发布时间：2023-03-07 15:06:26
序言：写作是分享个人见解和探索未知领域的桥梁，我们为您精选了8篇的音乐文化论文样本，期待这些样本能够为您提供丰富的参考和启发，请尽情阅读。
中国音乐文化在琉球的传播，是伴随着中国与历史上的琉球王国的人文、政治、经济、文化交流而进行的。中国音乐文化对琉球的传播，主要是在公元1372年至1879年，随着中琉密切关系发展及频繁交往而实现的。其途径主要有以下四个方面：
1、随着琉球王国定期入贡中国而传播在中琉关系史上，“入贡”是维持和发展关系的重要方式之一。伴随着入贡、庆贺、谢恩活动而传播琉球的中国音乐的典型例子是路次乐。路次乐由琉球国王尚清王的王舅上里盛里作为庆贺使到明代中国，受明朝廷的启发从中国传至琉球。
2、随着朝廷对琉球国王进行册封的使团及其活动而传播（1）在册封使团的组成人员中有职业乐手或兼长音乐者。他们为册封活动演奏各种仪式音乐，把中国的鼓吹乐带到琉球。（2）由册封使或册封使团人员把中国的乐器带到琉球。（3）册封使团人员在琉球逗留期间参与当地的音乐艺能的教学、演出、观摩活动，而将中国音乐文化传播于琉球。
3、随着华人迁徙琉球或其他方式的人员来往而传播
4、经由琉球学生来华留学而传播琉球学生来华留学有官生、半官生、自费生三种。第一批以官生身份入国子监读书的琉球人于明洪武二十五年（1392）来到中国。自此以后，在明清两代，琉球不断派遣官生到中国留学。他们在国子监读书期间，不仅享受公费待遇，而且还有皇帝的丰厚赏赐。半官生、自费生则在福州就读于私学。这些留学生在中国除了学习典章、制度、文物、儒学之外，也把中国音乐带回了琉球。②
二、中国音乐在日本的传播现状
1、改革开放之前中国音乐文化在日本的情况20世纪初直至80年代左右，中日之间的音乐文化交流无明显的互动。首先，在历史上传入日本的中国音乐文化经过在日本的融合，已经成为日本本土文化，带有了日本的民族特色。其次，明清以来，日本对中国的文化的尊崇态度有所改变，甚至有所偏见。可以说在明代以后，日本基本上停止了对当时中国文化的重视。最后，近代两国的音乐交流主要是西洋音乐通过日本传向中国。因此，在改革开放之前，日本对中国民族音乐处于无交流、不了解状态。
2、改革以来中国音乐向日本的传播在20世纪80年代末延续到90年代中期的出国潮中，大批人走出了国门。其中包括音乐专业人士、从事音乐工作的人士以及业余音乐爱好者。他们一起推动了音乐文化的交流与传播。（1）展示、宣传与融入。中国音乐文化最开始是以展示、表演的形式进行推广，曲目大多为国内的民族器乐的乐曲。到了90年代中期，中国音乐展示逐渐有了变化，日本和西洋的乐曲开始增多，从展示阶段开始转入融入阶段。中国音乐文化在日本社会的融入，有两个方面。一方面是乐器融入，另一方面是音乐融入。乐器融入是让日本人熟悉我们的乐器，产生好感；而音乐融入则是演奏日本人熟悉的乐曲以及日本的民族音乐。融入的做法各种各样，包括到日本各地演出、与日本演奏家合作演出等。开设音乐教室，是中国音乐融入日本社会的成功之举。在日本，艺能（音乐、曲艺等）界的教育与传播，基本是靠民间教室的个人教学来进行的。在日本大众的支持下，大量的二胡等乐器的教室，在各地开设了起来。其中既有中国人主办的教室，也有日本人为主的二胡教室。（2）日本人对中国音乐的支持。日本人对中国音乐的支持，是中国音乐和乐器在日本生存的基础。每个中国音乐演奏者的背后，都有一些日本人的支持和奉献。介绍日本的中国音乐，还必须提到的是“女子十二乐坊”，这是按日本人的欣赏趣味而打造的中国音乐形式。她们在日本得到了充分的包装和艺术上的雕琢，并在那里取得了成功，之后，又在国内得到了认可。“女子十二乐坊”不仅向国外展示了中国乐器与音乐，同时在宣传中国音乐与乐器方面也起到了良好的作用。③
三、如何推广中国民乐
中国对日本的音乐文化传播可谓是历史悠久，源远流长，已有很好的音乐文化基础，受众面很广，群众基础很扎实。那么如何更好地推广中国的音乐文化呢?
