发布时间：2023-03-07 15:06:59
序言：写作是分享个人见解和探索未知领域的桥梁，我们为您精选了8篇的工艺美术专业论文样本，期待这些样本能够为您提供丰富的参考和启发，请尽情阅读。
【关键词】民族传统文化工艺美术教学应用
一、工艺美术专业教育方向的思考
我国工艺美术专业教育的性质是培养实用技术型人才还是培养研究创造型人才，不能一概而论,应看工艺美术教育是着眼现在还是着眼未来,如果简单从目前社会需求来考虑工艺美术教育特点,工艺美术学院教育的性质只能成为普通大学一般美术教育的浓缩,仅成为符合市场需要的一般工匠，失去了工艺美术学院教育的实质意义,起不到培养社会急需的创造型人才或是一线技术人才的作用。目前我国工艺美术教学的误区还纯在较多的问题，譬如忽视学生实操能力的训练只重视工艺美术设计专业基础知识，艺术教学实践课变成以巩固复习基础知识为主。另外教学评价体系重视结果而不注重解决问题的动态过程，强调知识的积累,而忽视知识的创新。没有与教学计划相应的艺术实践设备, 缺乏通用的艺术实践教学的教材,不能有效地进行艺术实践教学，学生的艺术思维的创新与实践操作能力得不到提升。
二、合理整合课程优化知识结构
工艺美术专业的课程设置,要按照职业素质培养、技术应用能力为主线和实效、实用、实际、实践的原则来整合课程及内容。要打破学科体系的界限，讲求教学方法,抓好关键环节,如将《设计概论》和《中外设计史》整合使学生获得设计发展史、设计风格流派和时代的关系和不同设计美学原理和形式法则,《色彩构成》和《平面构成》合为一门课更有利于学生基础能力的培养。主要使学生获得从事设计的必要理论知识，这些课学时不多,要求精选内容。《设计素描》基础核心课程，它之所以重要是因为要承担起从绘画到设计的过渡,是艺术设计专业的一门既现代又传统的基础课,因此,设计专业的素描课要加大设计素描的比例,重点训练学生对"形"二维和"形"三维的想象能力和表现能力,不能按美术专业那样把大量的时间用在画光影明暗素描上,真正解决艺术设计专业学习素描学什么的问题。
尽管近年来新的工艺美术技术不断出现层出不穷, 学生们希望多学些新兴实用技术的愿望很强烈,但要让学生们明白,学到一门实用新技术只能用几年,还有更新的技术会产生。打好了专业理论基础,掌握学习方法，新技术一冒头就能知道它是否代表未来发展的主流趋势,并且能更快地领会和掌握，就能用十年甚至几十年。通过课程设置以课程内容的改革对学生加以适当引导,使他们能在基础理论和专业核心课程上花费足够的时间。
三、改革工艺美术教育观念,促进创造性人才培养
中国的学生善于学习、考试,想象力、创造力却很弱,是我们教育体制中对如何培养人的创造能力重视不够。而我国美术院校还停留在教技术、教技巧。笔者认为当前社会需要我们培养的是能引领工艺美术发展主流方向，具有艺术创造力的技术人才。
工艺美术学生的实操环节和实践教学是十分重要的,因为应用技术型人才本身就需要有很强的动手能力, 学生设计的课题应与实际项目结合起来,应在教学大纲规定的范围内,让学生走入社会去联系和争取设计项目,还可鼓励学生参加设计征稿和设计竞赛项目、承接设计工程为课题进行实际的设计实践。结合课程、利用项目等方式也是锻炼学生、培养学生动手能力的好形式。调整教学计划,专业课都贯彻"精讲多练"的原则,主干课都安排一至二周的单独实训,要求学生完成一定的实训作品。使他们获得更多的实践机会，既培养了他们的综合素质和社会活动能力。通过市场实态现状的调研, 撰写较为详细的设计项目调查和设计定位的报告，让学生了解国内外的工艺美术发展现状,从而掌握科学的工艺美术设计方法。在项目设计过程中, 利用启发教学法通过大量的设计创意素描草图,挖掘学生的创造性思维,选择最佳的设计方案。在正稿制作阶段,要引导学生去发现与解决设计中所涉及的各种问题,如材料、工艺、成本、效果等,以便提高设计方案的可行性。
从整个国家未来发展的高度来看待人才培养的问题,我们美术教育者必须责无旁贷地承担起培养"创造型人才"的重任。我国目前虽然缺乏大量的实用型、应用型的工艺美术专业人才，但从深远看,目前最缺乏的是掌握了当代工艺美术前沿科学技术的、能够创造性地应用工艺美术技术的人才。我们不能为一些急功近利的短视行为,就放弃我们对"创造型人才"长远培养目标的追求。如果我们稍微仔细地观察一下国外的教育体制,比如美国、日本的教育体制,就会看到他们在高度发达的市场经济中,对于创新型人才培养的重视程度远超过我们的想像。
四、工艺美术教学立足于中国本土文化
中国的工艺美术教学与创作不能脱离中国的实际情况,即中国的文化背景,和中国的社会环境。工艺美术作为一门独立的艺术学科，在我国的历史不算很长处于起步阶段，受西方各设计流派的影响比较大，具有代表性的作品较少。中国工艺美术想要屹立在国际的舞台上，应该将民族的元素、传统的材质结合现代的工艺融为一体。中国的人文艺术背景是积淀了五千年传统文化底蕴,中国的特色社会主义环境实践也证明 "特色"理论是正确的,不能照搬国外的经验，中国高校的工艺美术教育当然也不能脱离中国的社会环境,也必须走中国特色之路。我国历史文化悠远深厚，代表我国民族传统文化精髓的理论在今天依旧有着现实的指导意义，数千年来我们逐渐积淀了一套含盖各个领域的文明体系,尤其是理论思想,如诸子百家思想。这其中哲学、美学、社会学的诸多思想,都是中国传统体现民族精神的艺术设计思想依据。
目前中国的工艺美术教学对民族传统视觉元素没有引起足够的重视，如担心学术外出安全问题取消相应的艺术考察教学活动,很多学校外出考察课程也流于形式。具有中国传统特色的设计思想逐渐被国外形式所取代,如不少学校传统图案设计的课程被取消被平面构成取代, 现代陶艺设计实践取代了中国传统陶艺技艺实践课程, 现代家具设计实践取代中国古典家具设计实践等。以上方面的缺失,导致导致创作所需的精神在枯萎，甚至学生民族情感的淡漠。民族工艺美术教育是一个民族赖以生存的精神支柱,工艺美术是民族文化传播和传承的重要途径与有力保障。
五、寻根溯源，根植于本土寻找创作的源泉。
例如笔者所处的广西有着极其丰富的民族民间艺术元素资源，调查广西民族艺术中建筑装饰、刺绣、织绣、染织、金属工艺、木雕等传统工艺美术现状和代表性作品与案例，挖掘、整理、编辑重要造型艺术研究样本，采访民族民间艺术传承人，拍摄和录制典型性创作过程和生产案例，引导学生努力发掘本民族的设计观念、造物原则和审美意识，并结合现代科技手段，独树一帜，创造出独特的艺术风格，使少数民族古老的传统技艺在现代社会中闪光。通过对民族民间艺术元素的整理分析，积极探索多种创新设计思维，以寻求更多的解决广西民族民间艺术元素的创新应用途径，使民族民间艺术元素在高校艺术教育中具有可持续发展的独特魅力。高校培养人才要多元化，不拘一格的人才培养模式，要打破课堂的界限，实施课内教学与课外教学相结合的方法，让学生进入社会，通过采风、考察等活动感受到民族民间的艺术魅力。深入少数民族地区全面收集、考察，系统整理少数民族的工艺、服饰、建筑、雕刻等方面的资料。让学生对这些资料进行整理分析，提取和保留这些少数民族元素的精髓，经过再设计并运用到自己的专业设计当中去。例如上海工艺美术职业学院就建立民间艺人工作室把本地具有代表性的优秀艺人请进教学工作室，讲授技巧，引导学生去认识和了解本地文化，让学生学会逐步挖掘、运用本土民族艺术元素，使当代的民族民间元素与设计教学与时俱进，从更多的民族艺术中汲取相关元素，同时又不失现代的气息。使民族民间艺术元素与现代文化间的精髓相互融合、和谐发展，相互促进。只有这样，才能让我们的设计在吸收外来先进文化的同时，不断地注入民族内涵，创造出富有本土独特韵味的设计。在满足生活需要的同时，得到广泛的延传，并且经久不衰，使本土化民族民间艺术得以可持续发展。工艺美术教育是传承和发展我国优秀传统文化的重要渠道也是一个民族走向现代化过程中不可失去的依靠。
广西本土民族民间工艺和现代设计理念结合，将本土民族民间工艺结合到现代设计教学中,这是引导学生设计出具有自主性、时代性和国际性的现代设计的关键。在工艺美术方面通过开展横向研究与开发，探索地域特色的设计教育创新之路做以下几个方面尝试。
1、 都安古法造纸工艺传承着古老的文化符号，可以聘请艺人将古法工艺引入到艺术设计课程中，在让学生体验了解传统造纸工艺，生产各类材质机理的纸张。材料学研究部门在纸张防水、除霉、韧性等方面给予技术上帮助，可用于现代家居用壁纸、灯具、扇面、雨伞、笔记本等设计。通过校企合作，建立产学研合作关系，有计划地开发具有广西民族特色的文化产品和工艺产品，保护了正在消失的传统手工艺，帮助地方地方企业提高产品经济附加值，并培育具有鲜明地方文化特征的产品品牌。2、已入选国家级非物质文化遗产侗族木结构工艺可以让学生体验榫卯结构设计原理，感悟侗族木结构设计之美，用于民族风格的建筑装饰设计，在公共空间艺术设计中发挥优势。在土木工程研究单位协助下整理数据开发成为智力玩具，采用现代注塑工艺将榫卯结构智慧的设计原理通过的玩具的形式介绍给大家，传播广西民族地区建筑设计的智慧。既可作为具有民族特色的精美礼品又可利用本产品富有知识性、艺术性、挑战性和动手参与的特点，可以按不同年龄段出品不同的组件，并考虑到与其他系列产品相衔接。3、各类民族剪纸、刺绣、编制的民族图案形式与工艺与现代服饰设计，包装设计、鞋类、包类、丝巾等设计结合，在此方面云南、贵州等高校的研究成果频繁活跃在全国各类专业博览会与专业大赛中。可以在旅游管理研究单位的协助下打造有地域特色的民族旅游产品依托桂林发达的旅游商品集散地优势形成民族品牌，积极探索在广西地区实现利用本土民族文化资源开发现代文化产品的有效途径与开发模式，形成具有推广价值的经验文本，扩大研究成果的社会效益和经济效益。4、民族金银加工技艺和产品设计相结合，金属材料工程研究单位的协助下可以共同设计开发实用旅游产品如:时尚珠宝首饰设计、钢笔、zippo火机、便携金属酒壶酒杯等。国际著名时尚品牌爱马仕设计团队曾来广西柳州博物馆考察收集广西少数民族工艺品设计思路与原理开发符合中国市场的高端时尚产品。通过产品开发与销售，形成具有广西民族特色的系列化产品，并注册产品外观设计专利和技术工艺革新发明专利，实现企业产值提升，扩大其在国内外的影响力和知名度。上述项目得以实施开展可以形成一支横跨多学科的优秀教学团队，形成系列专著、教材、发明专利等，研究成果可以转化为经济价，在广西艺术教育届有一定的推广性，能起到带头、示范作用。
