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色彩观念论文赏析八篇

发布时间:2022-08-16 22:50:03

序言:写作是分享个人见解和探索未知领域的桥梁,我们为您精选了8篇的色彩观念论文样本,期待这些样本能够为您提供丰富的参考和启发,请尽情阅读。

色彩观念论文

第1篇

关键词:构成;立体构成;平面构成;色彩构成;园林景观设计

目前,我国在构成艺术应用的研究较晚,极少有涉及园林景观设计范围的研究。因此,本篇论文的主要研究目的就是我们如何了解构成艺术并探索三大构成在园林景观设计中的基本应用及设计手法,挖掘构成艺术在园林景观设计中的应用潜力和应用前景。

本篇论文主要通过对相关文献进行分析,采用文献法、图片支持法、比较分析法等研究方法,最大限度、系统全面的剖析构成艺术在园林景观设计中的应用表现。论文从论述构成艺术与园林景观设计之间的关系,以及构成艺术中的几大组成要素在园林景观设计中的地位和重要性着手,阐述构成艺术在园林景观设计中的具体应用。为了使构成艺术在园林景观设计中能够更好、更充分的应用,使园林景观设计逐步走上生态化,多元化、特色化,论文也重点研究分析园林景观设计与平面构成、色彩构成、立体构成等设计元素的关系,了解分析和吸收借鉴构成艺术的要点精髓。

一、构成的概念

构成就是按照一定的审美规律,从现代艺术设计的组合方式入手,表达人们喜闻乐见的视觉形象,达到人们喜爱的构成艺术。

构成艺术是任何艺术和设计的基础理论,它存在于一切艺术和设计的领域。构成艺术包括平面构成、色彩构成和立体构成三部分。平面构成是以外表轮廓塑造内部形象,将不同的平面基本形体按照一定的规律在平面上组合成新的图案;色彩构成,是从人对色彩的感知力出发,采用分析方法,把多种色彩作为基本要素,利用色彩在空间中的可变换性,按照色彩构成规律和构成之间的相互关系,创造出新的色彩效果的过程;立体构成是以构成学为依据,以视觉效应为构成基础,在三维立体空间中的构成,组合成美丽的新形体,是由二维平面形态进入三维立体空间形态的构成表现。以三大部分组成构成学。

二、园林景观设计

园林景观设计是在传统园林理论的基础上,由建筑、植物、美学、文学等相关专业知识的人士对自然环境进行有意识改造的思维过程和筹划策略。具体的讲,是在一定的地域范围内,运用园林艺术和工程技术手段,通过改造地形、种植植物、营造建筑和布置园路等途径创造美的自然环境和生活、游憩境域的过程,使环境具有美学欣赏价值、日常使用功能,并保证生态可持续发展,它标志着人类文明的发展进程和价值观念,体现设计者的审美观念。园林作为反映社会意识形态的空间艺术典范,它既要满足人们精神的需求;又展现社会公共服务设施建设,对保障人们良好休息环境、兼顾娱乐设施和精神层面的需要起到重要作用。

三、 构成艺术的基本要素在园林景观设计中的应用

构成艺术是当代艺术中一种很重要的艺术表现形式,它广泛应用于现代艺术及设计各领域。从讨论构成艺术与园林景观设计之间的关系,以及现代构成艺术在园林景观设计中的地位和重要性出发,重点去研究和分析园林景观的设计与平面构成、色彩构成、立体构成这三大设计元素之间的关系,阐述了现代构成艺术在园林景观设计中的具体应用。

1.平面构成与景观设计

平面构成的最基本要素分别是:点、线、面。它是世间万物形态的基础,自然界所有的物体都离不开这三要素。它构成的原理是把这三个基本要素按照形态美的规律和法则进行创造性的组合构成新的物体,我们可以把上述三点要素置换成园林设计要素,比如可以把园林景观中的景点、路线、区域换作成平面构成的基本要素:点、线、面。

景观设计是由无数个点、线、面构成完整的园林景观。景观设计的主体思路就是点、线、面的设计和重组应用,点、线、面在景观设计中要遵循一定的布局法则,按照合序、合理、和谐三个原则。利用平而构成的原理,使园林景观形态富有生活气息,点、线、面进行有秩序的搭配,使设计更为生动自然,合理性原则是在不违背大自然规律的环境下发展和重新设计,也就是说园林景观设计必须顺应自然发展。通过点、线、面的和谐搭配,园林景观设计要在视觉上给人一种舒服新颖的感觉,这就是现代景观设计的目标。

2.色彩构成与景观设计

当今社会是一个高度现代化社会,新材料、新技术的不断涌现带来了新的思想和新的观念,直接影响着人们的生活方式和审美观念,由此提出了科学与艺术相结合的观点,而这种结合衍生出新的艺术形态,这些艺术形态在艺术设计中都与色彩有着密切的关系。因此掌握好色彩构成,对现代园林景观设计而言是一个很重要的方面。

色彩构成一直都是应用于社会生活各领域,人们一睁眼就会感觉到色彩的存在,无论是自然物还是人造物都有各自的色彩相貌,这些色彩变化直接影响人的视觉、心理和行为,因此研究色彩构成不得不考虑其位置、空间、形状、面积、肌理等方面。色彩构成是艺术设计的理论基础之一,它与平而构成及立体构成的关系密不可分。在景观设计的实际应用当中,色彩构成能够体现出设计师对自己设计作品的色彩修养、创意思维和色彩魅力。

色彩的应用对整个景观的空间感觉、舒适度、环境氛围、使用率以及对人们心理和生理均有很深层的影响。如不同的色彩可以引起不同的心理感受,好的色彩环境会给人带来舒畅愉悦的感觉。在现代景观设计中,色彩的应用具体体现如下:

利用色彩景观对生理以及心理感知所产生的影响,再加上色彩在景观设计中的整体和谐度,真正的达到以人为本、体现地域特色的生态设计理念。把景观设计要素中的蓝天、碧海、水系、山体、植被、地面铺装、建筑物等色彩的物质载体,再结合当地的地域文化背景和关学原理,进行有机的色彩组合搭配。此外,植物的色彩是随着季节而不断演变着的,我们在植物的配置中,必须很好掌握各种不同植物的物候期,进而对色彩变化规律进行配置,达到季节和构图上园林色彩的变化和协调,从而形成优秀的景观。

3.立体构成与景观设计

立体构成是用一定的材料、以视觉为基础,力学为依据,将造型要素,按照一定的构成原则,组合成美好的形体的构成方法。立体构成与景观设计之间是正与负的关系,还有形体之外的空间的美。立体构成的终极目的是为了锻炼审美与空间逻辑,立构往往相当于景观设计中的地形与空间变化,立体构成可以是场地中的某个雕塑,构筑物等等。一个好的立体构成不仅仅是形体本身的美感。立体构成重要的是通过设计创造意境,其重点是研究空间立体造型规律,创造立体和空间形态的一种造型活动,在现代景观设计中起着非常重要的作用。

构成艺术在景观艺术设计中的应用令人深思,而我们该不断学习和借鉴国外优秀的现代园林景观设计的理论和手法,与此同时又要继承和发展中国的传统园林艺术。构成艺术是指导景观设计的基础理论, 对景观设计起着借鉴指导的作用。当今景观设计呈现出一种多元化的发展趋势,我们作为当代大学生仍需不断努力提升自己的专业素养和水平,总结设计经验,积极借鉴其他成功经验,以便在园林景观设计中更好地运用构成艺术!(作者单位:西北农林科技大学风景园林艺术学院)

参考文献:

[1] 黄英杰.周锐,J‘玉红.构成艺术「M].上海:同济人学出版社,2004.