1、民族音乐在海外传播需“入乡随俗”民族音乐在对外传播时应争取共性，易于被当地人接受。因此，对外传播的音乐文化应进行适当演变，使之符合当地文化。
2、推动经济发展、提高综合国力以及提升国际形象、国际地位睦邻友好，建立友好邦交。只有建立友好的邦交关系，才有利于国与国之间的文化交流与发展。
3、传承中国民乐的基础上实现创新与融合如将中国乐器与爵士、摇滚等现代流行因素相结合，演奏中国的传统乐曲和西方人耳熟能详的经典曲目，进行演奏曲目创新与乐器演奏创新。
4、加强国际间的音乐交流与合作，促进音乐文化的传播改革开放以来，我国音乐界一直以“请进来”和“走出去”的方式，进行多种形式的文化交流。今后，还要规模化、常态化，特别是利用重大节日、邦交纪念、重要人物互访等契机，加大力度组织宣传汇演，有效推动中国民乐更好更快地走向世界舞台。
5、以孔子学院为平台建立多种形式的中国民乐交流中心截至2013年底，全世界已有120个国家(地区)建立了440所孔子学院和646个孔子课堂。孔子学院在全球分布广，数量众多，是一个很好的中国音乐文化的推广平台。因而可以成立形式多样的民乐中心或民乐部之类的交流办事机构或者在孔子学院中，有重点地增设相关音乐课程;在有条件的国家开办中国音乐学校、在国外的音乐大学开设中国音乐课;在国外综合大学的亚洲文化学院增设中国民乐欣赏课程、民乐课堂等;还可以利用每年西方圣诞节和中国传统春节等举办中国民乐专场，或者在西方举办的音乐会中增加中国民乐演出内容。这样可大大提高中国民乐的知名度和美誉度。
1民族音乐文化现状
中国民族音乐文化有着悠久的历史、资源丰富多样，不过很多的文化并未被重视，更是没有得到一定的传承及保护，则出现了很严重的断流状况，更有甚者正在濒临灭绝。所谓的断流现象指的是很多民间艺人的音乐技艺以及各类绝活都已经失传，中国的传统音乐正在一点一滴的消亡或是无法继承，相关宗教音乐及仪式音乐根本得不到保护，不能有效地传承下去。近几十年来，中国不断涌入了诸多的外来文化，并受到了外来文化以及市场经济的极大影响，各大媒介及媒体传播的民族音乐很少，流行音乐远远大过于民族音乐，再加上港台流行音乐的加入，这就导致很多的学生们都趋之若鹜。让我们这些年轻一代出现了很多的追星族，爱好民族音乐的更少。国内所施行的应试教育并不注重音乐教育，造成音乐课程的各类状况无人问津。就导致了音乐教学大纲根本无法执行，更不能有效地完成规定的音乐内容。缺乏正宗的音乐教学科研，并且所施行的教学观念极度陈旧，对应教学模式没有革新，这样就造成很多的学生对音乐课程不感兴趣。
2民族音乐文化传承对音乐教育的重要作用
中华民族音乐具有其独特的魅力与气质。历史悠久的中华民族具备着深厚的文化底蕴，音乐理论、乐律、演奏、演唱以及各类音乐著作、乐器制作等都有着其伟大辉煌的成就。有效地将民族音乐文化渗进音乐教育中，促使优秀文化的不断传承及发展，更是能有效地弘扬民族精神，并树立民族自信心以及自豪感。中华民族音乐教育不管是普及或者是专业化的，是社会还是家庭的，都是要基于传承民族优秀文化的传统之上，有效地弘扬民族优秀文化的精粹。在音乐教育过程中要合理地将民族音乐及世界多样文化结合，博采众长、相辅相成，以呈现积极向上的音乐氛围。
3强化民族音乐教育，弘扬民族音乐文化
3.1构建高素质音乐教师团队
加强对音乐教师团队的培养，有效地推动民族音乐文化纵深进展。音乐教师对音乐教育是极为关键的，所以就要求其全方位地了解乐理知识，并懂得各类民族音乐的门类及演奏技巧。学校与有关部门应组织音乐教师对其展开专题培训，为音乐教师提供沟通与学习的机会，促使教师掌握较多的民族音乐文化。音乐教师应将学习的重点放在本地民间音乐文化上，树立民族文化荣耀感，并不断地坚持该项工作有序进展，并促使自身熟悉及通晓地方性文艺，认识深受人们喜爱的民族艺术家。
3.2革新教学模式，呈现开放性课堂
在21世纪，音乐课程主要是强化学生自主以及参与开放性意识，所以教师要将主动权交给学生，给学生充分的时间促使其成为音乐课的主人，并积极主动地进行沟通、互动、参与、体验以及进行各类实践性活动，真正意义上的让学生融进民族音乐学习的过程中，合理地促进学生个性发展，并鼓励学生们主动地去创造音乐，营造一个非常轻松、和谐的音乐课堂。教师可以在相关教学过程中，采用学唱多个歌曲来有效地提升学生对其家乡的民族性文化感知及认识，并可以在一定程度上分析所学习的歌曲，这样不断地加强学生自主学习的意识及能力。以学生的心理方面来讲，民歌或者是民族乐器曲，最简单有效的方式就是促使学生在相关乐器中去发现其所熟悉的旋律，进而引起对音乐的兴趣，再配合音乐开始哼唱其主题。这样不断地促使学生在学习过程中熟悉那些久唱不厌的民族音乐。教师还可以合理地把学生较为喜欢的流行音乐及时尚节目渗进课程教学中，这样得到的效果会更好。用一首精心选择的歌曲来贯穿整个课堂，并渗透式讲解其中的音乐信息。有效地带动学生，活跃课堂氛围，不断引申与课程相关的信息，并合理地抛砖引玉，让学生明白其重点并提升了知识量，更是得到了美的艺术享受。让这一股中国风，席卷整个音乐世界，体现我们中华民族音乐的独特魅力。除了相关教学课堂的革新，学校还应合理地寻找一些民间艺术家到学校为师生献艺，促使学生亲近民间文艺，并感受那原生态的音乐作品，从而让心灵得到净化，情感得到升华，让那浓郁的文化气息不断熏陶学生。民族文艺都是来源于农村，灵魂在大自然中，只有真正置身于村野中才能领略那美妙的民间文化灵魂。教师可以合理运用节假日，组织学生去村庄体验那山野放歌的感觉，让那美妙的歌声回荡在山间，让那雀跃的情感回味在田间，享受那无声胜有声的感觉。
3.3提升学生自身的民族音乐鉴赏能力