六、结语
工艺美术教育的办学特色是工艺美术教育发展的方向，应在实践中有意的强化教育思想意识，只有院校间设计教育思想各具特色、拉开距离，多元化的设计艺术教育格局才能形成。工艺美术的现代设计应该是对民族传统文化的传承。我们必须明白现代工艺美术设计中民族传统文化在的重要性，找到两者之间的切合点，传承是美德也是生命的源泉所在。民族传统文化是我国的精髓，发展了五千年仍然有着绚丽的色彩，作为祖先留给我们的宝贵财富，我们要让它在现代工艺美术教育中体现它的价值。
参考文献：
[1]夏燕靖《对我国高校艺术设计本科专业课程结构的探讨》[J]南京艺术学院学位论文2006.12
一、纤维艺术的发展历程
纤维艺术是自20世纪以来引起广泛关注而新崛起的一门艺术，它是以天然的动、植物纤维（棉、毛、丝、麻）或人工合成纤维为材料。用编织、绣塑、缠绕、缝缀、环结等多种制作手段进行创作的艺术。纤维艺术在中国的历史渊源尤为深远，我国自古便有“丝国”的美誉，传统丝织作品，品种繁多，技艺精湛，据《中国工艺美术史》记载，我国最早采用的丝织材料主要是麻葛纤维，这些材料虽然粗糙，但却能编出山形和菱形的斜纹。到汉朝时，中国的地毯编制技术已达到相当高的水平。国外的传统纤维艺术中，15世纪古埃及的亚麻壁毯是迄今发现最早的纤维艺术作品，而西亚的纤维壁毯纺织比较兴旺，叙利亚曾经是壁毯纺织业的中心。一直以来我国的纤维艺术都是沿袭着传统染织艺术的历史，以平面的编织、壁挂为主，直到20世纪80年代“软雕塑”艺术形态的介入，开创了我国纤维艺术的新天地。几乎各种以纤维为材料，传统或现代的、平面或立体的、观赏或实用的，工艺品或艺术品都属于纤维艺术的范畴。它即包括传统的染织品、缂丝、地毯、壁挂，也包括具有现代性的软雕塑、纤维装置，甚至连大地艺术等一些边缘艺术都被归为纤维艺术的行列之中。
二、“软雕塑”艺术语言的兴起
软雕塑又称软艺术，是用线绳、塑料、纸、皮革、布等软性材料为主题的现代艺术，最早可以追溯到20世纪初。1916年，杜尚把一只打字机的套子放在展览会展出，使得观众目瞪口呆，由此产生出了一种新的雕塑品种——软雕塑。到20世纪60年代，软雕塑开始登上历史舞台并日益盛行起来。在美国，雕塑家奥登伯格开始用帆布及合成材料缝制软绵绵的软体作品，如《软的打字机》、《软的抽水马桶》。同一时期，在瑞士洛桑国际壁挂艺术双年展上开始出现了三维立体的纤维编织物，如美国编织艺术家蔡斯勒的《红色的预观》和波兰艺术家阿巴卡诺维奇创作的《红色的阿巴康》。之后的十几届展览中，软雕塑形式的壁挂作品不断出现，并开始有日本艺术家参展。而这一时期的中国还从来没听说过“软雕塑”这一词汇，直到20世纪80年代万曼重回中国。他是保加利亚艺术家，原名MarynVarbanov，现代壁挂艺术的创始人之一，是把“软雕塑”引入中国的第一人。50年代初万曼进入索菲亚美术学院雕塑系，1953年到1958年留学中国学习绘画和美术史之后又学习图案和染织，并在研究生阶段攻读编织艺术。之后被欧洲很多国家邀请举办个人展览，声名远扬。在中国留学的这几年中，他成功的从绘画跨界到编织艺术，一方面是对中国传统的壁毯编织艺术和古老的缂丝技艺所打动，另一方面，被来中国展览的让•吕尔萨的作品所感染，最终确定了其艺术道路。之后便有了，万曼走进中国美术学院，开始创立万曼壁挂艺术研究所，真正把“软雕塑”引入到了中国艺术界，给了面临着传统与现代化抉择的中国纤维艺术教育开辟了新的天地，同时也培养出了一批中国现代纤维艺术家，如谷文达、梁绍基、施惠等，并在1986年把他们带入了国际壁挂的展览上，迈出了中国纤维艺术的第一步。如今他们是国内纤维艺术的第一批实践者，同时也成为了中国纤维艺术领域教育前线的园丁。
三、我国纤维艺术教育现状
在我国艺术设计教育领域，纤维艺术是一个非常年轻的孩子。从上世纪80年代初“软雕塑”艺术语言被引入，到2000年中国工艺美术学会地毯专业委员会正式更名为“纤维艺术专业委员会”后，又经历10多年的发展。在前辈们的不懈努力和中国纤维艺术领域内的第一批教育实践者的带领下，现在许多艺术院校、综合大学的艺术学院都在不同院系都开设了纤维艺术专业或纤维艺术课程，呈现出多元化的教育模式。如清华美院、西安美院、山东工艺美院等院校在装饰艺术专业或装饰艺术系中设立了纤维艺术设计专业并招有纤维艺术研究生。其中清华美院在装饰艺术设计系设有纤维艺术，这是源于他们的前身是工艺美术系，并沿袭了工艺美术的传统技艺。清华大学装饰艺术系的前身为特种工艺系，2000年更名为工艺美术系，现在改名后为装饰艺术系，下设金属艺术、漆艺、纤维艺术、玻璃艺术四个工艺实验室。同时清华美院染织服装艺术系还下设纤维艺术设计教研室，实现了资源共享和综合发展。广州美院装饰艺术设计在材料工艺中含纤维实践课程，并下设研究生方向——当代纤维艺术形态研究。同时广州美院染织艺术专业的前身是中南美专的工艺美术系图案科，其中含纤维造型设计工作室，并设有专业特色课程——纤维艺术设计。天津美院、鲁迅美院、湖北美院在服装或染织艺术设计专业设有纤维艺术设计，并招有纤维艺术方向的研究生，还设有纤维艺术设计教研室，它沿袭了染织发展的历史。中国美院，雕塑系下设纤维与空间艺术工作室，研究软材料造型与创作，成为雕塑的一个发展方向。
四、“软雕塑”的启示
（一）不断开拓、勇于创新
从上述各艺术院校对纤维艺术教育发展的多元化来看，“软雕塑”艺术语言的介入为中国纤维艺术教育开创了新天地，并不断发展着、壮大着。这种多元的教育不仅为我国纤维艺术教育的发展培养出了一批又一批具备专业素质和多元艺术设计理念的年轻纤维艺术家，同时也使我国的纤维艺术融入到了世界纤维的大舞台。在国内外各种纤维艺术展览和学术活动中不断有“软雕塑”作品出现在人们的视野范围内。在国内近几届全国美展和国际纤维艺术展中“软雕塑”这种艺术形式更是蓬勃发展。如第一届“从洛桑到北京”国际纤维艺术双年展中，“软雕塑”作品只有六七件，到2010年第六届“从洛桑到北京”国际纤维艺术双年展，“软雕塑”形式的纤维艺术作品达到几十件。经过十年的发展，我们看到每一届都有令人耳目一新，为之振奋的作品。其艺术表现形式，手法更是多变，而参与展览的绝大多数都是国内各大美术专业院校的师生。另一方面纤维艺术教育的书籍也如雨后春笋般的蓬勃发展着，如张怡庄、蓝素明主编的《纤维艺术史》，林乐成、王凯编著的《纤维艺术》，田青、贾京生编著的《第三届亚洲纤维艺术作品及论文》，还有一些纤维编织技法和纤维艺术展览作品的书籍等，也能看出纤维艺术教育的发展比历史上任何一个时期都活跃。通过“软雕塑”独特的艺术表现形式，让我们看到了现代纤维艺术的另一面，无论是装饰还是服装染织，还是雕塑，大家都可以自由的、随心所欲的用各种表现方式、尝试各种材料、摒弃各种条条框框。“软雕塑”艺术语言在纤维艺术中的不断壮大使得以壁挂、地毯为主要形式的传统纤维，不仅仅具有实用功能，还融入了更多的精神内涵。这些事实足以证明“软雕塑”这种艺术形式已被中国纤维艺术教育所接纳并不断发扬。#p#分页标题#e#
（二）拓宽对象，传承发展
虽然现在很多重点美术院校和综合类大学的艺术学院中纤维艺术教育已经被纳入正轨，人才济济，但在一些特殊教育、职业教育甚至是成人教育领域内纤维艺术的发展并不乐观。2003年由中国文学艺术界联合会、北京市人民政府、中国美术家协会联合主办的首届“中国北京国际美术双年展”在北京中国美术馆隆重举行。一件粗犷厚重、气势磅礴的软雕塑作品获得了金奖，这件大型纤维雕塑作品叫《中华根》，这座长19.99米，高4米，厚1.5米的，重约3吨的巨型作品，是由当时在山东特殊教育中专任教的郭振宇老师和两批聋哑学生历时4年的反复修整和辛苦劳动才完成的。作品形成根盘根、枝连枝，盘根错节的硕大整体，展现出中华民族繁衍发展，生存抗争，自强不息的精神和强大的民族生命力和凝聚力。可以说这件作品是纤维艺术教育在特殊教育领域内的开山之作。今天作为特殊教育艺术专业方向的年轻教师，审视10年间，特殊教育领域内，纤维艺术教育教学的发展状况，还有很多担忧。一是，纤维艺术教育还没有在特殊教育和职业教育中普及。由于纤维艺术还是一个较新的艺术门类，所以近10年他的教育成果主要体现在高等艺术院校教育教学中，并形成比较完善的教育教学体系。而残疾人的纤维艺术教育似乎在《中华根》之后便销声匿迹了，这不得不让我们担心。在为数不多的全国高等特殊教育院校中，纤维艺术课程有的刚刚开设，有的还正在筹备当中。呈现出的教学成果似乎也没有像《中华根》那样的力作了。二是，师资力量缺乏，实验室不够完善。我国的纤维艺术教育是近一二十年才发展壮大的，而第一批纤维艺术家和教育工作者也是在20世纪八九十年代培养的，虽然他们一直奋战在我国纤维艺术教育的第一线，培养了一批又一批的纤维艺术人才，但和其他历史悠久的艺术门类相比其毕业生人数相当有限，毕业后能从事纤维艺术教育的优秀人才更是少之又少。所以纤维艺术教育人数的多少直接限制了纤维艺术教育在全国各大专院校和特殊教育学校中的普及率。在全国的各大专院校中只有专业的美术院校和一些实力较强的综合大学的艺术学院设有纤维艺术实验室，其他一些高职、高专和特殊教育领域内实验室建设相当缺乏。虽然在1999年山东特教学校便率先成立了“聋人艺术教育研究室”，开始对聋人艺术教育进行系统深入研究，为全国特殊教育教学科研填补了空白。但10年过去了，由于纤维艺术教育在很大程度上还没有得到普及，所以实验室不完善，实验设备短缺，专业教师缺乏等现象仍然困扰着特殊学院的纤维艺术教育。