[2] 李学峰.构成的创新理念与领悟[J].美术之友,2002, 04

第2篇

关键词:色彩构成教学模式色彩设计

l 色彩构成的概念

在艺术设计专业造型基础教学中, 其构成教学包括平面构成、色彩构成和立体构成,即所谓三大构成。而色彩构成是继写生等架上绘画训练之后又一个比较系统和完整的认识色彩理论,掌握色彩形式法则的艺术设计专业独立的基础科目。它是探讨色彩物理、生理和心理特征,通过调整色彩关系(对比、调和、统一等)以获得良好色彩组合的学说。是具有方法论意义的构成体系之一。

色彩构成还能够丰富学生的设计思维,提高审美的判断能力和倡导创新的变革精神。色彩构成的学习和掌握直接关系到今后设计作品中色彩修养和创意水平的高低。

2 传统色彩构成教学模式及存在问题

随着改革开放。我们从香港和日本引进了色彩构成课(也有人叫它装饰色彩课)。其色彩构成理论猛烈地冲击了传统的图案色彩教学模式,使我们的色彩教育观念发生了重大变化。经过近20年的发展,我国的色彩构成教育体系逐渐趋于成熟和完善。但与我国的设计实践领域相比,无论观念还是手段,色彩构成仍是一个不太受重视的领地,处在停滞不前的边缘。目前的色彩构成教学模式比较传统和单一。通常是教师黑板加粉笔的教学手段授课。学生在你讲我听的方式中接受教学内容,再通过手绘训练,以作业形式呈现出来,最终由教师进行品评。作业过程中,学生将大量精力放在色彩的临摹及颜料调配上,不注重色彩设计意识培养,缺乏创造性,同时还困惑在颜料调配不均等表现力差等现象中。整个教学模式追求理论的完整性,注重对色彩理论的试验分析,偏重已有理论成果的再现,不注重对色彩运用的感性分析;不明确色彩构成学习的目的是培养对色彩的认识、审美、整合和表现的创新能力。学生深感课程枯燥、乏味。当课程结束后,如云里雾里,形成临摹容易创作难的现象,为日后的专业设计设下了障碍。传统的课堂教学模式在讲授色彩原理时,教师往往以字代色,致使两种或多种色彩的对比及调和效果,学生只能通过联想加以比较,直观性较差。尤其对一些色彩感觉较弱、对色彩知识了解也较少的学生,这一点表现得尤为明显。学生在后期的实际应用中,很难把构成中的色彩知识自觉地应用于创作中。出现了临摹不成问题,创作却难上加难的情况。有的学生甚至要求再重新讲解相关的色彩知识。这些都说明前期的教学模式存在着一些问题。

3 改革措施

3.1 注重色彩设计配色能力的培养

色彩,它能改变我们的心情,影响我们对事物的认识和心理感觉。毕业论文一组成功的色彩配色与设计,将是传递设计师对作品的设计理念和对色彩的理解,直接带给人们强烈的视觉冲击。而现代社会所需求的是高效率、高品质的设计作品。由此对设计师来说,无疑是一种配色与设计对审美的挑战。配色与设计,既要考虑传统文化的影响,又要符合个人心理结构的印象。因此,色彩与设计,对设计师一个作品的成功,具有无法抗拒的亲密程度,几乎到了难舍难离的地步。设计配色和个性配色,在设计中的地位,又如何评点呢?一件成功的设计作品,必须具备三个基本元素一个结构,即色彩、图像、文字和构成三个基本元素连接的设计构成。而三个元素中尤为重要的是色彩。因为色彩的敏感,是对首次接触一件设计作品,最先攫取注意力的视觉印象。那就是作品的色彩配色。其次是图像,最后才是文字和整个作品的设计构成。

而在传统的教学过程中,即使我们企图通过各种色彩对比来培养学生的配色能力,如明度对比、纯度对比、色相对比,但基本上都是临摹已有的各种色彩对比,而且未加重配色在色彩设计中的教学分量。因此,整个教学过程中,忽略了配色能力的培养。针对这种情况,在教学过程中,应有意识地加重配色能力的培养。通过典型实例,运用色彩学的理论分析,讲解色彩配色原理,使学生亲身体验不同色彩搭配带来的不同效果,体会优秀作品配色的奥妙,提高色彩在各类设计中的巧妙搭配,如服装设计色彩配色、包装配色,又如网页设计的10种基本的配色设计:无色设计、冲突设计、单色设计、分裂补色设计、二次色设计、类比色设计、互补设计、中性设计、原色设计、三次色三色设计等能力。另外,通过配色训练,使学生掌握配色在实际设计中的应用。

3.2 注重色彩在设计中的应用能力培养

自然中、生活中、文化中、美术中、商业中、社会中,优美的色彩俯拾皆是。它呈现着一种未经安排而又像经过安排的秩序之美。而色彩设计,则是指与广泛而普及的生活色彩、自然色彩铺陈有所不同的用色技巧。应用色彩设计,使人类除了领受自然中丰富的色彩外还能致其精髓来创造生活中更精致、更有组织、更符合需要的人工色彩。这不但丰富了原有的色彩世界,也拓展了人类历史、文化领域之美,更进一步地幻化出理想、缤纷的人类新秩序之美的环境。因此,色彩设计的重要性不言而喻。

然而,在我们的传统教学中,色彩设计运用培训的很少,尤其在基础课中,导致学生在实际的设计中色彩运用能力非常差。针对此种情况,在授课过程中,应有意识地加强设计用色能力的培养。

首先,将色彩设计应用贯穿于色彩的基本理论中去。留学生论文 如在色相环中,设计成12色或24色同图案不同色相的对比(可以对图案进行各式的设计);或从现实中的生活提炼出基本图案,将明度对比、色相对比、纯度对比、色彩推移运用到图案中。

其次,讲授各种不同设计中的用色原则和技巧。如广告设计中的色彩设计、企业表观色彩设计、产品色彩设计、包装设计中的色彩设计、建筑的色彩设计、服饰设计的色彩设计等。

3.3 紧随时代步伐。整合信息资源。提高教学效益

在信息化、多元化的高科技时代,电脑辅助设计的日益普及,数字化色彩的建立及网络的出现,使我们要重新拟定教学目标,增添新的教学内容,不断在教学上推陈出新,从而更加注重培养学生色彩审美能力和创新能力,将传统的以教为主的教学模式转化为以研究为主的互动的教学新秩序。因此,电脑时代新技术新观念是催化剂。

我们应充分利用其对色彩构成教学完善发展的刷新作用,将传统构成教学与先进的多媒体工具相结合,职称论文 为传统色彩构成教学体系注入新鲜血液,产生新的活性因子,催化出更加合理和艳丽的教学奇葩。

教学中,我们可借助于计算机这一媒体更加直观地讲解色彩构成的基础知识,充实课堂的学习内容,调动课堂的学习氛围,激发学生的求知欲,使学生轻松地掌握色彩规律。这是以往传统教学中教师用文字表达、学生靠联想去感受所达不到的境界。以《色彩知觉的视觉残像》这一节为例。如果用我讲你听的灌输式教学方法,学生完全不明就里。而教师把色彩视觉残像的现象借计算机这一媒体制作课件,把现象直观地表现出来,使学生有了一点头绪。然后他们会带着疑惑,再通过对色组的长时间注视实验,实验结果有了,那么色彩视觉残像现象就一切尽在不言中。学生不但轻而易举地透彻理解了色彩知识,而且在一瞬间也发现了色彩构成的学习原来可以在乐中获取,这就激发了学生的学科学习兴趣。

