发布时间：2022-07-28 12:20:44
序言：写作是分享个人见解和探索未知领域的桥梁，我们为您精选了8篇的电影音乐论文样本，期待这些样本能够为您提供丰富的参考和启发，请尽情阅读。
久石让毕业于日本国立大学的作曲系，一方面，深入地学习了西方古典音乐理论，施托克豪森、约翰•凯奇等殿堂级人物都对久石让有所影响；另一方面，久石让又善于在作品中融入日本的音乐元素，这也是久石让能被视作日本国民级音乐大师的原因之一。在久石让的作品当中，这样的结合是相得益彰，十分和谐的。如在《千与千寻》中，久石让就将日本的琉球音乐融入到乐曲当中。《千与千寻》本身就是一部以日本为背景的动画，主人公十岁的女孩荻野千寻是一个普通的日本女孩，影片还向世界介绍了日本特有的“汤文化”以及日本特有的神灵崇拜；另一方面，正因为《千与千寻》中有大量的神秘元素，涉及古老的传说与咒语，因此在配乐上必须要考虑到添加有日本民族风味的乐器，还要体现出东方古老文化的神秘色彩。在开场的音乐中，为了突出“腐烂神”（实际上是河神）的可怕，弦乐揉弦代表了众人，而日本特有的打击乐器则反映了人们内心的紧张与不安。而《众神》这一曲子更是用了日本的传统乐器三味线、尺八和太鼓，而当众神现身的庄严时刻，则用西洋乐中的铜管乐器进行辅助，既体现了日本的特色，又使得故事情节得以在不同配器间淋漓尽致地展开。
二、意境的脱俗美
电影音乐除了要为影片奠定基调以外，还要能言画面所不能言，使得观众与影片中的人物更好地产生心灵共鸣，这就涉及音乐为电影营造的审美意境。这一方面在《天空之城》的配乐中体现得尤为明显。在《天空之城》中，配乐有时不仅仅是影片的外景音乐，也是影片的实景音乐。如在《铁道车溪谷的早晨》中，音乐来自于少年巴斯站在房顶上所吹奏的小号。随着天色渐亮，小镇逐渐恢复生气，此时的配乐参与乐器也由少变多，交响乐队先用缓慢的旋律描绘出了天光大白、万物苏醒的场景，然后旋律逐渐紧凑，象征着人们开始忙碌，女主人公希达逐渐清醒。此时的希达由于受到海盗的袭击，从高空中坠入小镇，身处陌生的环境，正是处于无助的时候，但是巴斯的节奏感强而高昂的音乐充满了活力。此时的画面上是蓝天白云，鸽子的翅膀闪耀着金光在小镇上空飞过，各家各户的房顶上皆飘出屡屡炊烟。这明媚的场景既与希达曾经身处的黑暗天空形成对比，也与身为矿工机师徒弟的巴斯常年待的不见天日的地底迥然不同。小号本身的音色就是辉煌明亮的，加上这里选用的是降B大调的进行曲曲式，诉说着少年巴斯对于生活的热爱以及积极向上的人生态度。由于希达正是在巴斯家发现了天空之城拉普达的照片，因此燃起斗志，发誓一定要和巴斯一起找到天空之城，这一段有力地吹奏也暗示了两人的决心以及光明的结尾。巴斯每天吹奏完小号以后都会喂鸽子。当巴斯与希达互诉衷情的时候，乐曲由小号变成八音盒的倾诉主题。在音乐的塑造下，希达和巴斯的情感犹如阳光普照一般，得以自由地宣泄，整个画面都充满了唯美脱俗的审美意境。当希达与巴斯手牵手走进飞岛“天空之城拉普达”时，看到的是无数参天的大树，视野为一片壮观的绿色所占据，此时的配乐采用舒缓的钢琴，表明主人公的心中依然心存怀疑，处于不断地探索之中。钢琴声很好地表现出了天空之城充满生命力的景象，随着两人的脚步的移动，天空之城的壮观慢慢展现在他们面前，此时的旋律也变为高昂，更多的乐器加入进来，体现出二人心情的激动。在这一段中，天空之城的美景是主要审美对象，但在画面中不可能出现过多的细节，配乐很好地表现了这里草木生长、鸟兽繁衍的审美意境，给人以轻盈、安详之感。
三、人格的高尚美
(一)钢琴音乐营造背景气氛声音的元素
在影片中具有至关重要的作用，而钢琴在营造影片背景气氛时又有其独到的作用。钢琴音乐在《钢琴家》中作为电影背景的运用，使其艺术美学得到极致透彻的发挥。影片中被迫到处隐藏的主人公斯皮尔曼终于得以逃生，德国军官发现斯皮尔曼的时候，并没有呈现出纳粹凶残的本性，这并不让观众出乎意料，因为在这之前，《钢琴家》通过一段钢琴音乐，非常巧妙地营造出了十分忧伤的氛围，表达了德国军官的内心状态。当斯皮尔曼躲到阁楼的时候，在楼下传出由德国军官演奏的贝多芬的《月光奏鸣曲》，这首曲子孤寂清冷、伤感凄怆，弹出了德国军官的人情味。《钢琴家》采用了这种背景渲染的手法来展现德国军官异乎寻常的一面，而避免了德国军官因为放走斯皮尔曼而显得不合乎情理。之后，当德国军官发现了斯皮尔曼的身份时，斯皮尔曼弹奏了一曲肖邦的《g小调第一叙事曲》，以这首曲作为这部分的背景音乐，代表了斯皮尔曼在反抗，预示着德国军官将会遭受惩罚，为影片后面的部分做了一个完美的铺垫。