[关键词]装饰艺术设计专业 材料与工艺 实践教学
[作者简介]杨华（1976- ），女，山东济南人，江苏大学艺术学院装饰设计系，讲师，主要从事装饰设计专业教学、壁画研究与制作。（江苏 镇江 212013）
[中图分类号]G642 [文献标识码]A [文章编号]1004-3985（2012）33-0158-03
装饰艺术设计专业是由多领域、多元化的不同专业相互交叉、渗透、纵横联系在一起的设计科学。①材料与工艺是装饰设计的物质基础和客观主体。教学要求学生掌握装饰设计中所涉及的材料及相关工艺的基本理论和技能，具备较强的装饰艺术创作设计能力、初步的科研能力、针对不同的设计目标进行合理的材料及工艺选择制作的能力。专业的特点决定了材料与工艺的实践成了教学的主要手段和形式，并贯穿整个教学的始终。
一、材料与工艺实践教学的现状
1.装饰设计专业学科定位模糊影响课程建设。这是一个影响实践教学的上层问题，也是一直困扰装饰设计艺术专业发展的问题。从20世纪80年代末开始，全国各大艺术院校的工艺美术专业出现萎缩甚至消失，但相关的教学资源，例如，师资队伍仍然存在，各高校根据现有资源进行重组建设。由传统工艺美术发展而来的装饰设计专业的学科定位问题却一直处于矛盾中。大部分院校将装饰设计艺术专业归并在设计学范畴，也有部分院校仍将它归置在艺术学范畴。问题在于设计艺术学有着很强的实用设计本质，设计主体明确。装饰艺术设计与其他设计专业相对比，设计对象范围广且模糊，设计内容不能明确地体现。再加上装饰艺术设计专业的学科特点，课程涉及面广，要进行不同材料与工艺的实践，使之呈现杂而乱的表象，造成了装饰设计艺术专业一直处于学科建设的边缘，不被重视。不能从科学的角度进行学科建设，配备师资和实验室，相关课程被拆分重组，甚至取消。专业建设远远滞后，甚至是处于停滞萎缩的状态。
2.新材料与工艺发展迅速，传统材料与工艺的实践仍是教学的主体。进入20世纪80年代，我国的各艺术门类飞速发展。装饰艺术是一门涉及众多材料工艺的学科，在各艺术门类相互交叉、多向发展，科学技术日新月异的背景下，新材料和工艺不断被推出。艺术家不断探索创新，将新技术引入到装饰艺术设计实践中去。在现有的教学体系中，教学涉及的材料与工艺基本以传统材料与工艺为主。在这方面，各院校积累了一定的经验，在师资、实验设备、材料等方面具有一定优势。相对当代艺术家活跃的艺术实践，院校的实践教学发展迟缓，创新意识弱，对新材料和工艺的探索滞后。
二、建立科学的材料与工艺实践教学体系
科学的教学体系关系到学科的有效发展和人才培养的质量，它的建立是要遵循科学的教育原则和目标。课程的建设是教学体系的最重要部分，围绕课程展开的实践内容是课程教学的有力延伸。在这套体系中，课堂内的实践内容与课堂外的实践内容有效渗透，让学生从不同角度对材料与工艺专业的学习有更深刻的体验和认识。
1.专业理论教学。理论是实践的基础，它可以提高学生的理论素养和研究能力，了解设计活动和设计风格的历史演变， 开阔学生的设计视野，从而更好地借鉴传统并汲取设计灵感，并打下扎实的设计思想和设计实践的理论基础。相关的史论教学，是指艺术及设计历史和理论，分为艺术通史部分，如中外美术史、社会文化史；专类史部分，如工艺美术史、设计史；艺术和设计理论部分，如设计概论、美学、艺术哲学；材料与工艺理论部分，如材料艺术与工艺、材料艺术学。这四部分是一个阶梯式的理论教学部分，应遵循它们的科学性，有序地进行。我院的装饰设计专业的史论体系如下：中外美术史、工艺美术史、美学、材料艺术与工艺（按开设顺序排序）。
2.专业课程实践教学。在掌握一定了理论基础之后，学生对专业涉及的材料与工艺有了初步的认识，再加上一定的专业基础训练之后，有针对性的材料和工艺专业课程成为他们学习的重点。我院开设的课程包括“综合材料绘画”“纤维设计”“漆艺设计”“金属装饰设计”等。学生在课程中详尽地学习各种材料与工艺的知识，并进行设计制作。这部分课程是专业课程的重中之重，涉及多专业领域和学科。各个专业领域的装饰艺术设计， 既有共性又有差异性， 既有共同的艺术设计规律， 又有不同的专业指向。在这部分艺术实践的教学中，教师必须具备一定的实践能力和创新精神。除了进一步讲授相关史论知识和设计要点，还要进行实践操作的示范和详尽讲解。带领学生进行相关的市场调研，对材料与工艺有更直观和实际的掌握认识。引导学生准确把握材料特性和工艺技巧，将其运用到设计实践中去，而不是固守材料与工艺的本身，失去艺术探索的根本目的。
3.综合课程实践教学。这一阶段的教学主要针对高年级学生，在涉及不同材料和工艺的专业课程结束后，学生对材料与工艺都有了一定的认识和实践经验。接下来是综合实践课程，实践内容由“单一型”向“综合型”转变，如“综合材料艺术”“装饰壁画”“装饰雕塑”“公共装饰艺术”。这些课程针对一定的载体（如壁画、雕塑），要求学生综合运用前面学习的知识，选择合理的材料与工艺进行设计制作，从而有效地进一步巩固和培养学生的实践创作能力。这一阶段的学了要求学生进一步地掌握材料与工艺的审美特性，并将其融会贯通在作品中，还要求学生具有创新意识，将新的材料与工艺引入设计中去，在实践中创新。在专业课程实践教学和综合课程实践教学中，重要的一个环节就是实验工作室的建设。工作室配套设备和人员的管理与建设直接影响实践教学的质量，例如，实践材料的配备、设备的维护和更新、教辅人员的实践经验、实验室场地及配套设施等等方面（详细内容在文章第三部分有论述）。
4.实践考察与调研。校外的考察调研与校内专业课程的教学是渗透交叉进行的，两者在时间和内容的安排上要有效结合、相辅相成。课堂上的内容及时在实践考察中得到有益补充，考察调研的收获又能反馈在专业教学之中。以下是我院开设的考察课程。“专业认知实习”是结合课程进行的专业认识实习内容，例如在“木雕装饰设计”课程中穿插为期3～5天的木雕考察，以浙江东阳为实习考察基地。使学生深入工艺制作的第一线，真切的感受课程的知识要点，激发学生的创作欲望，促进实践教学的效果。而“漆艺”课程的专业认知实习则会到扬州进行专业认识学习。“民间艺术考察”是以传统民间工艺为考察内容的教学环节。时间安排在专业课程实践教学之后，在综合课程实践教学之前。目的在于学生对单项专业课程有一定学习后，对考察目标会有综合的认识，便于之后的综合设计课程的教学。例如，我院建立的皖南民间美术考察基地，综合木雕、石雕、漆艺等实践教学的内容，让学生全面感受中国传统工艺的精华。“现代艺术考察”是以现代工艺和艺术为考察内容的教学环节，时间安排在所有课程之后，毕业设计之前，目的在于让学生感受现代艺术的魅力，开拓眼界，鼓励实践创新。实习基地建设，在以上的考察课程中，都建立相应的考察实习基地，实习基地建设是艺术设计学科重要的实践环节，基地的确定要经过周密的实地论证。通过与校外实习单位建立互动合作联系，资源共享，让学生将所学知识紧密结合实践运用，加深对课堂教学内容的理解。
5.科研项目实践。一是学生科研项目。大学生学术科研项目是高等学校本科教学质量与教学改革工程的重要组成部分，各高校都有针对学生的科研立项项目。大学生实践性科研立项，倡导以本科学生为主体的创新性实践研究，调动学生的主动性、积极性和创造性，激发学生的创新思维和实践意识，使学生在科研项目中得到更多的实践锻炼和科研能力的提高。此外，还可以组织学生在设计竞赛、自主创业等其他实践的渠道中进行全面锻炼，从课堂之外获得实践体验，并从取得的成果中获得成就感，从而进一步增加学生的学习积极性。二是教师科研项目。教育科研能力是一种高级的、来源于教育实践而又有所超越和升华的创新能力，也是一位教师的综合能力的体现。教师应该积极申请与教学相关的科研课题，提高自己的科研能力，在课题的实施过程中有针对性地研究专业领域的先进技术和前沿知识。鼓励教师以技术合作、技术转让等形式开展横向课题研究，并且在科研项目中调动学生积极参加实践，教师应该给学生在方法上提供有指导性的建议，使学生在参与项目的过程中不断思考，从中得到更深的学习体会。三是校企联盟。将相关企业的设计部门引入校内，或者在校外建立实习基地，双方在人力资源、场地设备、市场等方面资源共享，相互支持与合作。使学生在了解相关企业产业结构的特点及发展趋势，了解企业的生产技术和工艺流程。这样才有利于学生理论联系实际，学校也可以有针对性地进行专业课程建设及教学改革，使培养的学生在满足企事业所需的同时，也能提高自身的生存发展能力。
三、面临的问题及解决方案
从科学的学科建设角度来分析面临的问题，及时建立解决方案，并积极有效地推行方案，是专业带头人义不容辞的职责。首先，加强艺术学学科建设，完善课程体系，树立品牌与特色意识，是艺术教育可持续发展的途径。②装饰设计专业面对众多的方向，必须要主次分明，抓住重点，建立有特色的专业发展方向，树立品牌专业。明确的专业发展方向是解决问题的基本前提。其次，面对不同的矛盾问题要理性地分析，并分析整合问题的关键点，有重点、有针对性地解决一系列问题，为专业的实践教学铺平道路。实践教学不同于课堂教学，要面对课堂之外更多的实际问题，这些问题归纳如下：