对于学生而言,表现的手法不再局限在传统的手绘训练上,避免了因把精力放在画面的精工细做上、技法的表现上,而忽略了对色彩关系的研究与探讨,从而削弱了观察、思考和创新等思维方面的训练提高等不良倾向。因此,可以借助一些绘图软件,如Adobe Photoshop(它作为影像处理软件,在色彩的使用及调控方面有着强的优势,快捷的填充,灵活的色彩更换方式。每一项都简便易学)。把Photoshop应用于色彩构成教学中,教师可以通过屏幕对色彩间的复杂关系进行形象的讲解。学生通过真实的色彩表现,轻松掌握了色彩搭配规律,在作业的制作上,可免去手工操作过程中所出现的涂色不均等问题,并可衍生出多个方案,便于比较,扩大练习范围。作为设计专业的学生,除了教师的课堂讲授外,更多地需要借助大量深入而又系统的色彩作业练习去理解色彩原理,磨练色彩感觉,精纯表现技巧,提高自身的色彩修养,为以后与色彩相关的设计课程打下良好的基础。

总之,新时代新技术赋予我们新观念。色彩构成教学必然要与诸多新兴技术和知识发生关系。而快捷先进的信息技术手段和推陈出新的教学思路是实现创新目的重要保障。电脑作为现代高科技处理信息的工具,为我们提供了强大的摄取、存储和处理视觉形象的功能,为色彩构成教学提供了一种全新的设计表现形式和巨大的艺术潜能空间。

参考文献

[1]吴卫.从表达色彩介质的转变反思色彩构成教学改革[J].株州包装设计艺术学院学报,2004(9).

[2]姜余.教育信息化环境下色彩构成教学模式改革的探索[J].沈阳师范大学学报.

[3]朱介英.色彩学:色彩设计与配色[M].北京:中国青年出版社,2004.

第3篇

关键词:工笔花鸟画;传承与发展;艺术形式

一、当代工笔花鸟画发展的基本概况

工笔花鸟画是我国绘画艺术中的重要组成部分,具有其独特的发展脉络与体系,工笔花鸟画题材广泛,主要包裹飞禽走兽、花鸟鱼虫、蔬菜瓜果、室内盆栽、桌椅瓶花等等。随着时代的发展,工笔花鸟画在题材、内容、技法、材料、色彩和构图上也在不断发生变化,在继承传统工笔花鸟画风格的基础上也呈现出新的特点。

清代画家石涛说:“笔墨当随时代”,纵观中国绘画史,自唐代始工笔花鸟画作为一门独立学科,五代时经由徐、黄两大流派逐步完善日渐成熟,两宋时期其艺术成就达到了鼎峰,元明清时期走向低谷,虽然在此领域也出现过有所建树的画家,但在整体表现上,题材内容上以及技法构图上都未有所突破和创新。在西方现代观念和时尚文化的冲击下,当代画家们在继承传统工笔花鸟画表现语言的基础上不断探索创新,在题材和内容的选取上更为宽泛,在表现形式和技法上吸取了西方现代艺术的表现语言,把油画、水彩及版画技法运用到工笔花鸟画创作中,在用色上更为大胆,注重光与色调的表现和冷暖、明暗关系的对比,具有很强的色彩感染力。此外在构图上,当代工笔花鸟画家们在借鉴传统“折枝”构图法的同时更是吸收了西方现代平面构成元素,在表现写实性的基础上多了几分抽象性和装饰性。

二、当代工笔花鸟画艺术形态的继承与发展

当代工笔花鸟画在继承传统民族文化和审美精神的同时,更是突破了传统绘画模式,开创了新的艺术形式和思想境界,当代工笔花鸟画家们在取材方面更注重对现实生活的思考和对现代文明的表现,此外通过对色彩、材料、构图等形式的表现来表达对客观物象的理解,充满了意境和感染力。

(一)题材和内容的转变

传统工笔花鸟画在题材表现上多以花鸟鱼虫、梅兰竹菊居多,其立意多局限在高洁、富贵、休闲等题材,多直接用来表现自然景物和作者对生活的理解,具有弄玉的世俗气息。当代工笔花鸟画家们为了抒写个人情感,迎合时代潮流,在充分表达个人创作理念的同时,其创作题材和内容更为宽广,他们把许多现代元素融入到作品中,借鉴油画、版画、水彩和西方现代绘画思想,摆脱对传统题材的束缚。当代工笔花鸟画家郑乃,是大胆革新创作题材内容的领军人物,他不仅擅画传统题材的花鸟鱼虫,梅兰竹菊,还将创作题材拓宽到瓜果、蔬菜、海鲜及生活中常见的物品,这些简单常见的生活用品频频出现在他的作品中,增加了浓厚的生活情趣。郑乃珧先生在工笔花鸟画题材的突破,对推动工笔花鸟画的发展起到了重要作用,此外还有些画家借鉴西方绘画及设计构成元素,使画面具有很强的装饰性和现代性。

(二)构图样式的转变

构图在中国画中又称为“经营位置”“章法”“布局”,主要用来表现画面中各客观个体间的主次、穿插、层次、对比、呼应、虚实等之间的关系。在工笔花鸟画中传统构图样式十分重视章法和布局,随着社会的发展以及思想观念的转变,传统构图样式以不能满足人们的审美需求。由于受到西方现代绘画理念以及西方绘画中点、线、面等构成要素的影响,当代画家们不再拘泥于传统“折枝”构图法,构图形式多样,画家们通过对点、线、面等语言要素的巧妙运用与组合,借鉴西方绘画中的明暗、光影、透视、对比、均衡等法则,在遵循传统构图样式的基础上,融入西方现代绘画及平面设计构成元素,形成新的构图样式,典型的有全景式、化简为繁式及抽象化构图样式,画家们通过对绘画元素的组合、排列、分割等技法形成不同的空间,其画面内容丰富、场面宏大、空间感强,符合现代人的审美需求。

(三)材料及技法的转变

传统工笔花鸟画的主要材料是毛笔、墨汁、国画颜料以及宣纸和绢,其工具和材料比较单一,随着科技的发展和西方文化的渗入,当代工笔花鸟画在工具和材料的使用上有了重大变革,除宣纸和绢以外,当代画家不断尝试在水彩纸、卡纸、皮纸、棉布等材料上作画。在颜料的选取上更是尝试外来颜料在工笔花鸟画中的运用,如水彩、水粉、丙烯、岩彩等,新材料的使用为当代花鸟画家的创作提供了更多的选择余地,激发了艺术家们对新题材、新观念、新形式的表现。

传统工笔花鸟画的创作技法是勾勒、填色和反复晕染,注重对笔墨的运用,强调笔墨情趣。当今在全球化思潮的影响下,工笔花鸟画的发展也受到了冲击,新观念、新技术与新材料的变革,推动了画家们对新技法进行探索和创新。当代工笔花鸟画家们在继承传统“三矾九染”技法的基础上,借鉴了西方绘画等表现形式,形成了拓印法、揉纸法、洗擦法、打磨法、做旧法、喷绘法、拼贴法、点彩法、撞水撞色法等特殊技法,在色彩表现上尤其注重对肌理效果的处理,在增加色彩厚重感的同时又颇具现代感。