(二)钢琴音乐推动故事情节发展
音乐可以推动影片的故事情节，尤其是在惊心动魄、一波三折的影片中，同时也是大部分电影的特征，音乐可以呈现出跌宕起伏的与平缓的电影节奏，起着推动故事情节的作用。钢琴音乐在推动故事情节这部分有也有着独特的作用。钢琴有时会不仅仅以音乐的形式出现，其本身就是影片中的一部分。在《钢琴家》中，当斯皮尔曼与德国军官共同演奏钢琴时，这就是电影的一部分，在电影片头部分、斯皮尔曼参加比赛的部分等，出现了多段的演奏。其次，钢琴音乐本身推动着故事情节的发展。在影片开头部分，并没有出现战争的场面，而是反映出当地比较平静和平的社会生活风貌，然而当画面切换到电台录音棚时，之前所有表面的现象完全被德国军队的硝烟所破坏，以此故事情节得以发展。
(三)钢琴音乐的抒情功能
电影的故事情节与画面限定了钢琴音乐的类型，紧凑的场合需要紧凑的音乐，朦胧的场合需要舒缓的音乐。不管在哪种场合，钢琴音乐所表达的情感都是有所指的，或指向影片中的主人公，或指向画面出现的人物，或指向具体的事物，也可以是故事情节的需要，钢琴音乐必须要与电影相互融合。当德国军官要求斯皮尔曼演奏的时候，两年多没有弹琴的斯皮尔曼在紧张的气氛中弹奏了一曲肖邦的《g小调叙事曲》，宣泄出自己内心的苦闷与，这种不仅是因为德国军官要他弹奏钢琴，更多的是抒发了其内心对战争的不满。德国军官在这首曲中听到的不只有音乐，还有犹太人民的呐喊，斯皮尔曼通过弹钢琴换来了自己生命的延续。
(四)钢琴音乐贯穿主题
在这部影片中，钢琴音贯穿了影片的主题和发展，使影片的前后发展得到呼应。《c小调夜曲》可以说是影片的核心，不仅表达了影片的主题思想，也概括了影片的基本情绪。在影片的开头部分，斯皮尔曼在电台的录音棚里演奏《c小调夜曲》，突然德国军队的炮火开始袭击，但是斯皮尔曼却没有停止乐曲的演奏，最终录音棚被炸，斯皮乐曼受伤才停止演奏。在影片进入结尾的时候，战争停止，宣布波兰获得解放，斯皮尔曼再次来到了电台录音棚，将那这首曾经被硝烟打断的《c小调夜曲》延续。这是他在整部影片中的期盼，同时也正是这种期盼的存在支撑着斯皮尔曼走过了这段不堪回首的时期。
(五)钢琴音乐升华艺术品位
在多种音乐类型中，钢琴音乐富有高贵感，并且为大众所了解，钢琴音乐浪漫、典雅，声音具有强大的可塑性，可比天籁，犹如小溪，犹如心声，弹奏者可以为所欲为地演奏出多种力度上的变化与对比，因此钢琴可以完美地表现演奏者的内心，而跳跃在指间的音符可以诠释出浪漫的情怀，带给观众儒雅完美的音乐享受。如果在电影中注入了钢琴音乐，那么就更深层次地升华了音乐的品质。在影片中，通过非犹太艺人来演奏钢琴，她全神贯注的弹奏《G大调前奏曲》，外忍内强，表达出他内心的悲伤和哀痛，当黎明柔和的阳光照在窗帘上时，抒发了她对幸福生活的向往，使观众更深层次地感受到对纳粹人的痛恨，这种沉重而平淡的对比也更深层次地升华整部电影的艺术品位。为了在二战中不被纳粹逮捕而到处躲藏。他饱受饥寒交迫的折磨与外界的各种羞辱，每天都走在死亡的边缘。随着科技的不断进步与人类对艺术的追求，如今的电影已经不仅仅是导演的艺术，而是更为广泛的涉及了多个领域，包括导演、编剧、美术、音乐等多个方面。音乐已经陪伴电影有百年的历史，因此可以说两者之间彼此相辅相成。不仅电影的艺术形式与音乐紧密相连，而且电影的节奏与主题思想也需要有音乐来烘托。钢琴音乐与演奏者的艺术表现紧密相连，不可分割，钢琴音乐强调以情感人，其内容蕴含丰富的个人情感与艺术魅力。钢琴音乐在体现主人公的情感状态时，同时也是描述自然现实最佳乐器，因此，钢琴音乐在电影中得到了广泛的应用。
二、钢琴音乐与主题的完美契合
在影片中，斯皮尔曼饱受着挫折，亲眼看见国人被纳粹杀害，房屋被烧毁。在这段时期，斯皮尔曼以坚强的意志生存了下来，在斯皮尔曼最困难的时候，他的双手不自觉地在空气中弹着“钢琴”，正是音乐的力量在支撑着他。斯皮尔曼缓缓地走到钢琴前，在德国军官面前，在稍微迟疑之后，音乐在气若游丝般的斯皮尔曼干枯的手指间流出，这时德国军官的内心与表情逐渐改变，这也是音乐的力量。影片只有在斯皮尔曼演奏时出现了肖邦钢琴音乐，在纳粹进行杀戮、犹太人遭受迫害、斯皮尔曼四处躲藏这些情节的时候，没有任何音乐，这种气氛让人感到压抑，让观众有如身临其境的感觉。当人们苛求生存、苛求人性回归的时候，肖邦的音乐响起，使人们的心灵得到安慰。这依然是音乐的力量。《钢琴家》巧妙适当地引用了音乐，为电影本身锦上添花，使音乐完美地达到了“电影化”，使音乐与画面不分彼此。