1.师资队伍建设。第一，实践性教学师资知识结构与教育职能部门的职称评定导向存在矛盾。装饰专业教师必须在专业领域具备较强的实践能力，一名具备一线实践经验的教师，必定要把精力花在设计的具体实施中，其知识结构也必然与实践紧密相连。但是实践成果却很难在教师的职称评定体系中得到认可。实践教学岗位的教师的理论水平相对较弱，面对以学术论文为主要衡量标准的职称评定，两者的知识结构有着很强的差异。装饰专业教师要么放弃职称评定，从事专业实践；要么放弃专业实践，认真研究学术理论。无论哪种选择，对于教师和专业的发展都是不利的。作为教育的相关职能部门，尊重各个学科的规律，制定不同的职称评定制度，是科学发展的一项重要任务。最大限度地发展各个学科，“一刀切”只能产生反作用，如同“拦路虎”一般限制着专业的发展。第二，实践性教学师资的进修与学校的人才培养政策存在矛盾。鉴于目前我国高校的人才培养和引进模式，装饰专业教师的实践能力较弱，许多高校的老师是从学校到学校，面对以实践为主的装饰专业教学，许多高学历教师却无法胜任一线教学岗位，急需进行专业的进修学习和实践锻炼。但是学校的人力资源部门的 “唯学历、唯文凭”的教师培养观念却很难适用于设计专业，在这样的教师培养模式下，专业教师读研读博的渠道是畅通的，但是问题在于高校的高层次人才培养是以理论教学为主的，这样的人才完全满足不了实践教学的需要。相反，教学急需的实践经验学习的道路却是坎坷的，因为这些实践单位没有学历和文凭， “学历与文凭”又成了教师进行实践研修的第二只“拦路虎”。学校从管理制度上进行改革，采取一系列措施，不拘一格培养人才，把实践水平的培养作为人才培养的一项重要指标。
2.实验室建设。一是实验场地的建设。随着高校的扩招，生源的快速增长，相关的配套设施却不能及时跟进。材料与工艺的实践需要一定的实验空间，各门实践课程所需配备也各不相同，例如“漆艺”课程，在胎板制作、髹涂研磨、彩绘镶嵌的过程中需要各不相同的专用实验室，室内要配备换气吸尘设施，用水便利。工作环境封闭、清洁、没有灰尘。而“金属装饰设计”课程实验室则要求空间大，区域划分合理，设备布局合理，用电便利安全。二是设备的维护与更新。装饰专业实践的设备使用损耗率高，相应的管理和维护跟不上就会影响教学，往往因为一个钻头的缺失导致一堂课无法顺利进行。例如“金属装饰设计”课程中，众多的电焊机、电动工具，及配套的磨片、钻头、焊条等易耗品都要及时维护和更新。实际管理中，复杂冗长的设备购买和维护报修制度，影响了维护和更新的效率。简化手续，务实操作才是管理之道。三是人力资源的配备。除了硬件设施的配套，相关实验的管理人员，如技师、管理员的配套服务也显得尤为重要。一名好的技师可以胜任实践的任何一环技术环节，以丰富的经验弥补专业教师在技术实践环节的不足。管理人员的管理水平和责任心可以保障教学各环节顺利进行。
3.材料库建设。为了实践教学更顺利地进行，应建立配套的完整齐全的材料库。材料库可大可小，小的材料库起到材料和工艺的展示作用，除了材料的样本外，还应该把相关的信息一同展示，例如生产厂家、购买渠道、优劣对比、应用实例。这些展示便于学生更直观地感受材料和了解材料的相关知识和信息；大的材料库除了具备以上的功能，还是一个材料仓库，学校可以大批购进相关材料和工具，便于学生使用，因为很多装饰专业涉及的材料和工具，市场的保有量很低，小批量地购买存在一定困难，且成本很高。
4.新材料与工艺的引入。传统材料和工艺在很多方面具有一定的优越性，相关的资源配套比较齐全，管理经验也丰富，教学进行起来得心应手。而新材料与工艺则缺乏有效途径进入高校的实践训练，在课程设置和管理机制上缺乏对新材料与工艺的有力支持。如设立创新学分，鼓励师生进行新材料的实践，对引进新型材料与工艺的教师进行一定奖励。
四、结语
以上阐述的建立科学的材料与工艺实践教学体系的观点，是从实践教学中的经验与体会总结而来。科学的教学体系，最终的实现与完善都需要相关部门的有力支持，从尊重学科发展特点的角度出发，给予专业建设和改革更广阔的空间。
[注释]
[论文关键词]高师美术教育 培养目标教师教育 教学过程
近年来，高师美术教育在“艺考热”、扩招热及火爆的艺术品市场推动下，其办学模式发生了深刻变化。多数高师院校打破了单一培养教师的传统，面向市场设置应用型艺术设计专业，形成一种办学模式多元化的强劲态势。同时，在基础教育新课改和以数字化为特征的信息技术推动下，教师教育专业化、教学过程数字化两种趋势也十分明显给高师美术教育带来了新的机遇与挑战。
一、培养目标趋于多元化
(一)设计艺术成为高师美术教育新的生长点
传统上，我国美术教育大体延续着美术学院工艺美院和高师美术教育三大类型并存的格局。其中，美术学院设置国、油、版、雕、史论等传统专业，培养专业美术工作者和研究人员；工艺美院以实用设计门类划分专业，培养应用型专业设计人才；高师美术教育大体沿袭了美术学院的专业设置，以培养各级各类教师和教学研究人员为专业培养目标。但从上世纪80年代中期开始，这种格局开始发生变化。社会对纯艺术类人才需求量不断缩小，中小学美术教师在大中城市也渐趋饱和，而设计类实用型人才需求量逐年递增。至90年代，设计类专业成了中国美术教育的热点。全国各大美术院校都争相开办设计类专业，而高师美术院校也不甘落后，相继增设了“平面设计”和“环境艺术设计”等专业。以教育部属六所师范大学为例，华东师范大学设有综合绘画、美术教育和环境艺术设计三大学科，并按“综合绘画和美术教育”、“环境艺术设计”两个方向招生；东北师范大学设有美术教育、油画、水彩画、中国画、雕塑、环境艺术与服装艺术设计、装潢艺术与电脑美术设计等7个系，其中只有美术教育系为师范类专业；陕西师范大学设油画、国画、视觉传达设计、环境艺术设计等四个系，并按照美术教育、绘画、装潢设计三个专业培养人才；北京师范大学下设美术学、艺术设计两个专业，专门培养从事美术、书法、艺术设计教学、创作、研究等工作的高级人才；西南大学设有美术学、艺术设计、绘画及雕塑四个本科专业，只有美术学为师范类专业；华中师范大学设有美术学、艺术设计两个本科专业，其中艺术设计为非师范类专业；华南师范大学现有美术学、艺术设计、数字媒体艺术等三个本科专业，设有美术教育、视觉传达设计、环境艺术设计、工业设计、新媒体艺术等系，多数为近年来新兴的非师范类应用型专业。
高师美术教育培养目标的多元化不是一种孤立的现象，而是席卷全国的大学综合化总趋势的一部分。从高师美术教育的角度看，这种综合化趋势是从两个层面展开的：一是美术教育的综合化。在以往，美术学专业有师范类与非师范类之分在2005年教育部印发的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》中，“师范类”被“教师教育”所代替。这不仅仅是名称的变化，而是为培养主体多元化开辟了道路。当前，不少艺术学院都开设美术学(教师教育)专业，其在师资、科研、教学基础等方面的优势立刻显现出来，并对师范院校的美术教育形成了强劲的挑战。二是教师教育综合化。近年来，综合性大学举办教师教育已经成为一种国际趋势。1991年，在欧洲教师联合会上，由欧共体12个成员国60位专家共同提出了“教师教育大学化”的口号，认为“大学应该在教师培养和培训中扮演重要角色”。在我国，1999年第三次全国教育工作会议提出，要鼓励综合性高等学校和非师范类高等学校参与中小学教师的培养工作，在有条件的综合高等学校中试办教育学院。2003年11月，全国一百多所非师范类院校召开会议，共同《非师范院校积极参与教师教育的行动宣言》，明确指出：“中国教师教育已经进入了一个从数量满足向质量提高转变的历史新时期。实现这种转变，鼓励师范院校综合化和综合大学参与教师教育，是世界教师教育发展的共同趋势，也是我国经济社会和教育发展的客观要求。”实践证明，综合性大学办教师教育，能够充分发挥其办学经费充足、硬件设施先进、学校认同感较好等优势，他们的毕业生后劲足、适应性强，更加受到中小学校和同行的好评，这也成为高师院校实现培养目标多元化的原因之一。
(二)培养目标多元化推动人才培养模式创新
专业的多元化根源于人才需求的多样化和学科专业的综合化。但在现有的高师本科教学模式下，学科专业化和教师专业化二者间存在着不可协调的矛盾，因而促进人才培养模式创新也是大势所趋。主要途径有：一是形成“大美术”的理念。今天，美术在人们的观念中除了传统的国画、油画、版画、雕塑、水彩外，还有建筑设计、工业造型、服装设计、家具设计、环境设计、广告设计、染织设计、装潢艺术、多媒体网页设计等等，在这些专业中还可以分出多个分支，它们都是美术的范畴。二是实行按院招生制度。当前，多数高等师范院校都撤系建院，并实行按院招生制度。学生入学后不分专业，统一进行基础教学，在充分了解各专业的具体情况及就业形势之后，再由学生选择专业或专业方向。三是创新人才培养模式。在不少高师院校，已经开始试行弹性学制和灵活的人才培养模式。主要有：(1)“2+2”的小学师资、“3+1”的中学师资培养模式。小学师资前两年学习基础公共课和主修专业，后两年进行辅修专业和教育理论的学习与教学实践；中学师资前三年进行基础公共课、主修课程和综合课程的学习，最后一年学习教育理论并进行教学实践。(2)辅修及双专业、双学位模式。许多高校都允许学有余力、并对教师工作感兴趣的学生选择辅修教育类课程，修读双专业并获得双学位，为其以后取得教师资格证打基础。(3)“4+X”的教师教育模式。其中，实行“4+0”模式者，学生毕业即就业；实行“4+2”模式者，学生本科毕业后再读两年硕士学位，培养目标是重点中学的骨干美术教师；实行“4+3”教师教育模式者，采取本硕连读的办法获取硕士学位，学生毕业后可以到美术类高校担任专业课教师。
二、教师教育趋于专业化