中华民族文化历史悠久、种类丰富，具有深刻的文化内涵。学校应不断地丰富，强化学生音乐欣赏能力。可以在课堂上播放大量的优秀音乐来供学生欣赏，不断地提升学生对民族音乐的理解以及鉴赏能力，并逐渐地形成正确的民族音乐审美观念。这样学生既树立了正确的审美观念，更是完善了学生的民族精神，并在本质思想上树立了民族传统文化的自信心及自豪感。教师还应该给学生多建议、介绍一些优秀的歌曲以及学生自己所收集的有效资料进行欣赏，除过教材中民歌学唱之外，更应该进行实际的实践性活动。利用不同民族的经典歌曲，拓展学生的音乐资源，促使学生获得更多的知识以及音乐视野，激发起民族自豪感。这样可以有效的培养学生的爱国主义精神，提升学生的民族自豪感，促使学生领略到中国民族音乐的美，了解中华优秀音乐文化的伟大及丰富多样，强化学生的爱国情怀。
4结语
以“字正腔圆”为声乐的审美标准。一直以来，“字正腔圆”都是传统音乐文化最为重要的一个审美标准，因为只有“字正”才能够确保听众们清晰的听懂歌词内容，理解其中的寓意，让声乐表演者被人们所接受，同时，也只有“腔圆”，才能让表演者做到曲调顺畅完整并且圆润如珠，确保歌曲中意境与寓意被表演者准确而圆满的表达，以体现音乐文化的艺术性。强调音色的个性化发展。我国传统的声乐与其他声乐最大的区别就在于音色上。我国传统声乐较为强调音色的个性化发展，因为音色的个性化特征能更好的得到歌唱者的重视，进而让音色从多方向、多方面发展。再者，我国传统音乐更为注重在情感上的表达，以更好的引发观众们在情感上的共鸣，这也是我国传统声乐所追求的。在情感表达上，我国传统的声乐较其他声乐细腻温柔，而其他声乐则较为直接和强烈，所以细腻温柔的情感表达也是我国传统声乐情感的一大艺术特征。重视“润腔”的创新性。“润腔”是在传统声乐艺术文化长期发展过程中形成的对唱腔加以美化、装饰、润色的独特技法。以字行腔，以情润腔，以声润腔，是形成我国传统声乐艺术风格和强烈感染力的重要因素。“润腔”能够从细微处体现声乐作品特色，让声乐作品有效抓住听众的心，以更好地引发观众的情感共鸣。同时，“润腔”能够体现情感的细微变化，能在表演中有着不同的细节表达效果。所以在高校声乐教学中，教师们应加倍重视“润腔”的应用与创新，因为具有创新性的“润腔”能够让声乐作品拥有更为丰富的意境，从而让声乐作品“扣人心弦”。
二、高校声乐教学中融入传统音乐文化的意义
（一）有利于弘扬中国传统民族文化音乐是民族文化中不可或缺的部分，通过音乐，我们可以了解一个民族的经济、历史、文化、宗教以及文学等，它既体现了民族的特征，也提现了民族文化的特点。就我国传统音乐而言，它体现的是我国的历史传统、地理风情以及民风民俗等，它是我国传统文化的重要组成部分。在我国，存在很多优秀的文化遗产，不管是有形的物质文化遗产还是无形的非物质文化遗产，它们代表的就是中华民族的文化特点以及文化传统。一言以蔽之，要想真正意义上的传承民族文化，就必须传承传统音乐。
（二）有利于各大高校声乐教学一直以来，我国声乐教学都存在一个重大的弊端：以欧洲古典音乐为中心，实行单一的音乐文化教育模式。中国这个东方文明古国，有着悠久的历史文化，在不断发展中，伴随着我们的还有几千年的音乐文化传统，为此，我们必须形成属于自己的、有特色的音乐文化教育体育，必须坚持从本民族的音乐出发，积极弘扬中国传统音乐文化。就我国传统音乐文化而言，它为高校声乐教学提供了丰富的教学资源，此外，它还有利于高校建立良性、互动的多元文化声乐教育体系。
（三）有利于培养高素质、综合性的人才经过几千年的沉淀，现在我们所能寻找到的、听到的、看到的传统音乐无疑都是精品，它代表的是不同时期不同年代我国文化的特点，在高校声乐教学中融入传统民族音乐，既有利于提高大学生的审美情趣，也有利于培养学生欣赏美、感悟美的能力，同时它还在一定程度上培养了学生创造美的能力。新形势下，人们指出要不断的加深学生对于传统音乐文化的学习，只有这样，才能增强学生对于民族的自豪感、认同感以及归属感，才能真正意义上的培养学生的爱国热情，促进学生的全面发展。
三、如何将中国传统音乐融入高校声乐教学中
（一）在声乐教学中要适当的融入情感一直以来，人们都不明确传统声乐艺术的意义所在，为此，常常会忽略传统音乐文化在高校声乐教学中的意义，传统声乐教学大多重视情感的表达，这是根据我国史料记载的、有根据的调查。中国这个发展中国家，是一个拥有56个民族的大家庭，就不同的民族而言，有着不同的历史、不同的爱好以及不同的文化，各民族民族风格等也是各式各样，各具特色。为此，不同民族形成的音乐作品就成了本地区风土人情最好的体现，它能够最大限度地激发本民族人民的民族情感。所以，要想有效的将传统音乐文化融入到高校声乐教学中去，就必须从人们的情感出发。比如教师在为学生讲解《在那遥远的地方》这首民谣时，可以让学生先认真的倾听，然后再让学生反复的朗读歌词，这样，学生就能够加深对歌词内容、时代背景以及社会环境等的认识。
（二）最大限度的激发学生的感知潜能不同的学生有不同的个性、兴趣以及文化水平，为此，学生对于传统民族音乐的感知也会存在差异，值得注意的是，不管学生对这些传统音乐文化存在怎样的认知，都是学生对音乐的一种美的感知。很多人认为，所谓的欣赏传统音乐文化只是那些老一辈的事情，殊不知，这种欣赏是任何人都可以做的，大学生也是如此。比如教师在声乐教学中可以给学生欣赏一些著名的民族音乐，当然，在寻找这些音乐的时候教师必须结合自己的感知、理解等设置一系列的有特色的问题，比如音乐产生的社会环境、所要表达的思想感情等，通过这一系列的问题，就可以行之有效的激发学生的感知潜能。这时候，教师就可以要求学生将这首音乐演唱出来，然后让同学们去分析、去讨论，最终加深学生对于音乐的理解与认知。