三、结语
关键词：民族音乐元素;电影音乐;音乐问题
中图分类号：J605 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2015）35-0098-02
我国传统的民族音乐，早在历史悠久的时期就已经发扬。其属于国内电影音乐主要的构成部分，其对于我国的电影音乐发展情况，同时可发挥非常关键的作用。在国际电影获奖中，很多获奖的电影中均包含中国的民族音乐元素，其能够给人以难忘的印象。由此可见，民族音乐元素有效的应用于电影音乐中，可以给电影加分，同时能达到民族音乐、民族乐器普及的效果。
一、民族音乐在电影音乐中的应用
我国第一部题材为少数民族的生活影片为：塞上风云，其作曲家将西康民歌改变为思乡曲，将人们带入到北部辽阔的草原中。然后，电影：草原上的人们，其插曲――敖包相会，将观看的人员牢记草原忠贞的爱情。影片：芦笙恋歌，作曲家：雷振邦通过拉祜族的特色风格和曲调，将电影创作歌曲――婚誓。早在20世纪60年代，电影阿诗玛中，有效的通过撒尼族曲调，创作独唱、多重唱，以及集体合唱，然后将音乐中的艺术气息，以画面的方式呈献给观众。同时，刘三姐音乐，主要选材为壮族的音乐。而五朵金花，即表现了西南大理等地区民族的风格。冰山上的来客，通过地方牧歌的方式，将电影的音乐彰显新疆的民族特色。而民歌广泛的普及，对于各民族的特色来讲，同时能够达到宣传的效果。这种民族特色的歌曲，能够将当地人们的生活情况、风土人情加以写照，同时可提高电影生活气息、艺术分为的效果。民歌中的音乐曲调、歌词相互的结合。能够有效的将电影中的蕴意体现。而音乐中，不仅仅可以将电影的情节进行展现，同时还可以通过环境将故事的氛围变得浓重。进而使得观看的人们，能够被故事情节和音乐的带动所感动。
民族音乐能够有效的创设人物的形象，将其心理方面的活动进行展示。如1987年，红高粱以电影中，酒神曲中，将北方的浓厚乡土气息表现的淋漓尽致，而――妹妹你大胆地往前走，同时可让患者感受到电影中所要表达的内容。我爷爷、投身于的庄稼汉的形象，通过音乐的表现，显现的恰到好处。2005年获奖的电影：花腰新娘，其插曲均和彝族有关，其表现当地人们于水上劳动，将原生态歌曲淋漓尽致的表现，让人们改观了对少数民族电影音乐的 一项，进而形成一种刚韧有力的艺术美感。而民族音乐在民歌中的地位是不可撼动的，应用于电影中，使得音乐的形象更加深刻的同时，还可以确保电影的效果。
二、民族器乐在电影音乐中的应用
我国传统的民族乐器主要包括：弦乐和弹拨、吹奏，以及打击几种，而不同的乐器其表达的效果均有一定差异。器乐演奏中，同时又转化了器乐的不同风格。电影：芦笙恋歌中，雷振邦通过拉祜族音乐，将芦笙进行搬走，以小调中提取音乐的旋律。阿诗玛以电影中，通过西南少数民族中彝族的音乐，选取的乐器为竹笛和三弦。众所周知，三弦的低音非常重，所以表现力极佳。电影中“天山上的红花”，采取哈萨克族的冬不拉进行奏乐，效果较好。菊豆，通过民间乐器埙进行演奏，于主角人性期盼和封建禁欲的时候，实行两者间的碰撞，表现的效果极好。然而，并不是所有的电影，均能够通过当地民歌音乐进行配乐，而是通过作曲家进行创作。卧虎藏龙中，于到南方的环节中，应用有氧的竹笛进行渲染，然后配合新疆的古月，将女主角的俏皮进行展现。与此同时，云南民歌中小河淌水能够显示出任务的重要性，将玉蛟龙展示的恰到好处。在酒楼翻个的场景中，将血雨腥风的场景显现的较佳，能够让观众体会到音乐的风暴力量。而人们同时会感受到艺术的处理效果，人们的视觉和听觉方面均受到熏陶。此外，电影的主题能够将功夫和血雨腥风的效果进行彰显，把观众的自身修养，带入到一个全新的高度进行审视。此外，还存在一部分的音乐在应用的效果来看，比较内敛。
三、戏曲在电影音乐中的应用