(一)“教师专业化”已经从理论走向现实
我国传统的美术教育注重技能训练，因而培养出来的学生其职业意识更倾向于是一个画家而非美术教师。这种状况随着教师地位的提高，尤其是随着“教师专业化”理论的提出而有所改变。教师专业化理论最早是由社会学家卡尔·桑德斯(CarrSaunders，A．M．)于1933年提出来的。1986年，卡耐基公司和霍姆斯小组相继发表的《国家为21世纪准备教师》两份报告，指出公共教育质量只有当学校教育发展为一门成熟的“专业”时才能得到改善。在我国，1993年颁布的《教师法》明确提出：“教师是履行教育教学职责的专业人员。”2000年，《职业分类大典》也将教师归人“专业技术人员”。从2001年4月1日起，国家首次全面开展教师资格认定工作。这些都从法律和制度层面奠定了教师专业化发展的基础。教师专业化是针对其知识结构不合理、专业性不突出，以至于产生较大的职业可替代性提出来的，意在提高教师社会地位、职业地位和专业地位。尽管与“画家”的名头相比，美术教师的专业化程度仍比较低。但随着教师专业化程度的逐步加深，美术教育必将成为一种不可替代的职业而获得普遍的尊重。
(二)促进专业发展是高师美术教育的义务
在我国，高师美术教育从本质上看仍属于职业教育，其课体系基本上是参照美术学院绘画专业设置的，教师专业化程度很低。为此，我国高师美术教育从三个层面来提高未来教师的专业化程度。一是加强专业课教学。教育部于2005年颁布的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》明确指出，美术学(教师教育)专业培养的是“具备初步美术教育教学研究能力的合格的基础教育美术教师和社会美术教育工作者”。根据这一目标，《课程方案》从思想政治和职业道德、人文素养、专业基础、专业技能以及身心素质等方面提出了五条规格要求并从课程体系中辟出一个专门领域——“美术教育理论与实践”，其中“中小学美术教学论”与“美术教育实习”为必修课，“中国美术教育史”、“教学多媒体设计与制作”、“外国美术教育史”、“教育研究方法与论文写作”为选修课，其目的就在于体现课程的师范性。二是增强人文内涵。多年来，我国的高师美术专业一直以培养画家、雕塑家和设计师为取向，注重专业技能课训练，忽视美术史论课学习，这种知识结构已经远远不能适应新课改的要求。新颁布的《义务教育美术课程标准》明确指出：“美术课程具有人文性质。”《普通高中美术课程标准》也指出：“普通高中美术课程具有人文学科的特征。”这在美术课程观上是一个重大突破。在新课程方案中，美术欣赏课被放在突出位置。它不仅需要教师对美术实践有亲身体会，更需要教师具备全面的文化素养，因而需要在美学、美术理论、艺术概论、中外美术史乃至文学、历史、哲学等人文学科有较全面而深入的了解和掌握，还应在教育学、心理学等方面有一定的修养，成为一个具有人文精神和人文素养的人。三是要注重实践能力的提高。一般说来，教师的知识可分成两类，即“理论性知识”和“实践性知识”。其中实践性知识是教师专业发展的基础，在教师的工作中发挥着不可替代的作用。因此，高师美术《课程方案》中的实践性课程达20—22周之多，其中包括社会实践(军训、社会调查、就业指导、劳动等)、毕业创作、毕业论文答辩、艺术实践、艺术考察等，这些都有利于推动学生的专业发展。
三、教学过程趋于数字化
(一)数字化改变了人们关于美术的感知方式
一般认为，美术是一种造型艺术或视觉艺术，它运用一定的物质材料如纸、布、木板、粘土、大理石、塑料等，通过造型手段创造出具有一定空间和审美价值的视觉艺术形象。但是，随着信息技术的高度发展，人们关于美术作品的感知方式越来越技术化了。上世纪90年代后，数字化的印刷、摄影技术高度成熟，大幅广告、精美照片、时尚杂志、网络世界、数码影像等，凡是能够吸引眼球的功能都被商家广为采用，以致导致人们普遍的审美疲劳。而关于美术创作的经典手法，也被数字化时代颠覆了。以前，从设计到完成一幅作品需要花费很长时间，而且对手绘技术要求很高。现在，人们用电脑进行美术创作，摆脱了铅笔纸张、直尺圆规、颜料调色盒等绘画工具限制。即使是一个没有受过专业美术训练的人，只要使用Photshop等普通绘图软件，也可以制作出令人满意的图片来。不仅如此，数字时代还促生了以美术学为基础的创意产业，尤其是广播、电视、动漫、环境、设计、广告等新兴产业的迅速成长，对高校美术教育形成了强大的拉动。为适应这一需求，许多高师类院校都开设了基于信息技术的艺术设计专业。比较典型的有；动漫设计与制作专业，主要培养能在电影、电视等媒体的制作岗位上从事三维动画创意及制作等方面的专业技能型人才；图形图像制作专业，主要培养能在电影、电视、广告、新传媒等媒体的制作岗位上从事后期合成、电脑剪辑、特效制作以及影视作品技术处理的专业技能型人才；游戏动画设计专业，主要培养能够在游戏制作领域胜任原型设计、模型制作、纹理制作、动画调试等岗位的工作，并进行创作和理论研究的技能型人才，等等。这些人才的知识与技能结构与传统美术人才相比有很大的区别，他们所从事的美术活动很难以传统的美术概念来界定与归类，但往往又有着广阔的发展前景，因而也引领高师美术教育不断调整人才培养目标。
关键词：高师美术教育培养目标教师教育教学过程
近年来，高师美术教育在“艺考热”、扩招热及火爆的艺术品市场推动下，其办学模式发生了深刻变化。多数高师院校打破了单一培养教师的传统，面向市场设置应用型艺术设计专业，形成一种办学模式多元化的强劲态势。同时，在基础教育新课改和以数字化为特征的信息技术推动下，教师教育专业化、教学过程数字化两种趋势也十分明显给高师美术教育带来了新的机遇与挑战。
一、培养目标趋于多元化
(一)设计艺术成为高师美术教育新的生长点
传统上，我国美术教育大体延续着美术学院工艺美院和高师美术教育三大类型并存的格局。其中，美术学院设置国、油、版、雕、史论等传统专业，培养专业美术工作者和研究人员；工艺美院以实用设计门类划分专业，培养应用型专业设计人才；高师美术教育大体沿袭了美术学院的专业设置，以培养各级各类教师和教学研究人员为专业培养目标。但从上世纪80年代中期开始，这种格局开始发生变化。社会对纯艺术类人才需求量不断缩小，中小学美术教师在大中城市也渐趋饱和，而设计类实用型人才需求量逐年递增。至90年代，设计类专业成了中国美术教育的热点。全国各大美术院校都争相开办设计类专业，而高师美术院校也不甘落后，相继增设了“平面设计”和“环境艺术设计”等专业。以教育部属六所师范大学为例，华东师范大学设有综合绘画、美术教育和环境艺术设计三大学科，并按“综合绘画和美术教育”、“环境艺术设计”两个方向招生；东北师范大学设有美术教育、油画、水彩画、中国画、雕塑、环境艺术与服装艺术设计、装潢艺术与电脑美术设计等7个系，其中只有美术教育系为师范类专业；陕西师范大学设油画、国画、视觉传达设计、环境艺术设计等四个系，并按照美术教育、绘画、装潢设计三个专业培养人才；北京师范大学下设美术学、艺术设计两个专业，专门培养从事美术、书法、艺术设计教学、创作、研究等工作的高级人才；西南大学设有美术学、艺术设计、绘画及雕塑四个本科专业，只有美术学为师范类专业；华中师范大学设有美术学、艺术设计两个本科专业，其中艺术设计为非师范类专业；华南师范大学现有美术学、艺术设计、数字媒体艺术等三个本科专业，设有美术教育、视觉传达设计、环境艺术设计、工业设计、新媒体艺术等系，多数为近年来新兴的非师范类应用型专业。
高师美术教育培养目标的多元化不是一种孤立的现象，而是席卷全国的大学综合化总趋势的一部分。从高师美术教育的角度看，这种综合化趋势是从两个层面展开的：一是美术教育的综合化。在以往，美术学专业有师范类与非师范类之分在2005年教育部印发的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》中，“师范类”被“教师教育”所代替。这不仅仅是名称的变化，而是为培养主体多元化开辟了道路。当前，不少艺术学院都开设美术学(教师教育)专业，其在师资、科研、教学基础等方面的优势立刻显现出来，并对师范院校的美术教育形成了强劲的挑战。二是教师教育综合化。近年来，综合性大学举办教师教育已经成为一种国际趋势。1991年，在欧洲教师联合会上，由欧共体12个成员国60位专家共同提出了“教师教育大学化”的口号，认为“大学应该在教师培养和培训中扮演重要角色”。在我国，1999年第三次全国教育工作会议提出，要鼓励综合性高等学校和非师范类高等学校参与中小学教师的培养工作，在有条件的综合高等学校中试办教育学院。2003年11月，全国一百多所非师范类院校召开会议，共同《非师范院校积极参与教师教育的行动宣言》，明确指出：“中国教师教育已经进入了一个从数量满足向质量提高转变的历史新时期。实现这种转变，鼓励师范院校综合化和综合大学参与教师教育，是世界教师教育发展的共同趋势，也是我国经济社会和教育发展的客观要求。”实践证明，综合性大学办教师教育，能够充分发挥其办学经费充足、硬件设施先进、学校认同感较好等优势，他们的毕业生后劲足、适应性强，更加受到中小学校和同行的好评，这也成为高师院校实现培养目标多元化的原因之一。
(二)培养目标多元化推动人才培养模式创新