(四)色彩观念的转变

色彩在工笔花鸟画中的运用尤为重要,传统工笔花鸟画的用色讲究“随类赋彩”“以墨为主,以色为辅”的用色理念,注重墨与色的结合运用,形成了一套固有的创作经验和程式,在一定程度上制约着工笔花鸟画色彩的发展。在当代,由于受到各种文化以及各种绘画形式的影响,工笔花鸟画在色彩的运用上突破了传统设色规律,画家们通过对色彩的冷暖、明暗对比以及光与色的关系来表现画面的体积感和空间感,并注重对色调的把握来表达画面意境和个人情感,创造出符合时代语言,满足当代人审美需求的色彩表现手法。当代工笔花鸟画家们一方面在继承传统用色的同时,更是借鉴了民间平涂以及粉彩晕染技法,大胆的用色以及物体平面化效果的处理,具有很强的装饰性。另一方面当代的工笔花鸟画家们在当前新工具、新材料、新技法等多元化发展状态下,把西方现代色彩构成元素融入到绘画创作中,通过对光学原理的学习和研究,注重色彩冷暖、明暗、调和、对比等之间关系,强调色彩的节奏感与均衡感,以此来表现作品的意境和个人情感,使画面效果和谐统一。

结语:当代工笔花鸟画在不断探索和创新中所取得的成果,为中国画的发展注入了新的活力。在寻找与表现当代工笔花鸟画时代美感的同时,不仅要贴近大众生活反映都市文明,更要注重对传统绘画语言的继承和对民族文化内涵的表现,既要与时俱M又不失时代特色。

参考文献:

[1]贾广健《现代工笔画名家特殊表现》[M]辽宁美术出版社,2000年

[2]陈诛雅《在当代艺术语境下工笔花鸟画创作之我见》[D]苏州大学硕士研究生论文2012年9月

[3]吕龙《当代工笔花鸟画对宋实之风的继承与发展》[D]西安美术学院硕士研究生论文2013年3月

[4]刘佳《试论当代工笔花鸟画色彩的发展氛围》[J]大众文艺2011(7)45――46

[5]贾晓雯《论当代工笔花鸟风格多样式的发展》[J]读与写(上、下旬)2014(13)247

第4篇

论文关键词:油画风格,艺术特色,绘画语言,内容形式,相辅相成

 

一、油画风格:

风格是人们常常谈论的话题。“谈到绘画的风格,又常常把它和流派联系在一起。从意义上说,风格是作品艺术特点的综合表现,是一种艺术语言,它包含了内容”。一部美术史,上下几千年,甚至可以追溯到更远,但发展到出现油画的阶段,是数百年的事。油画风格流派博杂,尤其是当今的时代,艺术样式更是林林总总,数不胜数。艺术风格是一种气质,是艺术家的生活阅历、文化素养、思想感情包括天赋禀性等等因素在作品上的综合折射。艺术观念随时代的变迁而发生着变化,但是对纯艺术来说,“风格是人”却是不易之理。“艺术的品质贵在直率坦诚内容形式,它不容丝毫矫情。也排斥强自为之的做作。性情率真,格调自然流露。所以我认为油画风格是由画家自身所处的时代及世界观所表现出来的一种属于自己独特个性的一种绘画形式。从某种意义上说它又具有一种标志性,比如说一看到向日葵,大家都会知道这是凡高的画。艺术都应该有属于自己的风格,因为艺术风格是艺术家的一种创造个性与艺术作品的语言、情景交互作用所呈现出的相对稳定的整体性艺术特色。风格是一个艺术家创造个性成熟的标志,也是一幅作品达到较高艺术水准的标志;它又包括艺术家个人的风格,也包括流派风格,时代风格,民族风格等。

二、绘画语言:

美术的基本语言元素是点、线、面、色,任何美术种类的任何语言表达方式都是在这四个基本元素的基本上形成和演化开来的。绘画语言是指画家用一定的手段和工具材料,使艺术作品获得的视觉感受形式。绘画语言包括线条运用、明暗色调、色彩原理运用、空间、透视、构图和笔触等绘画元素。完成绘画作品不仅是表现形式的作用,而且还要有内容的体现,精神内容的传达,即所谓的绘画主题。绘画的内容与形式,密切相连,形式是观念、情感和技术的体现。由此看来绘画语言实际上是包含了技巧、形式和内容的有机融合。它是一个相互制约,相互渗透的有机整体,画家的情感是靠特有的绘画语言表现。这种语言的运用,是根据画家自身的艺术表现力而愈具特色。所以,对绘画语言所占有的深度和广度是检验画家艺术水准高低的标准。绘画语言的不同运用,产生不同风格的绘画作品。

油画用笔作为绘画语言的独特表述形式同造型、色彩一样是情感的符号,精神的载体,具有独立的审美价值。艺术门类的表现手段称作“语言”,不同的门类,有其不同的语言。艺术家的绘画语言要求真诚、精到、优美,有自己的个性。绘画语言的形式、发展、变化取决于艺术家个人对自身、对世界的主体认识与价值态度的更替。绘画语言应是敏锐的,深刻的和富有激情的。这种绘画语言形式,必须是艺术家内心深层次对现实的反映以及对诸多因素的整理、增减、强化和净化。

三、油画风格和绘画语言的关系以及自身的看法:

贡布里希说没有什么艺术史,只有艺术家。过去一切只是那些人的演绎,他们留下的是风格,画的面貌就是语言。油画风格和绘画语言是一种相辅相成的关系内容形式,油画风格是一种目的而绘画语言则是一种形式,两者是密不可分的。有什么样的绘画语言就有什么样的绘画风格与之相适应论文格式。无论什么风格的油画都是利用绘画语言并按照创作需要和美的规律与法则对现实生活进行抽离、集中、概括和综合等艺术处理。

绘画语言构成一副画的基础因素,而我认为任何绘画因素只是表象而这种表象却又是客观的,如何反映一幅画的真实情感才是最重要的。无论是油画风格还是绘画语言表现出来的都应是有灵魂或是有精神的东西。其中灵魂、精神是种抽象的概念,构成这种概念的因素就是形式与内容。

人类起初开始时都是注重表象,由于照相机的出现人们注重写实。当然又因为人类本身的不满足,觉得这样是不够的。从19世纪末叶开始,西方油画发生了根本性变化。传统油画比较狭窄的艺术功能和一体化的写实手法已经达到自身体系的高度饱和,因而在哲学观念、艺术观念的变革中趋于解体。油画不再以模仿自然、再现自然为艺术创作原则,艺术家自由构造的油画艺术形象被视为新的真实。艺术家不再通过油画形式如实描绘自然,而将油画形式作为表现自己精神与情感世界的媒介,以想象、幻想等方法构造作品。印象派之后的三位画家率先离弃了传统油画模式。凡高以奔放的笔触,使浓厚、明快的色彩充满强烈的力感。表现内心情绪的不安。高更以象征的色彩和造型构成画面,作品的空间与传统的形式相违,具有非描述性的神秘气氛。塞尚探研用几何形构成艺术形象,创造出画面是一个富有自身秩序的世界。他们的作品成为油画面貌剧变的标志。在20世纪油画中,由不同的艺术观念形成了不同的流派,并制约艺术形式呈现多种倾向,传统油画技法中的某方面因素往往作为艺术观念的形式体现被强化,甚至被推向极端,油画形式语言受到高度重视。近百年来西方现代油画流派纷繁,相继更替,只要以油画工具材料为造型媒介,艺术家可以创作任意的油画面貌。随着艺术观念的不断扩大,导致油画材料与其他材料相结合,产生了不归属某一具体画种的综合性艺术,油画因此也走向失去在西方作为主要画种的地位趋势。我觉得这个演变的过程是一个在不断完善的过程。