戏曲，属于一项综合性的艺术表达方式，其将歌曲和舞蹈、器乐，以及说唱等民族音乐的元素进行统整。其对于电影音乐的影响非常大，尤其在电影的音乐创作的过程的影响力非常大。我国自己拍摄的第一步电影：定军山，其中就涵盖很大一部分的吸取音乐。在30年代的时候，我国又拍摄了：歌女红牡丹，其主角红牡丹所展示的京剧就达到好多部，如拿高灯和裕塘春等。到了60年代红旗谱中，通过河北的地方戏曲，将板胡和唢呐等企业，将河北平原的歌名农民形象进行表现。在电影：枯木逢春中，其电影中的音乐将南方的戏剧和曲艺等音乐进行表现，特别为评弹，其将主角的再次相逢的场景，哪种错综复杂的情感进行表现。舞台姐妹中，将越剧的发展历程进行囊括，作曲家将越剧的音乐素材实行创作，并实行重点，采取适宜的方式将其思想和情感进行表达。曲作家，于电影拍摄的时候通过跟组的方式进行创作，其中不乏收集素材和对艺人的访问，进而确保电影能够独具越剧的特点。此外，同时需要对全新的音乐进行创作。人鬼情未了以电影中，将主角的心理历程进行展示，通过叙述的方式将故事进行讲解。作曲家没有按照原有的戏曲乐，仅通过河北梆子的戏曲唱腔创作主题的音乐，将主角的实际状况、舞台情况相融合，进而实现理想的效果。活着中的主体音乐，体裁为秦腔和皮影戏的厂房，其主要显示的为淳朴和粗犷的音乐，进而给观众带来全新的视觉和听觉的享受。菊豆中，使用京剧《西皮流水》其主要强调主体音乐的反复，进而实现贯穿电影的效果。卧虎藏龙的音乐中，将武打的场面和京剧艺术，相互结合，以达到武侠电影音乐和戏剧艺术融合的效果。戏剧音乐如何有效的使用，能够确保戏曲音乐将传统文化、人类的生存、人们的思索进行展示，进而达到和电影新意的结合，这也是戏曲音乐的主要特色。如霸王别姬中的戏曲音乐，将主角的成长、社会情况淋漓尽致的表现。电影音乐，能够将人物的命运，通过哲理性的音乐进行转化，而这也将电影的音乐画上圆满的句号。民族音乐于电影音乐中，具有较强的推动效果，能够将具有民族的特色发挥到极致，这和创作者、作曲者的态度有直接的联系。像雷振邦和张棣昌、陆云等作曲家，能够实际进入到社会的地层，搜集民族音乐元素的资料和素材，而这也给电影创作的音乐加色。国内的电影音乐，在影视界中占据了即为关键的位置，其带领国内的电影音乐向国际化发展的过程，铺垫了平坦的道路。其中能够代表国内电影音乐的创作为：红高粱、活着、霸王别姬，以及大红灯笼高高挂等。在这些音乐中，人们可以感受到中国的音乐特色，同时可显示出我国音乐元素（戏曲）的特点，将音乐创作联合人们的生活进行构思。秉持中国的特色――民族文化的电影音乐，通过认真的创作态度，确保电影音乐能够将我国的音乐特色展示出来。
四、总结
现阶段，我国影视市场不断的发展，使得国内的电影进行电影制作、技术和主流意识等，均能够和国外抗衡。因此，只有不断的提高民族音乐的特色，将我国民族音乐元素合理的应用于电影音乐中，建立我国自己的电影音乐特色，才能够有效的推动电影音乐的良好发展，促使民族音乐元素被发扬光大，被人们所认可、周知。
参考文献：
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关键词：武侠电影；音乐；赏析
一、引言
一幅幅刀光剑影的江湖画面，一段段恩恩怨怨的儿女情愁，一招招出神入化的盖世神功，一座座侠肝义胆的英雄塑像，武侠电影带给了我们这些神奇。武侠电影音乐是专门为武侠影片创作、编配的音乐，是武侠电影综合艺术的一个重要有机组成部分，是一种新的艺术体裁。武侠电影音乐最主要的一个特点就是能够使武侠电影观众把听觉形象与视觉想象结合起来，达到视听的统一和享受。我国武侠电影音乐深深植根于传统文化的沃土，在很大程度上受到中华民族的历史文化传统和民族审美心理传统的深刻影响，因此也呈现出与众不同的民族特色。我国数千年绵延不绝的中国文化，以其源远流长与博大精深的深厚底蕴赋予了我武侠电影音乐极强的生命力。
二、当前我国武侠电影音乐的特点和功能
武侠电影音乐应服从于不同类型和不同风格的武侠影视作品特定的主题思想、内容情感或人物形象、故事情节的表现需要，并与其有机结合，从而在内容情感上呈现出某种特定性。武侠电影音乐可以根据武侠作品表现的需要随时改变自己的结构形式，根据不同的情节、人物、环境，运用不同情绪的音乐去渲染和表现。武侠电影音乐往往可以运用分散穿插的结构方式，在特定的人物活动或特定的环境氛围中穿插点染，从而增强作品的艺术表现力。此外，武侠电影音乐的艺术效果必须通过武侠电影艺术整体各构成元素的有机融合去实现，通过与画面、人物语言和音响的共融，去服务于武侠人物形象和故事情节的刻画。
总的说来，武侠电影音乐可以为武侠电影营造一种特定的背景气氛，以达到深化视觉效果的作用。武侠电影音乐在发挥渲染气氛的功能时，通过音乐这种听觉手段为影片部分或者整体地创造某种气氛，增强听觉感受，使人产生身临其境的感觉。这种气氛对于音乐和画面而言，既抽象又具体，而武侠电影音乐就是把这种难以捉摸的情感色彩，借助一定的音乐形象表达出来，使武侠电影画面形象更加生动、感人。
三、近期主要优秀武侠电影音乐赏析