专业的多元化根源于人才需求的多样化和学科专业的综合化。但在现有的高师本科教学模式下，学科专业化和教师专业化二者间存在着不可协调的矛盾，因而促进人才培养模式创新也是大势所趋。主要途径有：一是形成“大美术”的理念。今天，美术在人们的观念中除了传统的国画、油画、版画、雕塑、水彩外，还有建筑设计、工业造型、服装设计、家具设计、环境设计、广告设计、染织设计、装潢艺术、多媒体网页设计等等，在这些专业中还可以分出多个分支，它们都是美术的范畴。二是实行按院招生制度。当前，多数高等师范院校都撤系建院，并实行按院招生制度。学生入学后不分专业，统一进行基础教学，在充分了解各专业的具体情况及就业形势之后，再由学生选择专业或专业方向。三是创新人才培养模式。在不少高师院校，已经开始试行弹性学制和灵活的人才培养模式。主要有：(1)“2+2”的小学师资、“3+1”的中学师资培养模式。小学师资前两年学习基础公共课和主修专业，后两年进行辅修专业和教育理论的学习与教学实践；中学师资前三年进行基础公共课、主修课程和综合课程的学习，最后一年学习教育理论并进行教学实践。(2)辅修及双专业、双学位模式。许多高校都允许学有余力、并对教师工作感兴趣的学生选择辅修教育类课程，修读双专业并获得双学位，为其以后取得教师资格证打基础。(3)“4+X”的教师教育模式。其中，实行“4+0”模式者，学生毕业即就业；实行“4+2”模式者，学生本科毕业后再读两年硕士学位，培养目标是重点中学的骨干美术教师；实行“4+3”教师教育模式者，采取本硕连读的办法获取硕士学位，学生毕业后可以到美术类高校担任专业课教师。
二、教师教育趋于专业化
(一)“教师专业化”已经从理论走向现实
我国传统的美术教育注重技能训练，因而培养出来的学生其职业意识更倾向于是一个画家而非美术教师。这种状况随着教师地位的提高，尤其是随着“教师专业化”理论的提出而有所改变。教师专业化理论最早是由社会学家卡尔·桑德斯(CarrSaunders，A．M．)于1933年提出来的。1986年，卡耐基公司和霍姆斯小组相继发表的《国家为21世纪准备教师》两份报告，指出公共教育质量只有当学校教育发展为一门成熟的“专业”时才能得到改善。在我国，1993年颁布的《教师法》明确提出：“教师是履行教育教学职责的专业人员。”2000年，《职业分类大典》也将教师归人“专业技术人员”。从2001年4月1日起，国家首次全面开展教师资格认定工作。这些都从法律和制度层面奠定了教师专业化发展的基础。教师专业化是针对其知识结构不合理、专业性不突出，以至于产生较大的职业可替代性提出来的，意在提高教师社会地位、职业地位和专业地位。尽管与“画家”的名头相比，美术教师的专业化程度仍比较低。但随着教师专业化程度的逐步加深，美术教育必将成为一种不可替代的职业而获得普遍的尊重。
(二)促进专业发展是高师美术教育的义务
在我国，高师美术教育从本质上看仍属于职业教育，其课体系基本上是参照美术学院绘画专业设置的，教师专业化程度很低。为此，我国高师美术教育从三个层面来提高未来教师的专业化程度。一是加强专业课教学。教育部于2005年颁布的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》明确指出，美术学(教师教育)专业培养的是“具备初步美术教育教学研究能力的合格的基础教育美术教师和社会美术教育工作者”。根据这一目标，《课程方案》从思想政治和职业道德、人文素养、专业基础、专业技能以及身心素质等方面提出了五条规格要求并从课程体系中辟出一个专门领域——“美术教育理论与实践”，其中“中小学美术教学论”与“美术教育实习”为必修课，“中国美术教育史”、“教学多媒体设计与制作”、“外国美术教育史”、“教育研究方法与论文写作”为选修课，其目的就在于体现课程的师范性。二是增强人文内涵。多年来，我国的高师美术专业一直以培养画家、雕塑家和设计师为取向，注重专业技能课训练，忽视美术史论课学习，这种知识结构已经远远不能适应新课改的要求。新颁布的《义务教育美术课程标准》明确指出：“美术课程具有人文性质。”《普通高中美术课程标准》也指出：“普通高中美术课程具有人文学科的特征。”这在美术课程观上是一个重大突破。在新课程方案中，美术欣赏课被放在突出位置。它不仅需要教师对美术实践有亲身体会，更需要教师具备全面的文化素养，因而需要在美学、美术理论、艺术概论、中外美术史乃至文学、历史、哲学等人文学科有较全面而深入的了解和掌握，还应在教育学、心理学等方面有一定的修养，成为一个具有人文精神和人文素养的人。三是要注重实践能力的提高。一般说来，教师的知识可分成两类，即“理论性知识”和“实践性知识”。其中实践性知识是教师专业发展的基础，在教师的工作中发挥着不可替代的作用。因此，高师美术《课程方案》中的实践性课程达20—22周之多，其中包括社会实践(军训、社会调查、就业指导、劳动等)、毕业创作、毕业论文答辩、艺术实践、艺术考察等，这些都有利于推动学生的专业发展。
三、教学过程趋于数字化
(一)数字化改变了人们关于美术的感知方式
一般认为，美术是一种造型艺术或视觉艺术，它运用一定的物质材料如纸、布、木板、粘土、大理石、塑料等，通过造型手段创造出具有一定空间和审美价值的视觉艺术形象。但是，随着信息技术的高度发展，人们关于美术作品的感知方式越来越技术化了。上世纪90年代后，数字化的印刷、摄影技术高度成熟，大幅广告、精美照片、时尚杂志、网络世界、数码影像等，凡是能够吸引眼球的功能都被商家广为采用，以致导致人们普遍的审美疲劳。而关于美术创作的经典手法，也被数字化时代颠覆了。以前，从设计到完成一幅作品需要花费很长时间，而且对手绘技术要求很高。现在，人们用电脑进行美术创作，摆脱了铅笔纸张、直尺圆规、颜料调色盒等绘画工具限制。即使是一个没有受过专业美术训练的人，只要使用Photshop等普通绘图软件，也可以制作出令人满意的图片来。不仅如此，数字时代还促生了以美术学为基础的创意产业，尤其是广播、电视、动漫、环境、设计、广告等新兴产业的迅速成长，对高校美术教育形成了强大的拉动。为适应这一需求，许多高师类院校都开设了基于信息技术的艺术设计专业。比较典型的有；动漫设计与制作专业，主要培养能在电影、电视等媒体的制作岗位上从事三维动画创意及制作等方面的专业技能型人才；图形图像制作专业，主要培养能在电影、电视、广告、新传媒等媒体的制作岗位上从事后期合成、电脑剪辑、特效制作以及影视作品技术处理的专业技能型人才；游戏动画设计专业，主要培养能够在游戏制作领域胜任原型设计、模型制作、纹理制作、动画调试等岗位的工作，并进行创作和理论研究的技能型人才，等等。这些人才的知识与技能结构与传统美术人才相比有很大的区别，他们所从事的美术活动很难以传统的美术概念来界定与归类，但往往又有着广阔的发展前景，因而也引领高师美术教育不断调整人才培养目标。:
导语：温文尔雅、余韵无穷，这是杨莉给人的第一感觉。或许是流淌在身体里的前清正蓝旗的贵族血液让她周身散发着一种贵族气质；或许是在艺术世界的熏陶中形成的优雅举止让她给人以如沐春风之感；又或许是她极具创新的思维模式让她的每一件作品都展现出一种脱俗之美。她的心无旁骛以及对艺术执着的追求让我们真正体会到了似乎已经远离尘世的真善、真世、真美。
一切人类文明的出现，都是世界发展史上的幸事；一切世界创造成果的消失，都是人类进步的痛断。人类科学技术史如此，人类建筑生活史如此，人类自然状态史如此--人类文化艺术史更是如此。成都漆器工艺的艺术价值，就在于寻回失去的中国曾有的文化，历史闪烁过的残形。在中国的五大漆器中，成都漆艺历史最为源远流长、博大精深、是很多工艺无法比拟的。几千年来人们用它做出了各种高档生活用品及精美的工艺品。中国历代的宫庭招募具有精湛漆艺的能工巧匠为皇宫贵族制作漆艺制品，一些流传至今皇家漆器工艺品，莫不使人叹为观止。中国精美绝伦的漆器工艺品曾多次在国际上荣获金奖，她向世界展示了中国漆艺无愧为东方艺园中的一朵璀灿的奇葩。
而这一东方艺园瑰宝的忠实传承者，杨莉女士，用自己特有的艺术感悟和执着的艺术追求，给成都漆器艺术增添了靓丽的一笔。
一眼认定，终身“至爱”
出生于书香门第的杨莉，虽然童年并不富裕但很快乐，尤其是在她很小的时候家里存放了很多奶奶生前留下的很多静物写生的集子，让小小画笔成为她幼小心灵的至爱，也根植于她对艺术感悟的心绪里。
虽然经历了残酷的时期，有着几年的上山下乡经历，但绘画的爱好始终没有放弃。机缘巧合之下，杨莉凭借着在绘画方面的天赋顺利进入成都漆器工艺厂学习漆艺装饰。来到这里，她一下子被漆器作品的绚丽所吸引，她相信这就是自己一辈子最喜欢的事情。
进入漆器厂后，杨莉的艺术人生真正开启。在那里，她先后师从陈春和、余书云、张福清等漆艺工艺大师，并得到四川美术学院教授李大树、著名漆艺专家乔十光大师的细心指点，得到恩师曾庆华、王星泉的精心授教与真传，进步很快，从设计、制胎到装饰、清抛光、制漆等所有工艺，她都烂熟于胸。
对漆器工艺的天赋让杨莉很快接到了一个重要的任务，负责主要制作入选人民大会堂四川厅的漆画《珙桐白鹇》。珙桐和白鹇是四川峨眉地区的特色，特别是珙桐有“植物活化石”之称。在制作这一环节时，杨莉选择了成都的特色银片放在最底层，撕金后，在上面做一层透明色，让表面凸起来再进行抛光打磨。制作白鹇时，根根羽毛让杨莉和师妹王红下足了功夫。为了让羽毛看上去丰富且立体，每根羽毛的撕金、打磨和抛光常常需要几天甚至几个月的时间。然而为了赶工期，杨莉和同伴手脚红肿起泡了都还要坚持。在杨莉的带领和王星泉老师的指导下，经过一年的细心制作，《珙桐白鹇》得到了专家和社会的认可。悬挂于人民大会堂四川厅，为成都漆器争得了荣誉。
在这之后，杨莉又先后到成都市工艺美术学校工艺美术专业和中国书画函授大学国画专业学习，使她技艺有了长足的进步，精通并擅长中国传统工艺中的漆器工艺，其中包括漆器、漆画的设计制作及工笔画。在长期学习实践中熟练的掌握了包括制漆、漆工制作、清抛光，特别是最具成都漆艺特色的漆艺装饰：雕刻，银片雕花填彩、拉线针刻等技艺。达到了作品构思精巧，手法细腻、技艺精湛，用刀如笔的水平。