形式有很多种,内容也是一样可以分为简单内容、一般内容、复杂的内容就如同儿童画、中国画、世界名画一样。最终都是要表现一个人的内在思想,这才是最重要的。如何表现那就要看你对同一事物认识的深刻性了。有句话“至广大,尽精微”这是所有艺术的标准,衡量它的并不是技法内容形式,而是修养。或许由于我们崇高这一标准向陷入语言的无奈困境但绝不是因为追求标准的错,而错于亦步亦趋的思维方式没有文化意志和精神倾注。任何技巧都会使油画走向堕落。堕落的绘画是逃避时代的做任何事都需要精神和意志的控制。我们知道打仗之首是要激发战士的斗志,如果只是凭手中的刀枪厉害就没有中国革命的胜利,艺术之所以伟大,是因为它不能自然而然的产生“艺术等于人加上自然”—培根。吴冠中先生说过“笔墨等于零”,脱离了具体画面的孤立笔墨,其价值等于零,正如未塑形象的泥巴,其价值等于零。同样只注重形式和表象那你就什么也没获得,一幅画没有生命力的画也就成了装饰画。

总结:

每个时代都会产生伟大的油画家,他们对生活的认识与体验是相通的,他们的精神是一致的。所不同的,正是艺术语言的使用与艺术风格的形成。绘画语言正像法国画家莫罗所说的那样:“它是上帝的!人们从沉默的艺术中理解到雄辩力量的那一天将要到来,绘画语言的特点、本质以及对人们内心的感召力是无限量的。对于它,画家已付出了全部的精力和心血。运用线条、色彩、图纹以及造型的力量唤起思想:无论是绘画风格还是绘画语言表现出来的都应是有灵魂有精神的东西,这是所有艺术家所要遵循的,也是我在绘画这条道路上不断探索的。”

参考文献:

[1],区础坚.《油画风格》[M].岭南美术出版社,2005,1

[2],中文核心期刊要目总览ASPT来源刊CJFD收录刊[J].1993,12

[3],普通高中美术鉴赏[M].人民美术出版社,2004,10

[4],《今日中国艺术家—村民列传忻东旺》[M].河北教育出版社,2007,2

[5],吴冠中.《水墨画欣赏》[M].人民出版社,2005,3

第5篇

我们应该知道一个产品首先映入人们眼球,给消费者带来视觉冲击力的就是它的颜色。颜色在包装设计中占有举足轻重的地位。经各种数据以及调查可以证明,色彩会对不同性别、年龄、民族、经历以及成长环境的人产生不同的作用。所以,包装设计中应当充分考虑色彩的影响因素,让颜色助力于商品。

在中国古代,依据文化的不断的改变与成熟,中国的色彩从最有影响力的陶瓷开始走向生产生活的各个角落,五原色的思想开始深入中国古代优秀劳动人民的心中,五千年来朴实的劳动人民传承建造了中华民族特有的色彩文化气息。

对于色彩观念西方则应该追溯到印象派画家时期,印象派画家对于“色”的概念进行了有意义的延伸。印象派之后的新一代画家又更为有效的运用了光色理论,丰富了艺术实践。在国外有无数的物理学家研究光源与颜色的课题,牛顿的光谱也开始走上绘画的舞台。

经过对各大超市以及商店的走访,产品的包装对于色彩恒常性的运用还是十分广泛的。只是更多的时候大家并没有意识到这是色彩恒常性在发挥作用。或者说更多的人对于色彩恒常性这一个概念还十分的陌生以及模糊。简而言之就是设计者们大多处于一个可以较为合理的运用这理论,但是并不知道它的名字以及缘由的阶段,并没有太多的人去追根溯源。

当一个物体被别的颜色的光照射时,对于此物体的颜色我们仍然存在原有的个记忆不会受它光源颜色的影响。在我们的视觉观念里面同个物体在不同的光源条件下的颜色是恒定不变的。人类都有一种不因光源或者外界环境因素而改变对某一个特定物体色彩判断的心理倾向,这种倾向即为色彩恒常性。

要对色彩的恒常性做进一步的研究,重中之重就是要明确其对于消费者的影响力度。就是需要设计者通过对于色彩的恒常性对于消费者的心理的影响进行的深入研究,以便达到充分运用色彩恒常性的特性去设计产品包装,使产品的包装设计可以让生产商,销售商以及消费者三方满意。

消费者大都会在7秒之内决定要不要购买此商品,而色彩的影响在这7秒之内发挥了极大的作用。所以产品包装设计的首要目的是在能够在第一时间吸引消费者的眼球让其毫不犹豫的在同类商品中挑选此产品。另有研究表明:每一位顾客扫视超市货架上商品的时间仅0.03秒。所以商品的包装色彩要有足够的视觉魅力来抓住顾客的眼睛,促使其产生购买的欲望,并且能让人们以最快的速度识别和认知产品特质,打动消费者。色彩的恒常性从颜色和心理的角度对于消费者产生心理的暗示让消费者觉得它是最贴切产品的原材料的是记忆中的那个物体。习惯是最好的广告。

同等的商品那我们不会去选择一个难看的包装而放弃那个好看的包装,吸引我们的定是颜色绚丽色彩纷呈的包装设计。俗话说“好的色彩是会说话的”。我们把包装色彩赋予了自主的能力,拟人化了色彩本身。

第6篇

关键词:职专美术,审美教育

 

审美教育,是培养学生形成健康的审美趣味和正确的美学观念,提高学生感受美、欣赏美和创造美的能力,从而使学生成为一个在德智体美各方面全面发展的人的教育。在新课程中,国家把审美教育列入新世纪人才素质重要的组成部分,要求尽快改变学校美育工作的薄弱状况,将美育融入学校教育全过程。美术教育对学生进行美育具有得天独厚的条件。职专美术教育的主要内容是提供给学生参与艺术欣赏和表现活动的机会,并在艺术活动中学习最基本的美术知识、技能。因此,在教学方面,美育强调学生的自觉参与和亲身体验。它的宗旨是审美育人。本文拟结合教学实践,就职专美术课教学如何审美教育谈谈粗浅的看法。

首先,通过教学,让学生掌握审美基础知识,提高审美能力

职专美术教材《美术设计基础》为我们提供了这样一个平台,它共有三个部分:造型基础;构成基础;设计基础。这些摘要的铺垫。

1、“造型”是本教材学习的基础。具体内容涵盖素描、构图、透视原理三部分。教师首先引导学生认识、理解最基础的知识。如线条、形状、构图、结构、空间、明暗、质感等,让学生对“造型”艺术语言有一定的了解。在此基础上开始对绘画材料、工具、造型手段作最基本的介绍。如:如何拿铅笔;如何画线条;手腕如何运动;如何构图;比例大小;透视规律;素描的主要种类等。结合图例示范、讲解,明暗素描中物体的三大面,五级调子的基础知识;结构素描中,线条不仅用来勾画轮廓,而且是表现对象形体结构和质感的造型因素;设计素描中,线仍然是形体塑造和表现的重要手段。在课堂中通过临摩优秀素描作品和静物素描写生,培养学生对这一造型因素的感受和表现能力。经过动手实践,学生对于绘画的相关知识、特点有了进一步的认识和体会,审美的体验是生动和深刻的。也促发其进一步学习的愿望和要求。