《黄飞鸿》系列电影可以说是我国武侠电影作品中电影音乐的成功运用的代表之一。在《黄飞鸿》系列，“男儿当自强”的歌曲或以此改变的旋律反复出现，将威武中华男儿的形象传颂四方。音乐作为声音主导动机的关键环节在刻画人物性格，表达影片主题思想方面走在前列，同时也是烘托氛围、创造节奏的有效手段。近年来，从《卧虎藏龙》的获奖，到《英雄》的中西合璧，到《十面埋伏》的好评，再到《功夫》的不断创新，武侠电影音乐从单纯的民族乐器的突现已经发展到交响式的中西合璧新民族风情，在大众文化中得到广泛流行。
张艺谋的武侠作品《十面埋伏》从中国古乐中汲取了很多特殊音乐元素，是出色利用我国传统古典音乐的典型代表制作，其中最突出的是运用了奇崛而独具震撼力的琵琶曲，在影片中起到了刻画人物形象的强烈作用。《佳人曲》这段二胡和琵琶协奏曲在《十面埋伏》中被一再应用。片尾小妹死后也响起了金捕头悲伤的歌声。《佳人曲》中的佳人和小妹的形象是互相映衬的，南国秀丽，其佳人多杏目柳腰、清艳妩媚；北国苍莽，其仕女多雪肤冰姿、妆淡情深。此歌以“北方”二字领起，开笔就给所歌佳人，带来了一种与南方迥异的晶莹素洁的风貌。
作曲家谭盾充分地发挥了自己跨越中西、古今不羁的创作特长，在《卧虎藏龙》和《英雄》中使电影配乐发展到交响式的中西合璧新民族风情。谭盾的音乐把人生的困惑和无奈用典型的中国情结表达了出来，舒缓而优美的旋律反映了惆怅而悲伤的人生，让人感觉人即是江湖，人的爱情和人生也如江湖一样不可把握。在《卧虎藏龙》中，大部分音乐旋律单纯、朴素、统一，和声简单明了，配器清淡。《卧虎藏龙》选用了多种中国民族乐器进行补充，使整部影片的配乐统一而富有变化。《英雄》中的电影音乐也是一次视听的盛宴，是视听艺术的大胆实验。《英雄》从头至尾有一支主旋律萦绕在人心头，时而凄切、悲凉，时而雄浑、激越，时而像如泣如诉的马头琴讲述着“风潇潇兮易水寒，壮士一去兮不复还”的英雄传奇。影片中，作曲家谭盾发挥自己跨越中西、古今不羁的创作特长，让这些乐声彼此对话。影片一开始，出现了交响乐与鼓声相间的“序曲”，西洋交响乐宛转流露出二人转的曲调。而东方的鼓点却打出爵士、摇滚的节热“棋馆古琴”的一幕，使小提琴和中国古琴的乐声2000多年以来首次融合到一起。
周星驰的影片《功夫》在武侠电影音乐的运用中又创新了一步，近年来首次运用了不少时代的音乐，令人亲切，令人振奋，给人向上的激情。周星驰的《功夫》带来的这些怀旧音乐是扎根民族，扎根民众，扎根中华文化的，只有如此，电影音乐才会有生命力。在《功夫》中，激昂慷慨的音乐几乎贯穿整部影片，尤其是在精彩的打斗时，每每有振奋人心的民乐响起。影片中出色地插入了《闯将令》《小刀会组曲》。《闯将令》以高亢的唢呐引领，具有逼人的豪迈气势，非常适合在武侠片决斗时刻引用，这在五六十年代香港粤语武侠电影中经常采用。《小刀会组曲》受到香港武侠导演普遍欢迎，它本是舞剧《小刀会》的配乐，但因其慷慨悲壮的基调和浓厚的民族色彩而成为民乐经典。此外，《四川将军令》《十面埋伏》《东海渔歌》以及《英雄们战胜了大渡河》，都能够使人不禁油然而生一种男儿当自强的豪情。
四、总结
我国的武侠电影一向留意于细腻的表达手法；我国的民族音乐，纯净而深邃，文化底蕴深厚，在表达细腻感情时如玉一样温润婉转；抒发激情时，似山河般坚定壮阔。这独有的特色与我国的武侠电影正是相得益彰。总之，武侠电影音乐是武侠电影艺术的重要表达手段，有音乐的一般共性，又有自己的特性，是武侠电影艺术语言不可缺少的载体。今后，在导演们和作曲家们的共同努力下，武侠电影音乐的表现手法必将日益丰富多彩，在武侠电影中发挥更加广泛和多方位的艺术功能。
参考文献
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2.侯燕.音画统一与视听合一:电影音乐特性研究[J].中国音乐学(季刊).2007,(1)
转型后的音乐节使得受众面进一步拓宽，北京现代音乐节逐渐从“小众”走向“大众”。此次音乐节的活动安排保持了一贯的高效率与高密度。一共推出了5场重量级的交响音乐会，10场高水准的国际重奏音乐会，1场青年作曲家的专场音乐会；在学术交流方面安排了5场国际音乐大师班；举办“2011中国美育论坛”等。这一系列活动为广大观众提供了一场现代音乐的饕餮盛宴！
一、 风格多样的音乐会