“做事非常严格的一个人一辈子只专注一件事”杨莉就是这样的人，因为她将一辈子的时间都花在了漆器艺术上。即使是1995年漆器厂被卖掉，她选择了离开，但依然没有放弃这一行业，而是创办了自己的工作室，继续着自己的艺术人生。
传承创新，促进发展
成都漆器与北京、扬州、福州、平遥并称中国五大漆器。成都漆艺除具有中国漆艺的共性，还具有其独特的装饰方法，常用的有五十多种，杨莉表示，不管是什么方法，或者综合性的方法，都要有一个方法是最主要的。并且平常的一件漆器艺术品，前后制作工序多达70多道，简单的二三十道，因此制作周期极长，一般作品需三个月时间，创新的精品力作往往需半年甚至数年才能完成。
也正是因为漆器工艺复杂、工序繁多，漆性难以掌握，只能靠师傅带徒弟言传身教，经多年教学实践才能逐一了解和掌握。成都漆艺还拥有最有名的装饰工序“三雕一刻”――雕锡丝光晕彩，雕花填彩、雕填隐花和拉刀针刻，让成都漆艺有了独特的富贵典雅庵省
以雕嵌（填）手法制作一只花瓶为例，首先得设计胎样和装饰图稿，然后是制作木胎，经漆工反复多层上灰后再刷数层底漆、每层都须入荫房荫干再水沙纸打磨，涂完数层推光漆，这是第一步。第二步就是雕嵌，先将设计好的装饰图稿拷贝或印到胎体上，用刀雕出阴刻的画面，然后用小牛角刀将调制好的彩漆刮入阴纹，荫干后再用细砂纸研磨，让纹路与漆面齐平，这一步也可以在雕刻的阴纹中贴金银箔，再罩上多层透明漆，并研磨。第三步就是推光、揩漆荫干，再用棉花沾植物油与细瓦灰磨擦，经多次揩漆清抛光使漆器表面光泽华丽。
《红楼十二金钗图》是杨莉拉线针刻的代表作品，均以上等细木做胎，用传统雕漆三灰三磨做漆灰底，以多层黑漆，经层层精细打磨、揩漆、抛光、清光后让漆面光亮透水，再脱稿拉线，以粗、中、细三中拉刀，拉出人物线条，用针刻衣物纹饰及鬓发，背景，最后添加白漆于线内，红漆于印章内，搽净黑漆部分，再清光。此画是以线条的疏密、粗细表现图案的黑白灰色调及透视关系。全套十二件作品从创作开始到2015年完成，历经十多年。其中，《李纨教子》获2004年“中国首届民间工艺百绝群英会”金奖，与其后完成的《熙凤弄权》、《黛玉葬花》、《元春省亲》、《宝钗扑蝶》共五件作品均获得全国优秀作品创作奖。
正如杨莉所说，“漆器工艺不是能在很短的时间内就能学会的，更不可能在短时间内就能做师傅，一件好的作品至少有十年八年的沉淀。”对于为何能沉下心来去创造，她这样解释：“感觉你想去探索它的奥秘，想驾驭它，就是因为太多太多的未知在那里等着你去探索。”并且漆器的制作过程也是这样，一层一层做上来，有可能下边做的东西到上面打磨的时候就会显现一些意想不到的花纹。即使有了丰富的经验并准备打磨出想要的花纹，也不可能完全在自己的掌控之中。杨莉多年的经验告诉她，在磨到刚好的时候就不要再磨，否则很可能磨出一个废品。“这些都需要经验，需要自己的审美情趣，修养。”
多年来，杨莉已经将自己的生命融入到漆器艺术中，“就是因为太爱它，觉得这门工艺如果没有人去继承，或者是自己没有新的创作的话，没有新的发现，就会失去生命力。”这也是为何离开漆器厂后，她发明了很多新的方法，只要有新的材料，她就会去做一些新的工艺。
杨莉经常在原有的基础上，用一种方法作为主体，结合其他综合的方法，很灵活在运用到漆器作品中。她觉得那样更让人感觉漆器不是一眼就看穿的，它是有看头的东西。因为它是半透明的特质，所以杨莉会一层一层的往上边叠加她的新方法，叠加之后看上去是立体的，而表面的手感是平滑的。1995年，她经反复实践研制出开抛光漆中巧加某种制剂，使抛出的漆器光亮透水；2003年她使用“刻贴套色占位成形法”使批量变图成形的问题得到解决；2004年经多次实验她使用了“熨贴堆漆描绘法”让堆漆工艺更完善快捷、图案更准确；2011年她创新了掐丝工艺，使之适用于漆艺作品。但始终有一条，她一直坚持，就是用中国生漆不用化学漆！因为成都漆器的奇彩之色，是传统手工艺的反复打磨，远非现代机器所能代替。
中国工艺美术大师（漆艺）甘尔可老师对杨莉给予如下的评价：“您的漆器作品很有特色和艺术魅力，嵌银龙凤盘，雕漆隐红蝉瓶等作品精致高雅，让我耳目一新，设计和制作均为上品，有很多让我学习的地方，从作品中可看到您从艺40年积累的制作经验与深厚功力，技术全面，艺术表观形式多样性，刻工老到，造型典雅，作品透露出温润而迷人的韵味，令人顿生喜欢之心，对您执着而严谨的创作精神深表钦佩，衷心祝愿您再出佳作。”
言传身教，寄语未来
在杨莉的记忆中，曾经的成都漆器可谓闻名遐迩，她记得自己小时候家里就有很多漆器，并且家具全部用的都是大漆，包括奶奶的床、柜子等等，但是后来慢慢的就全部使用化学漆。而使用过化学漆后来又来做漆器的人，一般很难回去，因为二者的工艺有很多不一样，因为大漆的要求非常严格，例如遇到下雨天，空气潮湿，此时的温度和湿度能让大漆很快就干了；如果遇到干风天，作品就有可能非常难干，因为温度对大漆来说非常重要，所以他们都要借荫房来保持相应的温度和湿度。
杨莉说在他们那个年代，漆器还是靠天吃饭，不像现在可以控制温度和湿度，但是漆器是活性的，是有生命的，漆本身就有生命，就像放了很久的漆也是有它的特性和变化的，它从树上流出来并被完全封存起来的时候是乳白色的，但当它慢慢见了空气和阳光之后就会变成琥珀色，最后再慢慢干掉变成黑色，这个过程让杨莉有一种如痴如醉的感觉。
然而到了今天，虽然制作工艺条件更好了，但成都漆器市场却越来越窄，杨莉在参加“非遗”展演时发现现在很多人都不知道漆器，只有老一辈的人还有人知道，这一全靠口传手教的工艺面临失传的危机。而传承问题，直到今天都是漆艺说来话长的无奈。从原料到人心，从守旧到创新，环环相扣却难保相继。牵绊着杨莉离不开也放不下，和老伴一起出去走走看看的念想一直都在，也一直都没好好实现。
从2002年开始杨莉开始招了一个学徒，不仅包吃住还发工资，而她本身当时的退休工资也只有300多块，为了给学徒发工资，她除了带学生，还会每天抽出半天时间去酒店去打工。后来，在媒体的宣传和支持下，杨莉每隔3年左右都会开班授教，至今已带了5期学生学习成都漆器制造技艺。
过去漆器制作分工细致，而现在为让学生们就算自谋生路也能独当一面，杨莉力求将自己全套制作技艺倾囊相授给每一个徒弟，如此至少三到四年才能带出一班学生。
2004年成都日报报道了“杨莉坚持国粹”的事迹，她开始带一个班，当时有60多个人报名，她从中挑选了十多个人，一般都要求有绘画功底，有个别例外的是因为特别热爱漆器并有决心学习的。就这样，她在门卫室办了第一个漆器学习班，然而，最终学完的却只有八个人，而现在依然坚持在做的只有两三个。
2007年成都晚报发表了杨莉招关门弟子的文章，四川日报也发表过相关文章，并且相关文章上面都有杨莉作品的照片。杨莉开办了第二个漆器学习班，在这个斑上，来了许多插班生，未能完成学习内容，在其它同学结业后，她了解到好多年轻人想了解和学习漆器工艺。为了这些插班生和新学徒，杨莉于是在2010年又开办了第三个漆艺学习斑。
杨莉说，漆器最大的特点就是用作品打动人，抓住人心，这也是很多年轻人看后就热爱上漆器艺术，并坚持下去的原因。但由于漆器工艺学习中会有很多困难，例如有人一接触大漆就起痱子起疮，手会肿的像戴了拳击手套一样。
因为没有任何政府的资助，杨莉带着学生一边工作一边学习，她把自己作品送给一个老板，那个老板就把自己的房子让给他们作为教室。怀着满腔热情，他们自己装饰房间，并且将每一道工序的房间分开，以免相互影响，就这样他们自己创造条件学习漆器工艺。之所以如此执着，就是“因为我喜欢漆器，它已经成为了自己一种生活习惯，既而成为了终身的信念。”杨莉说。
当时，成都漆器工艺还面临原料难找、工具难买的困境。由于生漆从采集到施工都是异常艰苦的劳动，劳动强度大，工作十分辛苦，生漆漆膜干燥慢，固化l件苛刻，漆器的制作工艺繁琐，漆的过敏性让人望而却步，所以现在很少有人愿意干这一行。对此，杨莉叹息道，成都漆艺为四川：银，漆，绣，竹四大名旦之一，漆艺是特种工艺，其工艺繁多，工具复杂，漆性很难掌握，学徒期较长，一旦失传，将是人类文明的一大损失。
三年又三年。从最开始的寥寥一两个学徒，到后来招收的几十个徒弟，他们都需要付出更多的努力才得以坚守下来。由于成本高、周期长、受众小……中间不乏许许多多迫于生计而最终离开的人。
庆幸的是，断断续续下来她保住了屈指可数的几个得意门生：技艺最好的吴勋贵挑起了尔倩工作室负责人的担子，带有四个徒弟；而李勇、张文晨、李俊峰也已经有了工作室并收了下一代徒弟。学有所成的弟子们如吕兴珍、黄金红、吴勋贵，先后也在特殊教育学校职业高中上课。还有身为副教授的程辉、王杉山、文佳才、张亮，评为省大师的何泽兵等。其他还有业余时间坚守漆艺的杨洪、唐萍、吕成、高璐、魏娟、曾刚、刘佳、胡鸿等等，她一再感念学生们的不易，却无法每个都一一道来，也只能在与我们的讲述中这样屡屡提及。
因此，杨莉最希望自己的学生未来能够有好的前途，能够对漆器的发展有所贡献，能够超过她。同时，她还希望政府能够更加重视漆器工艺的传承和发展，实实在在的在这些方面做一些事情，更多的关心一下新一代漆器人的成长，并给他们创造更好的条件，因为漆器不是很简单的一种工艺，它需要更多的条件支持。同时，能够让大师一心一意的带徒弟，写一些他们的经验，为漆器工艺的发展奠定理论基础。
论文摘要：当代学校艺术教育的理念，在着眼于学生综合素质提高的同时，需要充分依托地域文化资源，开展民族传统文化教育，不仅能为学校美术教学、设计教学提供借鉴，为审美教育提供素材，同时在丰富课内外教学，促进学科间的融合，起着重要作用。
论文关键词：美术教育；地域文化；开发与利用
地域文化是一种典型的民族传统文化，具有浓厚的乡土气息和地域特色。它的产生和发展，不仅见证了各个地域的历史，而且还直接反映出该地域的民俗内涵和民间审美意识，成为乡土文化的重要标志。