2、“构成”是本教材学习的重点。硕士论文,职专美术。“构成”首先是一种造型的概念。所谓“构成”就是按照美学创作的原理,把一种物体形态分割成多个单元,又可以把多个单元组合成一个新的物体形态,这种从分割到组合,或从组合到分割的活动即是基础设计的构成。学习构成不是目的而是实现目的的手段,学习构成一是方法(怎样思维、怎样设计、怎样表现);二是找美感(美无处不在但需要发现,那怕是一点、一线、一面都有它存在的最佳视觉效果,根据具体的限制条件,充分表现其美感)。在课堂教学中,教师可以利用各种游戏来调动学生自主参与多角度思维的学习兴趣。如在学习构成的起始阶段,可以用一个小游戏来导入,告诉学生:假设每人10枚大小不等、颜色不同的棋子,请你对它们进行排列组合。比一比谁的排列方式最多,赛一赛谁的构思最巧妙。其实,在学生苦思冥想的时候,无形中已经步入设计的大门……。又如在色彩构成学习中,我采用欣赏评述的学习方式,结合色彩的基础知识,如:固有色、环境色、光源色,三原色、三间色、复色、色相、冷暖色、色调等讲解一些绘画作品;同时也让学生说说自己的看法和感受。搜集大量精美的平面设计资料给予学生启发、引导,为其进一步认识色彩,感受色彩提供帮助。硕士论文,职专美术。此外,我还利用示范,加强直观教学。在黑板上贴上水粉纸,作了相关的示范教学:三间色,不同的复色的调色练习;不同明度,纯度的色彩调色练习;用调出的色彩作明度和纯度的渐变练习;用和谐色和对比色作平面构成的一些练习。学生看到同一画面,不同色彩比对产生截然不同的视觉效果,兴趣和积极性被极大地调动了起来。纷纷动手去调色、上色,去尝试、创作。他们收获了知识、自信、体验,更多的是快乐和对美的感受。

3、“设计”是有目的的策划,是对前者的延伸与提高。设计广泛地应用于名领域,如:建筑、工业、环艺、装璜、展示、服装、平面设计等。硕士论文,职专美术。在美学领域中,设计属于工艺美术的范畴。本课程重点学习平面设计。硕士论文,职专美术。平面设计是策划将要采取的形式之一,主要任务是利用图形、文字、色彩、材质这四个核心元素和观众进行沟通,让人们通过这些视觉元素了解设计师的设想和计划。硕士论文,职专美术。在教学中,我主要通过欣赏、分析案例来引导学生认识、了解设计师的构思和设计理念,以及表现手法,如对比、类比、夸张、对称、主次、明暗、变异、重复、矛盾、放射、节奏、粗细、冷暖,等等;理解设计师如何把不同元素进行有机结合,例如在版式当中常常借助框架(也叫骨骼)。如:规律框架和非规律框架、可见框架和隐性框架。另外,字体和字型的选择与搭配的好坏,是非常讲究的。选择字体风格的过程就是一个审美判断的过程。在色彩这一元素的使用上,能体现出一个设计师对色彩的理解和修养。色彩是一种语言(信息),色彩具有感情,能让人产生联想,能让人感到冷暖、前后、轻重、大小等。要善于调动视觉元素设计。最后,让学生分小组进行实践探索,教师提供一些作品图片,根据作品主题分析设计师思想轨迹。例如作品中选用的表现形式,语言表达的角度,作品最终效果说明主题的力度等。根据自己对作品的理解进行阐述。经过一系列的学习活动,学生较系统地了解和初步掌握造型艺术的形式美规律,在掌握设计基础知识的同时,掌握了审美基础知识,提高了审美能力。

其次,通过教学,引导学生感受美,欣赏美,创造美

人虽有爱美的天性,但并非是人天生就懂美,会欣赏美,理解美。一个人只有在接受并掌握了一定的历史、艺术等方面的教育,具备了一定的文化素质,有了一定的人生体验,情感、个性等方面逐渐成熟,才会较深刻地理解艺术作品,从中受到美的感受和启迪。因此,实施审美教育,教师应在其基本意识建立后,进一步巩固,提高学生对美的好奇、探索之情。促发其自觉感受美,欣赏美,创造美。可以从引导入手,把握美感的多样性。

1、精选大量古今中外美的艺术作品, 如:中国的山水画、花鸟画、油画、版画、水粉画、水彩画、素描、雕塑等,让学生接触、观看、了解、赏析其色彩、线条、构图、动态及整个形象的美,愉悦心情,开阔眼界,接受美的熏陶。

2、精选一些既美观又实用的艺术作品, 如: 建筑、环境设计、室内装饰、工艺美术等图片和实物让学生观赏、评述。让学生去注意生活中美的事物,将审美的眼光、意识从纯艺术转到实用性的实际生活中去,增强审美认识的趣味性、多样性、实用性。硕士论文,职专美术。

3、精选一些“丑”的艺术形象,精心引导,让学生从丑的形象,认识、了解丑的现实,并通过审美创造使现实丑转化为艺术美。如罗丹的《美丽的欧米哀尔》(又名《老妓》)一个出卖肉体的,在她年老的时候,原先那丰满、富于曲线和青春魅力的人体的美消失了,变得畸形、驼背、形同枯槁。在现实中,这样的人体显然是丑陋的。但是,罗丹就是通过这个丑陋的躯体,让人们看到了社会对她的不公正的鞭苔、蹂躏与摧残;还有米勒的《扶锄的人》、朱耷的“白眼向人”的《荷花水鸟图》、齐白石的“既啮我果,又剥我黍”的《群鼠图》等都这样。其给人不是而是痛感(除作品的形式美外),要把握它的美需要经过深刻的思考,而一旦把握了这一艺术形象所体现的真理,虽有痛感却仍然愉快,是更深一层的精神上的愉快。

最后,要鼓励学生将审美融合到美术创作上去,融合到日常生活中去

这可以从以下方面入手:

1、在审美教育教学中,同时引导学生掌握表现美、创造美的基本功。如通过美术课训练、练习,掌握素描、速写、色彩、设计、手工制作等的画法和制作方法,让他们更为自如地表达出他们心中的美。

2、引导学生在日常生活中创造美。如组织学生动手参与美化校园、布置教室、装饰宿舍,营建整洁、优美、舒适的学习环境;引导学生注意自身仪表的整洁大方,讲究文明礼貌,做一个表里如一的人;鼓励学生奋发向上、互助互爱,营建一个和谐进取的集体。让学生的生活也充满美。

3、为学生提供创造美、表现美能力的机会。如组织兴趣小组,开展形式多样的艺术实践活动,定期组织观摩、比赛,给学生提供一个创造美、表现美的平台。

总之,要通过各种途径的审美教育,让学生学会欣赏美,创造美,让美丽的艺术之花,盛放在学生生活的画卷上。

参考文献:

《美术概论》王宏建袁宝林主编高等教育出版社

《中国美术教育》2007.2

第7篇

论文摘要:色彩与造型具有相互依存、相互关联的重要作用。如何思海姆在《艺术与视知觉》中将形状比作“富有气魄的男性”而把色彩比作“富有诱惑力的女性”。而查理·勃朗克也说过:“形状和色彩的事对于创造绘画是必需的,正如男人和女人的结合对于繁殖人类是必需的一样。”艺术家只有从积极的角度去认识形、色结合的重要性,并在自己的艺术作品中充分发挥造型、色彩的配合作用,才能创造理想的艺术形象。色彩传达感情最为直接,色彩的表情与人们的心情息息相关。无论是兴奋还是忧郁、欢快还是平静、轻松还是沉重,都能从色彩中寻出“知音”。因此,色彩所具有的风采和情趣常使人们心悦神往。

