人风格和主观意识的统一。
湖北省宜昌市群众艺术馆孙才清先生，也是在群众美术工作岗位上实践多年的画家，从他的作品《建设者大油画系列》中我们就可以感受到建筑工人的真实生活状况和他们的精神面貌，油画前辈靳尚谊先生停留在他的画前久久没有离去： “孙才清以三峡工程为题材的油画，大气磅礴，感染力和震撼力强……还是现实主义的作品有旺盛的生命力”。正是因为这些画家在作品创作中密切关注生活，不断与群众对话才使得他们创作的作品富有感染力和生命力，同时得到社会的肯定和认可，受到广大群众的喜爱。
2.相互学习、相互促进的关系
由于专业美术与群众美术发展的形式、标准、目的的不同，使得他们都具有自己的优势和特点，因此两者应该相互借鉴学习，取长补短，共同发展。从整个美术发展史上来看，审美活动原本就是与生活相统一的，人们在生活的过程中才产生了审美.他们之间具有不同之处但也存在着相通之处，只是随着社会的分工，审美才从生活中慢慢被剥离出来，并贴上了艺术的标签。目前专业美术的主体仍然坚持把审美活动限定在艺术的范畴，人为地把审美与生活之间的关系割裂，使审美与生活的独立起来，但是，人民群众的审美观念并不能通过生硬的不被大众所容易接受的专业美术教化或者是在大众文化之外强加以某种超越理念就能实现的，而是通过日常生活行为，在生活实践过程中慢慢形成的，专业美术作为具有权威话语权的角色，要想提高普罗大众的审美能力就必需向群众美术学习，“褪去”引以自贵的外衣，从纯艺术走向生活，建立“无墙美术馆”，实现审美生活化，从而达到生活审美化的最高目标。作为群众美术而言，由于它扎根在群众中，参与群众美术活动的人来自生活的各个层面，这就会出现审美观念的差异和审美标准的不同，需要具有专业美术知识的指导和评价，通过专业美术使得群众美术的发展更加健康。因此，专业美术和群众美术具有相互学习、相互促进的关系。
3.相互制约，相互监督的关系
专业美术与群众美术的相互制约、相互监督才能使我国社会主义美术事业不断走向完善，在审美教育方面，一方面，专业美术应该发挥标尺作用，积极投身于群众美术建设中，对群众美术进行深入的研究，改变群众美术立场不坚定的局面，群众美术的业余性和自娱性决定了它的文化弱点，在“世俗关怀”的同时，缺失了一种超越情怀的人文精神，这就必然需要专业美术的制约和引导，不能任其发展，引导当代艺术的审美趋向，建设健康繁荣的新时期审美文化，另一方面群众美术应该发挥群众的力量，在生活中去检验专业美术所倡导的审美观念，不断提高全民的审美能力，优秀的专业美术作品是可以打动观众的，是可以引起广大群众共鸣的，是经得起历史考验的，专业美术创作需要利用群众美术的“亲和性一，善于汲取群众美术生动活泼的形式，借助通俗易懂的形式，贴近群众的生活，用作品反映群众生活，用温和的方式去倡导正确的审美观念使群众美术与专业美术自然的结合发展。
总之，在明确了专业美术与群众美术的关系后，服务于群众美术的专业美术人才应该在专业创作的同时加强人文精神的修养，加强群众主体论的认识，意识到自己的时代使命与责任，增强批判意识，要有一种“千磨万击还坚劲，任尔东西南北风”的精神和毅力，要能够游刃于多元文化之间而不丧失精英文化的立场和批判意识的能力，使群众美术在大众文化的侵蚀下能够有一个健康，积极，坚定的审美态度，同时也不要埋头画画，闭门造车，把美术创作当作纯粹个人精神的表现，在作品中一味表现主观随意性，要在工作中不断加强与群众的对话，与生活的对话，为专业创作累积素材，从而激发创作灵感，优秀的作品所能看到的是广阔的世界，是能够赢得广大人民群众的喜爱和社会肯定的，而不是自己脱离大众、脱离实际的个人的声音。（作者单位：肇庆市文化馆）
参考文献