（三）不断提高声乐教师的教学水平本文指出，要想真正意义上的实现传统音乐文化与高校声乐教学的有机融合，就必须提升声乐教学质量，它是新时期学校最为接受的，也是使用得最为普遍的、有效的方法，为此，高校必须重视提高声乐教师的教学水平。在日常的教学中，教师应更多的为学生讲解有关传统音乐文化的知识，要帮助学生了解更多的传统音乐文化信息，这样，高校声乐课堂给学生的感觉就不是就不再是枯燥、乏味的了，相反的，学生在教师的课堂上能够感受到文化元素以及更多的中国民族特色气息，这就要求教师不仅要有一定的传统音乐知识，还要对传统文化的声腔、旋律等有一定的了解。此外，教师还必须了解相关传统音乐的歌唱技巧、发声技巧等，在听到一首民歌的时候要能够准确的说出它所属于的民族，最好是能够唱出来。
四、结语
在学校的广大师生中有许多各类乐器演奏的能手，但在以往的校园音乐演出中往往由于演出形式单调，实力单薄而不能取得良好的演出效果。所以，把这些器乐演奏者组合起来，按照所演奏乐器的类型组成不同编制的小乐队。这样不但提高了演出实力，在形式上也符合现代音乐发展潮流，使校园音乐演出更具魅力，也使器乐演奏校园文化特点的作品更加到位。乐队按照所奏乐器大致可分为如下几类:第一，木管类，其中包括长笛、短笛、双簧管、单簧管等常见乐器。第二，铜管类，其中包括圆号、小号、长号、短号等常见乐器。第三，弦乐类，其中包括小提琴、大提琴、二胡等常见乐器。第四，弹拨和键盘类，其中包括钢琴、电钢琴、吉他、电贝司和琵琶等常见乐器。第五，打击类，其中包括小鼓、花鼓、大锣等常见乐器。这些常见的不同器乐，可以编制成四种不同风格的小乐队进行演出，它们是民族乐队、管弦乐队、混合乐队和电声乐队。目前，也在不少校园音乐文化中得到发展，是一支成长较快的音乐力量。校园音乐鉴赏、创作团体在校园文化建设中起着重要作用。这个团体由专门负责音乐教学的教师及喜爱音乐创作和对音乐有独特审美能力的人员组成，具备改编或创作符合学校发展需要的音乐作品的能力。还可以以符合校园音乐审美的健康取向规范校园音乐发展。在这个团队里，需要若干具有指挥才能的同志来担任合唱或乐队演出时的指挥。首先，指挥在合唱团或乐队中是艺术指导者，负责合唱或演奏整体艺术的训练、表演、学习;其次，是整个团体的最高组织者，合唱团和乐队的建立、管理和建设都是指挥所需要关心的。因此，指挥必须具有较高的思想修养、艺术修养、和工作能力。所以，优秀的指挥人员将对校园音乐文化建设起重要推动作用。最后，在这一团体里需要有音乐创作和改编方面的人才。在创作中结合学校自身，定期创作有本校文化特色的符合学校发展宣传需要的校园音乐作品，并把作品提供给校园演出团体进行排演，以达到音乐为校园文化服务的最理想状态。
二、以音乐为背景，与其他艺术形式结合展现校园文化
校园文化除了音乐形式还体现在许多其他艺术形式上，如美术中的雕塑。在校园中展现最多的是一些属于美术范畴的景观造型艺术，其中最常见的是假山景观和喷泉景观。这些景观常常加以背景音乐，体现良好的展示效果。背景音乐的选取有一些讲究。不同类型的背景音乐配不同的景观展示不同的艺术气质，所以背景音乐与景观内容相辅相成。景观背景音乐大致划分为古典型、抒情型和轻音乐型三大类。现代景观音乐特别是喷泉音乐讲究声、光、电一体化效果。喷泉水体变换与音乐起伏趋于一致，给人们最完美的情绪感受。每所学校都有属于自己的若干特色景观，如果通过反复实验给每个景观都配上最适合的特色背景音乐，这样可以形成一个温馨典雅的校园自然环境，体现和谐美好的校园文化和青春靓丽的精神面貌。在校园日常生活中最常用到音乐的应该在课间操时段。为了提高学生兴趣，学校在课间操施行方面经历了体育广播体操向大众健美操等多方面的改变。我认为，做操比舞蹈的运动规律性更强，节拍节奏卡的更稳，更容易掌握。我们在大众舞蹈中都可以用不同的区长进行，所以在课间做操也可以不局限在某个单一的曲子里。只要是符合做操节拍与节奏的曲子都可以选用。校园课间操音乐的变换，给学校校园文化增添了活泼的因素。
三、提高音乐素养，实现音乐为校园文化建设服务
教师可以对学生讲解刘三姐歌谣的发展历史以及在发展过程中产生的变化，使学生能够掌握歌谣的基本规律以及基础表现手法、技巧，并能够对歌谣的一些经典曲调有所认识，懂得山歌的竟唱方法，在学习过程中学会对刘三姐歌谣中的艺术特色和文化价值有一个全面的把握。同时，教师要引导学生掌握歌谣编写的基本规律，培养学生口头创作能力。
在经过歌谣的相关学习后，学生应该达到以下的要求：学会利用多种方式对歌谣信息进行收集和整理，学会用基本的调查方法提高自身报告撰写能力，以及充分挖掘自身口语表达能力、创作能力以及演唱能力等。教师将刘三姐歌谣引入音乐教学中，能够培养学生对家乡文化的热爱之情，从而激起其自觉承担家乡建设的责任感。教师将刘三姐歌谣中能够引起学生学习兴趣的部分带入课堂，能够很好的培养学生的情感与价值观，提升学生的文化修养，同时也会本土文化留下更多的人才，以此维持地方文化的发展，促进广西桂中地区民间艺术的进步。
二、培养学生唱与情的高度统一
歌唱艺术的灵魂是唱出感情，为了更好地推动高校音乐教学的发展，教师应当在日常的教学活动中注重给学生唱与情统一的培养。培养学生民族唱情法，既能够提高学生的音乐修养水平，又能够使民族文化得到弘扬与流传。刘三姐歌谣是壮族民歌的经典，也是壮族人民真情实感的最佳体现。“情”是刘三姐民谣的基础，演唱者所唱的都是自己所见所想，来源于生活并反映生活，唱的人动情，无论是歌唱者还是聆听者都能够得到良好的情感体验。如刘三姐歌谣中的爱情歌谣，无论是见面唱还是定情唱，这些情歌都表现出强烈的情感做到情景交融，以歌传情，使听者的心绪也随着歌声而起伏变化。这一唱与情的高度统一的方式完全可以运用到高校的音乐教学环节中来，让学生学会用歌声来表达自己的情感，培养学生唱与情结合，创作出优秀的作品。