1色彩在建筑外部环境艺术中的应用特性

建筑外部环境色彩设计同其它一切物体的色彩设计一样,具有时代性、地域性、民族性与文化性等许多共同性质,同时也具有一些特殊的应用特性,其中最主要的有如下三个:

1.1识别性:色彩常常被人们用来表现个性、特点、身份、地位与领域,这是由色彩的本质特征决定的。所以就色彩的识别性而言,色彩的作用有些类似于记号与标志,其目的在于视觉传达。一个成功的建筑外部环境色彩设计作品,能够很好地突出建筑的功能、个性与特色,并能成功地让人们识别、发现。例如举世闻名的澳大利亚悉尼歌剧院,那洁白的建筑外部环境色彩与优美、独特的建筑造型,在蓝天碧水的映衬下,就酷似一组乘风破浪的帆影,给予人们一种分外夺目的视觉冲击力与悦目的识别效果,以使人们能够一见到这个特异的白色造型物体,即可想到悉尼乃至于澳大利亚。

1.2象征性:色彩具有象征的作用,特别是建筑的外部环境色彩,常常用来象征一个民族的思想意识、社会制度、宗教信仰及风俗习惯。例如北京故宫中金碧辉煌的建筑外部环境色彩设计处理,可以说在世界建筑的外部环境色彩设计上达到了极至,红色的宫墙、汉白玉色的石台基与精致富丽的建筑彩画色彩,特别是建筑黄色的琉璃屋顶,更是使得故宫建筑外部环境色彩的运用在中国古代社会具有至高无上的地位。建筑外部色彩还可用来表示方向,青色象征东方,赤色象征南方,黄色象征中央,白色象征西方,黑色象征北方;而且它还能用来表示等级差别,正色象征尊贵,间色象征卑贱,在使用上是经纬分明、不可逾越的。

1.3装饰性:不同的审美观念,对色彩装饰美化的评定标准也各不相同,诸如设色多样而不单调、统一而不零乱、和谐而不突变、细致而不粗陋、明快而不晦暗等。然而如何应用,则有赖于寻求到人们共同的审美感受。在现代建筑设计中,色彩往往用来作为装饰与改善建筑物体功能和审美感受的手段,如将建筑某些部位涂上纯度很高、色彩鲜明的色块,可用以装饰建筑外观,改善建筑的视觉形象,丰富建筑的空间环境,增加建筑之间亲切、欢快的感受。

2色彩在建筑外部环境艺术设计中所起的作用

2.1色彩在建筑外部环境艺术设计中的独立构形作用

这是一种最常见的、应用最为广泛的建筑外观色彩构形手法。它与其所在物体的形体构形无关,是相对独立于形体构形来说的。它可以在形体形象既定的情况下满足人们对色彩构形的各种要求,包括式样的创造、性格的象征、个性的展示、风格的表现及气氛的渲染与烘托等。

首先是式样的创造:比如中国传统建筑上的梁柱彩画,就在梁枋本身体形造型既定条件下,选用不同的彩画样式,并通过色彩构形的手法既可获得令人耳目一新的艺术设计效果。其次是性格的象征:比如红色代表热烈、喜庆、庄严、权威、绿色象征温柔、安宁、优雅、和平;黄色表示高贵、豪华、兴奋、光辉;蓝色显得清净、纯洁、深沉、飘逸等。所有这些,跟建筑构形中所谓的雄伟、亲切、庄重、轻快、严肃、活泼之类关于形体形象性格表现的描述则是同属一个层面的东西。再者就是显示个性和表现风格:这是色彩在建筑构形中展示巨大潜能的地方。即不仅通过色彩要素的变化可以产生无限多样的色彩调子,而且还可通过色彩构形创造无穷丰富的色彩图案,从而对视觉对象的形象个性与风格的塑造提供色彩表现的一切可能。如荷兰风格派建筑的代表作乌特勒克的施罗德住宅设计,就是利用色彩丰富与塑造建筑内外形象的典范。建筑外观色彩利用矩形阳台板、支架的翠绿色彩和其它构件的红、黄、绿、蓝、黑等色彩对建筑进行构形塑造 ,从而产生出构成主义的雕塑效果来,而色彩在这里起到的就是独立构形作用了。另外建筑外部环境的情调气氛渲染与烘托,更是色彩独立构形的优势,甚至是它难以分享的专利。在建筑内外空间的艺术处理中,只需稍微变更其周围实体环境色彩的冷暖调子与明暗调子,便可立即使那空间的情调气氛大为改观,而这种优势几乎没有任何其它的设计手段能够取代的。

2.2色彩在建筑外部环境艺术设计中的协同构形作用

这是一种既发挥色彩构形自身的表现功能,又配合与借助形体来共同完成美学使命的色彩构形手法。在中国传统建筑中,那种特有的艺术形式同样展现了色彩与形体协同构形的鲜明特征。如白色的台基、红色的柱子、黄色的琉璃屋顶与青绿点金的梁枋彩画是中国传统建筑艺术成就中具有自身特殊地位的一个重要组成部位。又如澳大利亚悉尼如帆影的歌剧院,同样是色彩与形体协同构形的一个典范,而歌剧院如帆影的建筑形体在白色的衬托,使其设计大师的构思理念更是发挥与表现的淋漓尽致。

2.3色彩在建筑外部环境艺术设计中的辅助构形作用

2.3.1强化:是指运用色彩构形手法进一步增强和突出形体造型的表现力。比如在阳台、柱子、墙面线条或其它需要着重表现的凸出或前突部分,色彩明度与强度相对提高,而在其余凹入或后退部分,色彩明度与强度则相对降低等。

2.3.2调节:是指通过色彩途径对形体形象中某些不利特征或非希望效果进行改善或隐化的处理,以使其产生不利的或所企求的视觉效果与形象特征来,比如在高层建筑,尤其是点式高层建筑的立面,常常在色彩构形上利用"横向分割"与"竖向分割"的构形手法,从而达到调节形体的作用。如现代建筑大师设计的马赛公寓,因是一幢高层的板式建筑,尽管在开窗处理上力求获得变化,但由于建筑的功能和材料所限,带给空间环境的影响仍然显得缺乏生气。为了调节形体上的这种不足,勒·柯布西埃在建筑凹廊两侧的墙面涂上色彩明快、纯度极高的色彩后,这幢表面粗糙的混凝土建筑立即大放异彩,并为周围的整个外部空间环境增添了无尽的光彩。

2.3.3组织:这是发挥色彩构形的"概括"与"突现"及"抑制"的功能对形体形象的各个组成部分进行构图的重建和再造,即"重构"的手法,以使同一形体形象能够展现出多种不同的色彩构形效果,从而创造出多种可供比较和选择的整体形象,以便于各个方面确定满意的外观构形形象来。色彩构形在其与形体造型的关系上所表现出来的上述应用作用,是相对而言的,其中独立构形不可能绝对地超脱形体;而辅助构形也并非毫无独立的成分,它们既各有特色,又相互渗透、贯通,从而反映出在建筑外观进行色彩构形的全部可能性能。

21世纪是色彩的时代,也是一个未来设计生命勃发的时代,当代视觉设计研究的许多成果都说明,色彩这个造型设计的重要因素,必将从依附于形态造型设计的观念中脱离出来,成为主宰未来造型设计的主体,环境色彩设计也必将步入一个未来充满色彩设计造型的新时代。让我们的设计师们能以敏锐的目光、聪明的智慧及精湛的技艺,去迎接新世纪色彩文化的呼唤!