纵观此次音乐节所举办的音乐会，纯粹实验性的、表现主义的、从形式出发的音乐作品所占比例较少，而更多是表现当代人的生活与精神状况的作品。例如5场交响音乐会与“青年中国”专场音乐会都体现了这种创作趋势。而重中之重的则是开幕式音乐会――晨曦微光。整场音乐会演奏了3位作曲家的作品，上半场是日本作曲家武满彻的管弦乐作品《晨曦微光》与格鲁吉亚作曲家吉雅•坎切利的《第五交响曲》，下半场是叶小纲的《第三交响乐“楚”》。《晨曦微光》这部单乐章的管弦乐作品作于1988年，采用了神秘的远东音乐元素，以幻彩般微妙的音色、力度变化表现出日落时暮光趋于黑暗的瞬间，同时也利用多层次的声部交接描绘出缕缕阳光从不同角度洒向大地的生动画面，具有印象主义音乐的特征。《第五交响曲》创作于1977年，以“父母的回忆”为标题，在大乐队之中插入了一台古钢琴专门演奏暗示过去时光的曲调，与代表现实的乐队形成了对话。音乐在回忆与现实之间来回转换，真切地展现了作曲家内心的矛盾冲突。一曲奏毕，全场掌声雷动经久不息。下半场是叶小纲的七乐章《第三交响乐“楚”》。交响乐《楚》的第一稿作于2002年，并于2007年进行了修改，是依据灿烂的古代楚文化而创作的具有现代思维的交响乐作品。全曲分别以序、乐舞、丝、逍遥、青铜、西陵峡、魂为标题。作品具有浓郁的庄子散文般的气质。尤其《丝》乐章中调性游移飘渺的女声、《青铜》乐章中编钟打出铿锵的乐音、以及《西陵峡》乐章中具有强烈张力的大乐队丰满的音色等等，无不为我们展现了一幅幅楚文化的历史面貌。值得一提的是，年轻的国家大剧院音乐厅管弦乐团在指挥家吕嘉的带领下精彩地诠释了这三部风格迥异作品。无论是细腻的音色处理，还是多层次的声部交接，以及从音响张力的大幅度对比，乐队都能做得游刃有余、几无挑剔。
5月22日晚，在国家大剧院上演了当代作品音乐会。包括里盖蒂《大气》、庞•那荣《第三世纪》、卢托斯拉夫斯基《献给巴托克的挽歌》、池边晋一郎《第五交响曲》、史蒂文•斯塔基《第二管弦乐队协奏曲》。其中久负盛名的《大气》在中国大陆是首演，作品中的微复调、音块、微分音技术对于演奏家与指挥而言都是一次极大的考验。在指挥家张国勇的带领下，中国爱乐乐团圆满地完成了这一“艰巨”的任务。其余四部作品都各有特色，但其中都有一个共同的特点就是“易懂”，作品中的音乐语言不再是那么生涩难懂，与观众的情感交流也变得更为直接。5月23日晚，波兰新音乐团在中央音乐学院音乐厅带来了一场专场音乐会。音乐会开场前，来自波兰大使馆的主持人表达出对北京现代音乐节的肯定及对中国的热爱。因此，特意选择了两首中国作曲家的作品演奏，贾达群《水墨画意三则》与虞鹏飞《晚唐》。前者表现了中国山水画的意境、后者则表现了晚唐时一片萧夷的景象。 5月25日晚，在北京音乐厅上演了“青年中国”专场音乐会，5位80后甚至是90后的青年作曲家联手奉献了一场充满青春与动感的音乐会。沈逸闻《单簧管协奏曲》清新、简洁而具有抒情的气质，李劭晟《青年中国》则充满了张力与朝气，而霍菲菲《达幽》则是音乐会上最为“安静”的，音响呈现空灵与徐缓的氛围。整部作品几乎没有一个正常的“乐音”而是通过各种乐器本体所发出的“空间的声音”的组合，贴切地表达了一种宗教中“达幽”的境界。5月26日晚，澳门乐团为听众带来了一场《大师作乐》澳门乐团华人作品专场音乐会。曲目包括林乐培《春江花月夜随想》、陈怡《朔》、陈培勋《心潮逐浪高》、林品晶《澳门五景》以及叶小纲《岭南四首》。这场音乐会是2011年北京现代音乐节期间最为“传统”的一场音乐会。上半场的三部作品基本沿用了传统的创作技法与表现风格。《澳门五景》则尝试用音乐去描绘景色，其中运用了许多模仿自然音响的手法，为我们展现了澳门独特的风土人情。《岭南四首》是2011年为澳门乐团的委约之作，以唐宋明清四首富有岭南特色的诗歌为词，创作的以中国古典诗词吟咏为主、融合现代音乐技法而成的大型交响乐作品。叶小纲用其极富个人色彩的音乐语言，为灿烂的古代文学作品插上音乐的翅膀，抒发了当代艺术家的豪迈情怀。
5月27日晚，国家大剧院音乐厅迎来了由北京现代音乐节音乐总监胡咏言担任指挥的音乐节的压轴之作闭幕式音乐会！音乐会上演奏了四部大型作品，周龙《序曲1911》、梅西安《四重协奏曲》、勋伯格《华沙幸存者》、邹航《2011》。两位中国作曲家的作品是北京现代音乐节的委约作品。今年是100周年，围绕这一主题音乐节组委会特别委约周龙和邹航创作了处于百年首尾的交响乐。《序曲1911》包括“风云”、“潮流”、“未来”三个部分，表现了1911年跌宕起伏的革命风暴，以及革命者誓死追求民主与自由的革命精神。而《2011》则在宏大的交响音乐语言中加入了摇滚乐的鼓点与清新的童声合唱等流行风格，甚至能听到同主音大小三和弦的交替进行的简约手法的使用。《2011》成为了融合多种风格的“混合体”，反映了处于急剧转型期的社会状况与人们的精神状况。这两部“横跨百年”的交响音乐作品浓缩了一个国家的百年沧桑与历史巨变，彰显了转型后的北京现代音乐节对社会的责任感和使命感。