三、传承歌谣文化与民族精神
广西壮族人民从年少时就开始学习唱歌，到了青年到山上对歌，老了就教后辈唱歌，这一传统在壮族人民中流传了千百年，造就了一代又一代的歌者。这些歌者就是壮族民族音乐文化的传承者。歌者要想传承歌谣文化，首先就要做到成为本民族文化的代表人物和创造者。因此，在高校音乐教学中，教师应当将传承歌谣文化的重要性纳入教学范围之内，培养学生传承和弘扬民族文化的精神。如开展民族文化教育活动，利用歌会的形式为学生培养一个良好的歌谣学习氛围，使学生主动参与到歌谣教学中来，充分激发和培养学生的学习热情与学习动力。从而利用刘三姐歌谣的教育手段来丰富学生的音乐教学，使学生能够对本民族文化有一个全面的认知和了解，从而更好地弘扬本民族精神。
四、总结
从音乐调式来看，四音音列构成了西方调式体系，且由于音程的多变组合又产生了各种不同的调式，即常被人们称作“中古调式”或“教会调式”。文艺复兴之后，调式不断发展，我们熟知的自然大调和自然小调也分别由爱奥尼亚调式、利底亚调式和混合利底亚调式以及伊奥利亚调式、佛里吉亚调式和多利亚调式逐渐演变而成，它们之间互相融合、渗透，进而形成了现在的和声大、小调以及旋律大、小调。而中国音乐的调式则采用五声性结构，通过演绎构成宫、商、角、徵、羽五种五声调式。在内在的构成上，西方的音乐比较复杂、精致，更加适用于表现华丽、细腻的音乐情感，而中国音乐形式比较简洁、质朴，可用来表现粗线条的音乐风格。从音乐织体来看，以主调音乐为主的西方音乐体系中，主调贯彻整个音乐织体表现音乐的主体旋律或完整旋律的意义，和声和音列均对围绕主调起到了衬托的作用，音乐的织体思维是以纵向和声为主的网状立体结构思维。而中国音乐的音乐织体注重各声部旋律横向性的线性展开，思维方式属于单纯的横线性织体思维，即使是多声部音乐的织体也是以西方音乐织体的复调音乐来构成而非主调音乐。究其背后的文化原因，则主要在于中西文化传统与美学传统的不同，西方音响的立体化体现了西方音乐文化将时间过程空间化的倾向，使得西方音乐多呈现奔放之态。而中国的音乐文化特点是时间型的，在流动中建立审美文化方式，追求温婉绵延的单线延伸的横线性织体思维，将空间形态时间化的倾向，使音乐呈现出了内涵含蓄深邃的音响效果以及游动的音乐线性轨迹。从音乐节奏看，西方音乐节奏多为“功能性均分律动”型，即在这个节奏体系中，强弱拍规则均匀地交替进行，强弱幅度明显，且具有第一拍为强拍、其余为弱拍的固定模式，节奏感较为强烈。中国音乐节奏虽然也有与西方音乐节奏相同的“功能性均分律动”及规则均匀的强弱拍安排，但在此基础上又加入了变化性节奏，乐曲节奏更加自由，在音乐中并没有按照“首拍强”的规律进行创作，强拍在小节中的位置是不断变化的。中西节奏的区别究其原因在于“西方人的思维常规是数学式的，中国人思维常规是逻辑式的”。西方的文化模式注重理性的分析与知识的精准，追求科学知识的内在结构以及人为的改造世界观念，这与他们的哲学发展史有着密不可分的关联，是机械自然观的产物；而中国文化注重人的自然发展以及无为而为的哲学观，这使得音乐节奏呈现出随意的特点，由创作者自主决定，而没有一定的规律去遵循。
二、钢琴音乐艺术创作在我国的发展
通过以上差异的分析，我国钢琴音乐的创作和发展，在追求西方音乐复杂、精致的音乐情感的同时，也融入了我国音乐的民族风格。中国早期从事钢琴音乐创作的作曲家打破了以传统的线性思维单音体系为主的创作模式，转而较多地去尝试西方音乐作曲技法来进行创作，并开始对作品中的和声、旋律、调性布局和曲式结构安排等加以重视，这为当时我国的音乐创作注入了新鲜的血液，转变了音乐研究者的思想意识，用西方音乐的缜密思维丰富了我国民族音乐的形式和内容，使音乐呈现出了内涵含蓄深邃的音响效果以及游动的音乐线性轨迹。我国最早出版的钢琴音乐作品是作曲家赵元任先生的《和平进行曲》（1915年），该曲表达了热爱和平的心声，从这部作品的创作可以看出赵元任先生有意识地将功能和声与中国民族音调进行结合，为创作出更多的中国钢琴作品确定了方向、奠定了基础。20世纪30-40年代，中国处于和的特殊时期，反映时代精神成为当时音乐创作的主题，此时钢琴创作中的传统音调与民族和声被运用得愈加成熟，作曲家们也更加注重使用中国音乐思维和音律来创作钢琴作品，使之具有浓郁的民族韵味。作为这一时期最具代表性的钢琴音乐作品，贺绿汀的《牧童短笛》正是通过简洁的创作手法使旋律及节奏变得更加紧密，所使用的民族化的和声与复调手法，使音乐织体与旋律互相衬托，另外，其所创作的富于歌唱性的旋律也使中国特有的含蓄优雅的艺术内涵得以充分的展现。而在民族音乐与钢琴艺术融合的过程中，桑桐所创作的《在那遥远的地方》更是将自由无调性的创作原则加入其中，为了拓宽调性布局与和声结构变化的可能性而将多声部的作曲技法与民族音调相结合来使用。改革开放以来，随着文化的频繁交流，更多的创作思维和技法传入到中国，这使得钢琴音乐的创作进入了多元化的时代，如储望华的《新疆随想曲》、朱践耳的《云南民族五首》、王建中的《樱花》和《彩云追月》等，这些钢琴作品或是以声乐曲的旋律、民族音乐的音调为基础而改变的钢琴曲，或是根据作曲家自创的作曲技法而写成的实验性钢琴曲，或是运用无调性、十二音技法等现代作曲技术而创作的钢琴曲，而不论是哪种钢琴曲，创作者均意识到了东西方音乐结构以及音乐文化的差异，并在此基础上，以中华民族音乐的神韵为基础进行着钢琴音乐创作。
三、我国钢琴艺术的发展必须立足于中国传统的音乐文化