参考文献

第8篇

论文摘要:现实世界处于两难境地,出现抽象艺术和具象艺术的对立与互补。精神、情感是一种抽象的物资,如何把这种抽象具体化,艺术家采用熟悉的具象的形态的组合来表现抽象的内涵。西方现代美术作品中的抽象元素与具象元素大多难以简单地用概念划分是抽象艺术还是具象艺术,他们处于一种变化的统一的状态。

在西方现代美术的范围中去划分作品的风格,从概念上大多以作品形象与自然对象的相似程度来比较。其中的抽象艺术一般是艺术形象较大幅度的变化或完全偏离自然对象原有外观的艺术:其中的具象艺术一般是艺术形象与自然对象总体上类似或极为类似的艺术。抽象艺术发展自具象艺术,源于具象艺术,抽象的本义是人类对事物非本质元素的舍弃和对本质元素的提取。在美术领域的研究和应用中,抽象艺术和具象艺术共同构成一对相互关联的基本概念。西方现代美术中的抽象和具象发展在不同的阶段,两者之间的对立和互补的关系也在不断的发生着变化。

一、印象派中主观具象的发展

印象派的出现和发展改变了西方美术界对艺术的认识,同时对西方现代美术产生了深远的影响。印象派画家用科学理论中新发现的新色彩理论,观察到物体本身并没有永远固定的色彩,颜色随着环境与时间而不断变化。作品表现的不单单是物体本身的色彩,而是光线在物体表面呈现出的变化,表现的是画家的主观视觉世界。是在具象的物体基础上发挥主观的视觉感受,作品描绘的是具象事物,但色彩上呈现的更多的是主观感受,这种主观感受多少夹杂着抽象的因素。

后印象派不满意印象派过于依赖感觉和自然,流于瞬间,他们认为光靠眼睛是不够的,还必须思考。后印象派的绘画是在大自然的面前长期观察思考的结果,而不是自然中短暂瞬间效果的快速记录。后印象主义画家的作品不再刻意表现光线,而是强调主观感受,主观感受是一种抽象的物资。印象派对二十世纪初期的立体主义、原始主义和表现主义等现代美术流派的观察方法和风格发展产生了很大影响。

二、现代主义艺术中的抽象与具象

在近现代科学技术高度发展的西方现代社会,人类改变自然的能力是越来越强。但是人与自然、人与社会、人与人之间的关系却日益复杂和严重。现实世界处于两难境地,出现抽象艺术和其象艺术的对立与互补。象征主义发起于法国,艺术家受高更的影响,反对写实主义,相信艺术是内心的召唤,情感和意念成为他们艺术创作的出发点,随意表现人的精神状态,包括梦中所形成的象征符号。精神、情感是一种抽象的物资,如何把这种抽象具体化,艺术家采用熟悉的具象的形态的组合来表现抽象的内涵。

野兽派是典型的具象和抽象的结合,野兽派发起于法国,最具代表的领军人物是马蒂斯。曾经受到黑非洲雕刻艺术的影响。他们的特点是受梵高影响,反学院派,惯用红、绿、青、黄等原色,喜用大笔触、单纯化的线条,情感真挚外露,富于激情。野兽派的艺术家的作品线条单纯,虽外形没有完全脱离具象,但线条的组合,色彩的搭配,形状的分割,已有抽象的意味了,是介于抽象与具象的完美统一,是抽象与其象互补的完美体现。

立体派是典型的抽象表现形式,立体派和野兽派一样发起于法国,立体派受野兽派及非洲黑人雕塑的影响,将自然的形象还原为几何学的图形,将不同时间、不同角度所获得的景象组合在同一个静止的视觉形象上。立体派的代表人物有毕加索,波拉克等,立体派的作品都是经过提炼的几何形,同时又是多空间事物的同一空间组合,虽画面整体是抽象的,但从画面中还是可以找到具象的单个造型形态。

三、二战后美术中抽象艺术的多元化

二战后经济复苏,社会发生了质的变化,科学技术彻底走向了反人本主义的境地,形成了科学与人相互对峙的局面。在这样的生存语境下,构成二十世纪现代人本主义核心的不再是以科学技术为基石的理性主义,而是反科学、反理性的非理性主义。艺术作为时代思想的形象表征,具有了浓烈的反现代的后现代主义色彩,出现了与传统艺术流派皆面目全非的后现代艺术。

二战后形成的艺术风格名目繁多,如波普艺术、新达达艺术、新具象艺术、综合艺术、最少派艺术、观念艺术、环境艺术等如潮水般涌来。后现代艺术以反历史、反传统、反宏大叙述作为起点,追求个人言说和标新立异,各说各调,并非追求一定的理论目的,有较大的偶发性,常常匆匆而来,又匆匆而去。艺术以抽象或具象或抽象与具象的结合的形式来来去去,也反映出抽象与具象既对立又互补的复杂关系。

后现代主义艺术不管形式如何多变,都是以抽象的观念为中心,通过各种具象的形式、行为表现出来,使艺术从单纯的架上发展到更多元化的表现形式。 转贴于

四、后现代美术的新动向

在后现代美术的发展中,观念艺术、波普艺术、环境艺术等流派的艺术家在创作中不断的挑战绘画的固有形式,希望取消架上绘画。但在进入70-80年代后,传统的架上绘画并没有逐步的走向消亡,而是打破原有格局,重新的迅速发展起来,成为西方70-80年代后现代美术的艺术主流。

在这股后现代艺术风潮中产生的重要的新一代艺术家代表就是德国新表现主义画家,他们对后现代艺术的风格产生了巨大影响。这一流派是70-80年代西方后现代美术中影响最为明显的力量,它撼动了美国在当代艺术发展的中心地位,而且还开创了新的当代艺术精神,给此后十余年的西方美术发展奠定了新的方向。新表现主义是德国在特定历史时期和文化环境中混合构成的,它在核心理论上接受当时流行的存在主义哲学观念,在创作实践中融合抽象表现主义的艺术风格,特别讲究在绘画过程中的情感突发和即兴处理,追求原始的、粗狂的、简单的美学风格,主张绘画要以本来面目出现,探索内容和形式,注重造型和色彩。新表现主义把具象与抽象同时运用,加以表现现实与荒诞的处境,增强绘画本身的感染力。

此外,在80年代以来,涂鸦艺术逐步在美国兴起,成为后现代美术中异军突起的绘画语言。在涂鸦艺术中,涂鸦造型大多是用线表现的象征性语言符号,是具象的形象与抽象的象征结合的语言符号,表现内容非常广泛。创作者通过涂鸦与观众直接交流,涂鸦是典型的底层民众创作出的大众化表现艺术。

五、结束语

我们从历史来看,在丰富的人类美术发展中不断的可以看到具象与抽象的变化与发展,众多的艺术作品不是具有纯粹的抽象艺术风格,就是具有真实的具象艺术风格,更多的艺术作品则是具象与抽象共存,这类艺术作品对特定对象进行大胆的变形和装饰处理,将不同的物体局部特征进行解构和重构,把对象进行程式化的抽象化处理,使对象造型进行变化和发展。西方现代美术作品中的抽象元素与具象元素大多难以简单地用概念划分是抽象艺术还是具象艺术,他们处于一种变化的统一的状态。西方现代美术就在抽象与具象的反反复复的对立与互补中发展与完善。

两方现代美术中的抽象艺术与具象艺术是辨证的,他们是磁棒的两极。不论是抽象艺术还是具象艺术,都是在人类历史上长久存在和发展出的艺术形式,是人类创造出的伟大精神财富。

参考文献:

[1](美)阿森纳:《欧美现代艺术史》天津人民美术出版社,1999年

[2]邵大箴:《西方现代美术思潮》四川美术出版社,1990年