此外，音乐节期间还上演了10场不同风格的国际重奏专场音乐会。如以现代风格为主的德国Ensemble Recherche音乐会、奥地利音列乐集音乐会、波兰籁声重奏乐团音乐会、美国东方二重奏音乐会、“璇音雅集”台湾作曲家音乐会；以传统风格为主的波兰新艺术合唱团音乐会、缅甸Hsaing Waing 打击乐重奏团音乐会；以电子音乐为主的美国斯坦福新音乐团音乐会；一场青年作曲家发展计划YCP入选作品音乐会。如此众多与风格多样的音乐会，让听众在短短一周内接触了大量的新音乐信息，极大地丰富了音乐视野。如叶小纲所言：“我们的演出包括了世界各地的演出和学术交流，什么都有，如同万花筒一般。每个参与者都能从中得到自己想要的东西。”
二、 智慧的碰撞，心灵的沟通――高峰对话
5月24日下午，在中央音乐学院的演奏厅迎来了精彩的“高峰对话”。此次高峰对话所邀请的嘉宾都是作曲家：叶小纲、秦文琛、坎切利、斯塔基、池边晋一郎。在音乐节执行总监陈小龙的精彩主持下，五位作曲家围绕音乐创作的诸多问题畅所欲言表达了各自的观点。
在谈到如何解决在市场经济条件下创作中理想与现实的冲突时，斯塔基认为：“没有简单的办法，需要协调与分享。有时候是相当自私的，只为自己。”
在谈到池边晋一郎的作品中的日本元素的重要性，以及日本音乐的发展倾向性等问题时，池边晋一郎答道：我不太喜欢在我的创作中存在某种体系，而是应该从头脑中去理解音乐。东方因素的体现，在作曲过程中应该是同中有异。音乐创作应该是人的本性的自然流露。世界上存在着多种不同的音乐体系，不管是序列音乐还是简约派，它们的地位应该是平等的。东方作曲家们应该得到欧洲的承认，这样会有认同感，但是我更希望与西方作曲家站在同一平台上面。
随后五位作曲大师就宗教与生活经历对音乐创作的影响讲述了各自的观点。坎切利谈到：“俄罗斯音乐虽然给了我很大的影响，但是我做了改良，因此会有所区别。我出生在苏联，以前我的偶像是列宁与斯大林，直到20岁时才真正意识到有宗教的存在。我后半生一直在寻求如何接近宗教，这对我来说是一个颠覆。我希望我的音乐能融入宗教，因为只有在我的音乐中体现宗教的独特性才叫真正的独特性。我的《第五交响曲》就包含了善于恶的对比与冲突，交响曲当中善的力量应该超过恶的力量。”池边晋一郎谈到：“日本虽然有基督教与佛教，但是并不深入与虔诚，因此真正的宗教音乐很少见。”叶小纲谈到：“我认为有所畏惧总会好一些。”斯塔基认为：“宗教在美国的情形较为复杂，美国是移民国家，不同的宗教界限分明，但没有看到宗教与音乐有更多的联系”。
随后叶小纲提出，现代音乐创作中极端的个性与人类共性是否会产生矛盾？艺术的创作应该建立在何种基础之上？斯塔基答道：“极端的个性必须要进行表现，音乐需要个性才能有新的发展，如果随大流就不太好。”坎切利的回答则不大一样，他认为个性只能与共性联系在一起。
在谈到20世纪的音乐对我们有何启迪与教训时，斯塔基道：“20世纪是非常复杂的世纪，一战时是简约，二战后拒绝一切从头来过，70年代后则是百花齐放，那有没有共性的音乐呢？这种期待并不可能，21世纪应该是融合的世纪，在我们的作品中应该没有语言障碍。”池边晋一郎认为：“20世纪的音乐做到了极致，几乎所有的技术都使用过了。直到上世纪80年代才有所反思，并且持续到现在，我们现在需要思考的是应该忘记什么。”
最后，作曲家们就全球化对于音乐创作的影响表达了自己的观点。秦文琛认为：“每个民族都有优秀传统，全球化就是美国化。以前我去能够看到弦子舞，我担心如此好的音乐在全球化的影响下消亡。”陈小龙说：“我是土家族人，我们的语言已经消失了，但是音乐仍然存在。我不知道现在的学生在面对世界时是否需要保持民族特色，民族风格的存在是否有意义？”斯塔基以为：“对于一些文化的消失我感到很伤心。对于年轻作曲家如何保持本民族的特色我很难给出建议。”坎切利说：“我不认为全球化有何威胁，它只是涉及到某些领域。不管世界上发生任何事情，格鲁吉亚的民族音乐仍然按照自己的方式存在着。全球化并不会带来语言的统一，我们还要按照自己的方式存在着，全球化不会让我焦虑。”
三、 高水准的学术活动――学术讲座、大师班