从音乐技法来看，纵观中国钢琴艺术的发展历程，我国钢琴音乐作品均是围绕中西音乐形式的融合而进行创作的，其创作手法经历了从初期探索到成熟发展的一个过程。早期作品的曲式结构与和声构思一直有着欧洲古典乐派的烙印，而现如今的钢琴音乐不仅没有了欧洲古典乐派创作手法的印记，还融入了现代创作技法，注重中西方音乐结构的融合，用西方音响的立体化来体现中国音乐文化线性化的特点，使得音乐的形式更加立体、饱满，丰富了音乐的纵向结构，更好地体现了我们的民族韵味。从中西音乐形式的文化差异和审美共识的角度看，钢琴艺术的发展不能过分地强调音乐民族元素、强调差异，这样西方音乐有价值的东西极有可能被摈弃，不利于我国的钢琴艺术发展。但也不能一味地强调共性，没有创新，我们的民族音乐极有可能逐渐地萎缩。在机械论和唯理论文化背景下，西方的音乐文化呈现出了注重理性的分析与知识的精准，追求科学知识的内在结构以及人为改造世界的观念，而中国的自然观和无为的哲学观却使得音乐文化形式自由奔放。如果能够找到一个突破点使得二者进行融合，通过中西音乐形态的文化差异分析钢琴音乐，并立足于我们的民族文化，借鉴西方优秀的技法和文化价值为我们所用，就一定有助于我们更好地弘扬民族音乐文化。从文化传承角度看，纵观整个钢琴音乐的发展史，优秀的钢琴作品的产生无一不是植根于自身的民族文化，钢琴艺术在我国的发展如果只是一味依赖于西方的音乐创作技法，那么钢琴的发展也就只是发展了他国的文化，而我国的音乐文化仍然处于被忽视的地位，难以得到良性的发展。因此，钢琴艺术从业者需要从我国的民族民间音乐技法和文化入手，结合西方钢琴艺术发展的文脉，将西方钢琴艺术的大气磅礴之势巧妙地融入到我国的音乐艺术中，进行钢琴艺术的创作和表演。目前我们已经朝着这个方向发展钢琴音乐艺术，在钢琴音乐创作中已经不是简单地采用民歌旋律与和声织体的手法，而是深入到了民族精神和时代内涵，并在传承的基础上大胆革新了西方钢琴音乐创作技法，将其与中国民族五声音阶相结合来表现作品的意境和韵味，丰富了钢琴的民族语汇。由此可见，钢琴艺术的灵魂就是民族音乐文化，中国钢琴艺术必须植根于中华民族的音乐文化之中，立足于我国的民族音乐文化之中。否则，如果一味地采用欧洲的音乐体系进行创作和训练，那民族音乐文化以及传统的美学思维和民族思维则会在我们的心中不自觉地丧失。
四、结语
（一）当前少数民族音乐文化教育面临的困境：随着大规模现代工业化生产生活方式的出现，从前那些原始的、简单的生产生活方式日益消退，使得各少数民族特有的音乐文化开始明显滞后发展，甚至部分偏远少数民族音乐和器乐出现失传的问题。对此，我认为在现代学校教育发展的基础上，应把主流音乐文化教育和云南少数民族音乐文化相结合，以实现云南少数民族音乐文化的传承与保护。
（二）我通过对省内几所普通学校的几千名学生进行调查，发现喜欢云南少数民族音乐的学生还不到5%，而知道了解云南少数民族音乐的也不足20%，其他的同学则是没有了解过，毫不感兴趣。部分老师在课堂上也从未向学生教授过云南少数民族音乐。
（三）当前的云南媒体没有一个或多个专门针对云南少数民族音乐的宣传平台，在中国传统音乐和西方交响乐，云南本土音乐相对较少，老百姓没有机会对云南少数民族音乐有更多的了解。
二、云南少数民族音乐教育传承的可行性
（一）从教育上大力提倡发扬云南本土音乐文化。应该把有代表性的云南少数民族音乐编入教材，收集整理各民族民间的音乐，把云南少数民族音乐有代表性的作品列入音乐考试范围，并奖励考试成绩优秀的学生。
（二）引起媒体的重视。目前的媒体对云南少数民族音乐宣传没有形成一个完整的体系，我们需要通过电台、电视台，包括音像制品等主要的媒体来传播云南少数民族音乐。
时尚文化与传统文化
从时间范畴来看，文化的形式可以分为时尚文化和传统文化。“时尚是一种外表行为模式的流传现象，表达人们对美的爱好和欣赏，是习俗的变动形态，而习俗则是时间的固定形态。”③在一定意义上，时尚和传统实际上就是个人衡量自身的尺度。传统指向过去，是对自我认同和集体认同的追溯和加固，而时尚指向未来，构建和融入新的认同。
音乐专业学生不一定是时尚的创造者，但他们总是时尚的追随者。一方面，由于他们所处的年龄特征使他们具有强烈的好奇心、探索精神和创新能力，乐于搜索、尝试和接受新事物；另一方面，音乐及其表现方式在人们的印象之中总是与时尚相连，尤其是流行音乐，不仅表现时尚、创造时尚，而且引领时尚潮流，并以时尚文化的引导性和群体性来影响身处其中的学生。因此，音乐专业学生无论是服饰等外在的表现“时髦”，还是价值观念的“前卫”，都在一定程度上书写着“时尚”。舞台上，中国传统音乐曲目的现代演绎和电声配器，更是以时尚的元素激发了表演者的燃烧激情。当然，时尚不仅仅是新奇，在其背后推动着的是社会可见的或潜在的发展方向，并夹杂着不确定性和流变特征，从而引起追逐时尚者对“落伍”的集体焦虑。于是，又试图从历史中寻求平复的力量。一些学生开始着眼于从传统音乐经典中演绎现代意义，把传统文化融入时尚文化中；或者以现代精神重新解读传统经典，把时尚文化扎根于传统文化土壤之中，寻找一种不落时代的厚重。“原生态”的“一夜飚红”，民俗性、地域性题材的作品在全国大学生文艺展演中屡获佳绩，就是这种文化现象生动、有力的例证。
中国文化与外来文化
人类文化是世界各族人民在历史长河中的智慧创造之总和。中国是具有悠久历史的文明古国，在漫长的文明传承创造过程中，中华民族的音乐文化经历了汉唐歌舞伎乐、宋元明清的戏曲音乐等发展阶段，形成了独特深厚的艺术传统，具有高度的审美价值与人文价值，既有“镂金错彩”之华美，也有“清水芙蓉”之淡雅，是世界音乐文化宝库中一份珍贵的宝藏，为音乐专业学生的成长提供了丰足的养分。同时，每一个国家都有自己独特的音乐文化，西方的和声、东方的调式、非洲的节奏、亚洲的程式曲式以及美洲的流行音乐技法等，都将成为音乐专业学生成长的基石。但我们也应该看到，“欧洲音乐是先进的音乐，中国的传统音乐是落后的音乐”、“西方音乐是正统的，中国音乐是旁支的”等言论时有所闻。在许多学生的头脑中，缺乏对音乐文化“内应机制”的基本认知，总存在着“西为洋为雅、中为土为俗”的观念，似乎只有西方的、大型的、交响的才能代表“高水平”；在音乐教学中，一些学生只重视“西洋”作品，只重视“西洋乐器”的技能训练，往往认识了莫扎特、了解了贝多芬，却对我们自己的民族音乐知之甚少。匈牙利音乐教育家柯达伊指出：“如果一个民族不重视自己的民族民间音乐，不把本民族音乐文化建立在自己的民间音乐基础之上，就会像漂莲断梗一样地在世界文化中漂泊，或不可挽救的消失在国际文化之中。④”这是一个值得深思和研究的问题。傅聪的话也许可以给学生们以启发，他说他在演奏肖邦和德彪西的作品时，是“用东方人的思想感情在表达西方音乐”，是“自然地在说我自己的话”，是“我的文化在说话”①，在尊重西方音乐作品完整性的同时并没忘记民族精神家园的艺术回归，从而使其更富有魅力。
现实文化与虚拟文化
现实文化就是我们能够在现实社会中感受到的文化；虚拟文化是指随着技术的发展而在新的空间中存在的文化形式，因它与现实社会有着不同的特征和交往方式，从而使它具有独特的传播个性。“环境对于个体来说，太大太复杂，不可能凭一己之力来驾驭，人们一般了解的是经过重构的环境，而人们也是对重构的环境的刺激产生反应。”②网络的产生使这种重构从隐喻变成现实，网络虚拟社会已经成为社会重要组成部分，而且给每个人都提供了成为主角的可能，只要你谙熟网络规则和语言。对音乐专业学生来说，由此拓展了自己的另一个课堂、另一个舞台，呈现“秧歌锣鼓和键盘鼠标的和鸣”局面。在这个舞台上，他们不仅延伸了学习的手段和方法，可以在网络上获取学习资源，欣赏音乐作品，交流学习心得，而且可以在网络上展示自己的专业技能，赢得网民的认可和热捧，甚至可能在一夜之间成为“网络红人”，并可能被一些演艺机构所发现、包装和推介，从而实现从网络虚拟社会的“走红”转变为现实社会的成功。
音乐专业学生对文化方式的选择
文化世界的客观性基础不是自然的给定性和唯一性，而是与人的主体需要结构和对象的相互关系。文化方式在不同的维度呈现出不同的表现方式，能在不同的方面满足音乐专业学生的个体多样需求。音乐专业学生在成长过程中，以不同的文化方式从一个共同的文化资源库中得到灵感和文化养分，又以各自的方式进行消化和吸收，正是个体的多样需求和满足汇集成为群体对文化选择的特点和趋势。从总体上看，精英文化与大众文化都是学生心中的期许，其影响力难分高下，他们摇摆于大众文化和精英文化之间，既拒绝不了大众文化的名利场，又期待能贴上精英文化的社会标签。就现实文化和虚拟文化来说，因为网络社会的虚拟性，学生可以肆意潇洒自己的专业才华，但也因为虚拟性，他们当中真正把网络当舞台的人不多，因其专业能力而在网络走红并赢得现实声誉的例子更少。所以，现实文化的影响力超过了虚拟文化，尽管后者可能在一定时间内赢得“围观”和“眼球”，但对专业成长的促进作用是有限的，他们并不把大量的时间和精力停驻其中。就中国文化和外国文化而言，专业、专长的不同使他们表现出明显的态度差异，与民族音乐有关的学生把艺术触角伸向广袤的民间和深远的历史长河，汲取中华民族音乐的精髓，经常对中国传统经典乐曲、歌曲重新演绎，总是能够让人们沉浸在民族音乐回旋的旋律中，感受音乐的魅力、体验表演的曼妙；与外国音乐有关的学生同样浸润在相关经典作品中，执着于艺术的追求和探索，以良好的音乐技巧和表现方式，为人们带来异域的色彩和迥异的风格，拓宽了眼界，拓展了素养，成为感受多样世界的一个视角。再者就是时尚文化与传统文化，由于专业的特征，他们对时尚文化保持近距离的关注，并具有独特的理解和表达，其影响力更大更直接，但他们也不否定传统文化，因为传统文化是他们成长的社会底色，他们可以不选择民族音乐，但绝不可能拒绝传统文化。
当然，学生对文化形式的选择不是单一的、线性的，往往是复合的、网状的，呈现复杂的交织结构，也因为学习的计算方式和文化方式的不可通约，在此难以对各种文化选择组合及其影响力进行一一排序，只能做一个总体大致判断：首先，现实的、时尚的、大众的或精英的文化对音乐专业学生的成长具有最大的影响力。其次，民族的、外来的文化在作品、技能等方面各有优势，各自的影响程度在音乐专业不同方向、特长的学生身上留下的深度和广度会有所不同，自觉不自觉地流露出各自的文化倾向和视角，其影响力的排序是不一样的。值得一提的是，那些作为文化方式混合体的学生最有可能有所创新。他们既是本民族文化的受益者，也是外来文化的受益者，是多元文化的混血儿，可以站在一个特殊的高度，在人类音乐文化的丛林里自由出入，为自己的专业发展探索新的道路。再次，中国文化、传统文化是学生成长的社会底色，对音乐专业学生成长的影响是客观的、不可忽视的。最后，虚拟文化对音乐专业学生成长的影响力相对较弱，尚处于起步和探索阶段，但其增长趋势不容小觑。当然，如果各种文化方式过度缺乏整合性，可能给学生造成无法忍受的压力，甚至动摇专业心理的稳定性。由此可以发现，文化方式对学生的影响是自发的、潜移默化的，呈现出碎片化的特征，而学校教育本身就是一种文化，它是自觉的、显在的，具有系统性和完整性。因此，要通过学校教育的自觉来矫正和引导文化方式的自发影响。课程是学校教育的核心，也是文化的载体，要通过深化课程改革，增强文化引领能力，促进学生的全面发展。
文化哲学视野下的课程改革：对文化方式影响的回应