本次音乐节的学术交流活动颇为频繁，学术讲座、大师班与中国新音乐论坛占据了音乐节期间大部分白天的时间。如此高强度、高密度的学术活动为参会者提供了充分的学术交流机会。
学术讲座与大师班的主讲人都是作曲家：坎切利、斯塔基、池边晋一郎、博格、以及陈怡与周龙（由陈怡代讲）。作曲家就自己的创作理念与部分作品创作手法向听众们做了详细的介绍，并且现场点评了部分青年学生的作品，回答了听众的提问。大师们独特的创作理念与巧妙的创作技法给予现场的听众很大的启发与思考。如，博格讲述了他的电子音乐作品Jiyeh创作经历，这是一部描写黎巴嫩某个小镇的海面上因为战争而致使原油泄露的场景以及人们面对人祸感到悲凉与无助的心理。坎切利说：“我的每部作品都需要花费两三年的时间，而我会将这几年之间的灵感都放进去。直觉对于我来说很重要，创作应该是理性与感性的结合。有些人创作是为了祖国、为了人类，而我的创作则只是为了我自己。我有意在作品中不使用自己民族的传统音乐，因为那都是无名作曲家创作的，是原原本本不能改动的。对我来说，传统和声与现代和声是没有界限的，现代和声是源于传统的（并在钢琴上做了示范）。最后我想给青年人一个建议，不要在大街上随大流穿某种类型的衣服回家后才换上自己的喜欢的衣服，在生命当中一定不要害怕表现自己的本真！”池边晋一郎先生则谈到了电影音乐与专业音乐的关系以及如何体现本国民族特色两个问题。他认为，电影音乐创作与专业音乐创作就像骑自行车，二者可以同时前进，但又互相影响与限制；民族特点的体现有抽象的与具象的两种方式，在乐队中加入民族乐器是一种具象的体现，在音乐中融入本民族的思维方式则是一种抽象的体现，例如日本作曲家芥川也寸志“减法思想”。斯塔基在讲座上以获得普利策奖的《第二乐队协奏曲》、《打击乐协奏曲》为例， 他认为：在作品的前期设计中和声的设计是首要的并且是至关重要的步骤；在写作中追求大的对比而非统一，这可以有效地并置不同的想法。陈怡就如何使用民间音乐素材提出了自己的看法：民族素材的使用可以分为三个层次，第一是简单的民歌改编、第二是以民间音乐素材为本，用自己的语言说话、第三是把民间音乐的理念内化到血液中再外化出来，从而具有民族的神韵。
大师班与学术讲座活动不仅让学子们对作曲大师的创作理念与具体方式有所了解，而且也为音乐爱好者更好地欣赏当代音乐提供指引。
四、2011中国美育论坛――中国新音乐跨界
今年是第二届中国美育论坛，主题为“中国新音乐跨界”。是由刘索拉策划并首次联合国际知名作曲家以及国内各界艺术家和学者的大型文化论坛，探索中国音乐与艺术的现状与未来。
本次论坛，既有作曲家讲述他们的作曲技术和创作过程，如坎切利《价值的尺度》、斯塔基《我的音乐创作》、陈怡《我的创作过程》、高为杰《跨一步万紫千红――兼谈继承传统的收敛式思维与发散式思维》、郭文景《与戏曲演员的合作》、瞿小松《虚幻的主流》、刘索拉《跨界创作点滴》、池边晋一郎与台湾作曲家陈茂萱的发言等；也有我国在国际艺术领域中知名艺术家以介绍自己作品的方式，阐述具有独立个性的现代艺术创作理念，如中央美术学院院长、画家潘公凯《论跨界创作》、艺术家谭平《关于个人创作》、艺术家汪建伟《多媒体艺术展――黄灯》、艺术家《天书与地书》、电影导演宁瀛《现代电影语言》、作家廖一梅《现代艺术的舞台》等；还有作家和学者参与关于中国现代艺术问题的自由研讨，题目包括媚俗文化、商业文化、现代音乐艺术的自我认知、全球化背景下的中国音乐艺术。
跨界论坛意在通过跨界式文化交流，使对现代音乐和艺术的探索更加知性化和理性化，在多元化的环境中保持清醒的自我认识和平等的国际交流。
五、2011年北京现代音乐节将延伸至全年
从今年起，除在每年5月份音乐节时段之外，还计划常年向社会大力宣传和推广优秀的国际艺术作品演出与交流活动。其中，为庆祝和平解放60周年及建党90周年之际，中华文学基金会、中国作家协会携手叶小纲共同打造一部以“藏汉友好”为主题的大型交响清唱剧――《喜马拉雅之光》将于今年11月18日在国家大剧院隆重登场！“中国美育论坛”中的第二部分“波兰作曲家卡罗尔•席曼诺夫斯基研讨会”将于10月16日在中央音乐学院举办。这次研讨会将是音乐节的一个扩展，标志着音乐节突破时间限制，延伸至全年，形成一个具有长效机制的现代音乐节模式。而“2011北京现代音乐节•中国美育论坛 全国博士生与中青年学者优秀论文评选活动”的评选结果也将在10月17日揭晓。我们在此预祝《喜马拉雅之光》首演成功、2011年中国美育论坛的后续活动顺利开展，同时也期盼明年的北京现代音乐节的早日到来，因为音乐就是力量！