“认同是文化固有的基本功能之一。”①文化方式对音乐专业学生的影响同样指向认同这一基本功能，它“不仅是原有价值体系、心理定势、思维方式的解构，也是新的观念、思想、规则的建构；是传统惯性的消解，也是传统精华的重铸；是社会生活的变革，也是人身心的新生，从而实现文化系统模式的革命与转型”②。高校有责任和必要从文化哲学这个“塔尖”高度出发，主动思考和应对文化方式的变化和对人才培养的影响，做到既吸收、融合，又过滤、隔离，既能适应，又能坚守，从而促进音乐专业学生更好地成长成才。
（一）课程改革要坚持学校教育的独立品格，增强对文化方式影响的引领力度
对于个体而言，大量的科学知识、文化观念、文化价值、人文素养、道德规范、人生态度、世界观等文化内涵的传承主要依赖学校和社会的自觉的文化传承渠道和个体的自觉的学习过程。在急功近利的社会氛围和就业导向的教育倾向下，高校作为精神文化的花园、智慧的中心，应该思考文化方式的发展变化和对学生影响的演进，适时加强课程体系改革，“将课程置于广泛的社会、政治、经济、文化、种族等背景上来理解，联系个人深层的精神世界和生活体验来寻找课程的意义。”
③既要“把课程视为价值负载的文本”进行价值解读，也要“着眼于个体自我意识的提升与存在经验的开发”，还要“着眼于社会意识形态的批判与社会公正的建立”④，发挥课程在音乐专业人才发展中的本质、核心作用。课程从属于教育，它是“人为”的，也是“为人”的⑤。要重新审视音乐教育的独特价值，构建合理的音乐课程结构，发挥音乐教育特有的人文魅力。在音乐课程改革中，首先要明确我们要培养什么样的人，什么规格的人才，以此来整合相关联的学科，构建新的课程结构体系。一方面，通过课程体系来引领、调适和矫正影响学生的文化方式，培养有较高文化品位的、有情趣的、能鉴赏和创作音乐的、并具有表现音乐情感能力的、具有音乐所独有的人文涵养的人。另一方面，通过培养高素质的音乐专业人才，对文化方式产生影响、引领甚至引导文化变迁和文化进化，以高校的教育努力为音乐文化增加新的基因，为社会文化资源的积累和丰富做出贡献。
（二）增加课程体系的综合性，增强对文化方式影响的融合韧性
综合是哲学的系统思维方式。音乐学习是一种多种感知渠道的协同活动，开放感知的渠道越多，对特定对象把握就越全面、越精确、越丰富、越深刻。要加强音乐课程改革的横向联合与协作，形成推进音乐专业学生成长的完整的的支持体系。一是拓宽音乐与舞蹈、文学、戏曲、美术的相互促进，要保证它们在课程体系中的应有位置和真正实施。“凡音之起，由人心生也。人心之动，物使之然也，感于物而动，故形于声。声相应，故生变，变成方，谓之音；比音而乐之，及干戚、羽旎，谓之乐。”（《乐记乐本》）因此，诗、歌、乐、舞常常是结为一体的，它们共同为了表达人的思想感情而联合作用。然而在音乐专业的大学课程中，却鲜有这些与音乐相关的姊妹艺术的影子，或形同虚设，或课时少得不能再少。二是注重弘扬民族音乐与理解多元文化的相辅相成，实现“弘扬民族音乐”与“理解多元文化”的有机结合。在课程设置中，要改变以往单一的中国传统音乐、中国民族音乐、外国民族音乐等概论式的设置和讲授，让这些课程真正动起来，鲜活起来，学生不仅要认识它们，还要体验它们，让多元音乐与学生的灵魂接触。
在关注本国家、本民族音乐文化的基础上，从多元文化视角来教授音乐，让学生欣赏和理解不同国家、民族、地区的的音乐文化，获得更多的音乐审美体验，从而也获得更多的音乐创作源泉，扩展他们的音乐表达能力，学会在多元文化社会中的专业发展能力，也使音乐教育成为音乐文化传承活动中有着深刻民族底蕴的又有多元理解的音乐文化形式，从而使学生获得甄别、引领文化的能力。三是地方音乐真正进课程。地方音乐是我们多民族国家的文化源泉，高校本应在这个方面有所作为，提供给学生更丰富多彩的音乐样本，而不是单一的音调和色彩。但是，实际的情况是常把地方音乐留在采风时，留在研究中，留在录音录像中，成为历史的定格而没有传承，以至自生自灭。这是课程改革中要注意改变的现象，要让学生到民间去感受音乐、学习音乐、表达音乐、传递音乐。
（三）突出课程体系的专业属性，增强对文化方式影响的现实反哺
社会学家斯特赖克认为，“人类社会行为是被周围﹙物质的和社会的﹚环境方方面面的象征性称呼所组织的。其中，最重要的称呼是，人们在社会结构中所占位置的象征符号及关联的意义。个体有了称呼，就会产生如何行动的预期。”①因为专业的身份和背景，人们对音乐专业学生的文化反哺行为有着更多、更加直接的期待。在深化音乐专业课程改革中，要突出课程体系的专业属性和特征，打造学生过硬的专业能力，增强专业的社会嵌入性，实现专业技能对现实文化的有力反哺。一是突出学生的专业综合能力。加大音乐专业课程的整合力度，形成以综合模块为主的教学体系，如音乐基础理论课程与名作赏析、音乐表演技能课程与教学、音乐教育理论课程与实践、音乐作曲理论与现代科技技术、音乐与相关艺术等，在分科的前提下加强各学科之间的统合与沟通，打造学生的综合专业能力，为促进先进文化的传播作出应有的贡献。二是着力打造应用能力。改变音乐专业的惟智主义知识观，在关注学科基础的同时强调与现实生活、学生经验的联系，突出实际应用，加强方法———应用———探究等方面的综合。如将钢琴课训练成果融合于即兴伴奏的学习中，合唱指挥应侧重解决如何指挥、如何训练合唱队的应用知识等，服务于校园文化生活的丰富与活跃。三是体现课程改革服务地方音乐发展的功能。如泉州南音作为闽南语系的传统音乐，被誉为传统音乐珍贵的“活化石”、“东方音乐皇冠的明珠”，是至今存活着的华夏古老乐种之一。相关高校的音乐专业改革应该对此有所服务，有所作为。四是要适度满足青年学生对流行音乐的发展需求。可以通过音乐欣赏课或公共选修课，将流行音乐做为一部分授课内容出现，以专业的视野评析流行音乐，解读流行音乐，给学生选择的视角和理由，教会学生演绎的技巧与要旨，从而促进学生提升对时尚的领悟能力、感受能力，在愉悦中接受教育，在追求时尚中引领方向。