一、在小学美术教育中运用地域文化资源的价值意义
地域文化是一门研究人类文化空间组合的人文学科，在某种意义上大同于文化地理学。所谓地域文化资源，是指师生和学校所处的某一个具体的行政区域内的自然条件、社会经济和科技人文等方面的反映群众文化心理并且带有积极教育意义的系列内容。首先，从历史学的角度来看，具有民间美术特质的地域美术，作为地域文化的一个重要形式，它是中华民族数千年来的文明结晶，从洪荒时代的石器、陶器，到现代的民间绘画、民间工艺美术，地域美术的传承与发展，始终保持着相对的传承性，它不仅具有群族文化本体根性揭示价值，而且它又再现了各个地域的族群文化的艺术价值。而从社会学的角度来看，地域美术是最具感染力的艺术形式，地域美术体现了人文学科的特征。其次，从应用的角度讲，地域美术造型变化万千，异彩纷呈。它来源于中国农村特定的社会结构和文化结构所形成的集体审美意识，也来源于民间艺术家们的独特的思维方式和造型意识。通过艺术课堂的引入与应用，不仅有利于引领和强化青年学生的民族意识，同时也可以启发学生的创造性思维，培养他们的创新能力。
而从教育的角度来看，地域美术作为地域文化的重要形式，肩负着美术教育现代化的神圣使命。近年来，在全球经济一体化和文化多元化的时代背景下，新的科技手段和信息传播方式，使各种新思想、新思潮、新理念与我国传统文化观念发生激烈的碰撞。这种碰撞所引发的负面效应，一方面表现在少年儿童对本民族的传统文化表现出的冷淡与漠视，另一方面，在当前以倡导多元文化倾向为主流的环境下，少年儿童对以娱乐性、刺激性和商业性为特征的外国大众文化和流行文化趋之若骛，而对自己民族的传统文化艺术敬而远之，甚至于视而不见。这不仅直接导致了我国悠久的文化遗产难以传承，而且也加剧了小学生对民族和国家感情的衰减。也是在这个意义上，挖掘和剖析具有中国特色的传统文化艺术遗存，以中国各地区的地域文化为依托，在小学开展民族传统文化艺术教育，富有针对性地开展以实践为主导的美术教育现代化的教学模式，切实将其拓展为可利用的文化教育资源，是当前小学开展民族传统文化艺术教育的一个亟待解决的重大课题。
二、运用地域文化资源的方法与途径
针对地域文化资源，从目前的情况来看，中国各地的文化资源还没有得到系统地分析、整合、把握与运用。在中小学教学过程中，地域文化资源在发挥其开展民族传统文化艺术教育中的资源优势还没有充分体现出来。
以中原地区的文化资源为例，从我们现行的中国美术教材中很难找到较为全面而系统的材料，如河南地域的豫剧艺术、朱仙镇的木版年画、商丘地区虞城县的“泥人李”、河南民权的画虎村、河南省虞城县的木兰文化等文化资源。这些既有传统文化资源，又体现了新时代的典型的地域文化，以美术学科为例，这种丰富而悠久的美术资源，在中国美术史上既没有应有的陈述，也没有得到应有的有效保护。中国地域美术文化的传统优势，还有待进一步深入地分析、探究、梳理与传承，中国地域美术文化的价值还需努力发扬和彰显。在当代社会普遍提倡全球化、接轨论的当下，积极探讨地域文化资源的价值，探索运用地域文化资源的方法和途径，对于构建中国族群本土美术核心的价值，将有着十分重要的意义。
（一）更新教育观念，积极整合地域文化
地域文化的最大特点，在于它以其独特的艺术魅力，在不同的地区体现着不同的风格与特征。以美术学科为例，研究地域美术，需要我们依据地域特色的不同，通过不同的美术中心区的筹建，依托分析、探讨、整合、继承和发扬等必要环节，切实构建中华美术的多地域研究体系。而在中国广袤的国土上，依靠各地的高校师资力量，整合地域文化资源，建立起各有美术特色的、具有较强地域性、专题性的美术文化中心区，不仅可以引领当地的美术文化建设，还可以积极有效地引领全国美术的良性竞争化发展。而在中小学中，通过体现着地域美术资源的相关课程的开设，将会对中小学开展民族传统文化艺术教育有着不无裨益的作用。
（二）加大科研力度，积极研究和传承地域文化
各地相关教育机构，应充分依托当地文化资源，由教育主管部门牵头，根据地域文化资源情况，组织相关专家、当地师范院校教师，配备相关经费，形成一个集行政领导、财务管理、理论研究和实践探索能力为一体的科研小组。
以专家团队为中心的科研团队，通过具有品牌效应的活动的设计与打造，将相关教师散兵游勇式的研究队伍有效集结起来，逐步形成一个集探索、研究与最终应用为一体的涵盖专家队伍、师范教师和一线教师等不同梯队层次的科研团队，切实营造人人重研究、人人重实践的良好氛围。
品牌活动的打造，不仅可以加强彼此间的互相交流，建立一种“参与式”和“互动式”的交流机制，而且还可以将相关的研究成果对相关地区的美术专业教师分阶段轮训。科研团队的学术成果，不能只保持在理论研究的层次上，而应将相关的课题研究真正化为有可操作性的实践环节上来。这需要以专题的形式，将当地的相关资源加以整合、梳理，并形成具有可操作性的文字，充分运用本地文化资源，使学术理论充分应用到具体的教学实践活动中去。在条件成熟的情况下，报请有关部门，将最新的学术成果以地域文化教材的形式，作为全国统编教材的配套教材进行有益补充。
（三）以分门别类的方式，切实建立地方艺术课程资源数据库
在以往的日常教学活动中，艺术学科的教师教学活动，大多数依靠教师个人力量来解决教学实践环节中出现的所有问题。针对这个问题，教育行政部门，在开发课例、编写乡土教材的同时，要逐步以图书、课件和媒体等多种形式，建立地方性艺术课程资源管理数据库。该数据库的建立，可以通过网络公共平台，通过一定的激励措施，针对体现着地域文化资源特点的优秀课件或是理论探索文字，将一线教师的个人成果整合在网络资源管理库中，使广大艺术教师之间，利用更大的资源空间，以更加平等、合作的方式从事科学研究与教学工作。而对于各个地域的历年有关研究课题，需要及时组织相关专家进行梳理、整合与公布，此举不仅可以促进美术资源共享，拓宽校内外课程资源及其研究成果的分享渠道，同时也可以提高地域文化资源的使用率，并有利于可持续开发和利用。
（四）通过文体活动，彰显地域文化的魅力
论文摘要： 反思当代中国设计职业教育，探讨WSR系统（即“懂物理、明事理、通人理”）方法融入设计职业教育的理念、方法、内容、模式意义以及设计教育与文化价值的关联性研究，试图寻找解决中国设计职业教育领域仍存在着认识、教学、实践问题的有效途径。在知识经济和信息时代，真正实现中国设计职业教育当代设计语境的转换。
论文关键词：中国当代设计职业教育；WSR系统方法论；设计的文化价值
一、中国设计职业教育问题及思考
设计职业教育在中国已经相当普遍，但与西方先进国家地区设计行业相比，中国设计职业教育尚未真正实现现代设计语境的转换
中国现代设计职业教育仍在沿用20世纪20年代包豪斯设计学院和20世纪50年代乌尔蒙设计学院所建立的设计理念和教育模式：倡导以人为本、功能至上、艺术与技术、艺术与科技相结合设计理念。教学模式以基础课为基础，工作室制度为辅，通过实践探讨设计各要素的可行性，除此之外，乌尔蒙学院加开了德育、理论和实证哲学、方法论等课程。两所学校皆注重学生综合素养和系统理论知识的培养，要求学生的视觉敏感性达到理性水准。包豪斯和乌尔蒙两所设计学院所提倡的设计理念和教学方法在当时固然意义重大，然而在知识经济时代和信息时代的今天，绿色生态、和谐设计理念或者对于品牌文化的追求可能更有意义。
一位设计师曾说过：“设计教育是在工厂中完成，而不是在设计学院完成。”至今，中国的设计职业教育基本是在学校中完成的。我国美术学院雕塑系本科学制一般是五年，四年学习一年实践，而设计类本科专业的学制都是四年，竟无实践时间。设计类毕业生进入社会的就业率很低，大多改行干别的，即使找到设计类工作也需要很长一段时间的实践期。德国卡塞尔大学艺术学院教授盖尔哈特·马蒂亚斯（Prof. Gerhard Mathias），对中国设计职业教育现状做了一针见血的总结：“中国的艺术和设计院系已经蜕变为一家营利企业，其产品就是一批又一批从有缺陷的教育流水线上培训出来的次品毕业生，每年达数十万人，可是这些被称之为“设计蚂蚁”的设计学生，刚出校门就已无法适应全球化经济浪潮对现代设计人员的要求，更遑论去担当设计教学之重任。”这话使人读来有些可悲，但中国设计职业教育的确如此。又如一个受过四年设计专业训练的学生和一个受过三个月设计训练的学生都能做设计，因为他们都有设计思想，一个没有受过任何设计专业训练的人也有思想，也可能会在想象中将自己的居住环境或者服装打扮设计得很到位。受过专业训练和没受过专业训练的设计有何区别？如果说没有区别，那么是否说明设计职业教育存在问题？学校教什么？如何教？谁来教？令人深思。如何突破这种状态，首先要纠正人们对现代设计的认识问题，其中包括对设计职业教育的认识。
随着数字信息时代和知识经济时代的到来，设计进入非物质阶段，设计要素逐渐脱离物质层面，超越“功能”和“形式”。设计不仅仅是对产品外形的打造，而是系统思考和深度实现人们健康的生活方式以及文化价值追求。
现代设计所要实现的，是一种转化：将人的主观意识转化为客观享受，将信息资源系统转换为设计形式转嫁给用户。在实现这种设计转化过程中，存在着种种关系：用户与设计师的关系，设计师与企业的关系，企业与社会的关系，设计师与评论家的关系，设计理念与自然环境的关系，设计理念与社会、自然环境的关系，设计理念与人们生活方式的关系，种种关系形成一个复杂关系网——现代设计关系网。在这个关系网中人与人的关系显得尤为突出，因为人是这个世界上唯一具有主观意识的主体，设计目的是人。由于道德水准、知识文化素养、审美价值观、哲学宗教信仰的不同造成设计过程中各种关系之间可能产生各种矛盾：设计师与设计管理团队之间的矛盾，设计团队与企业之间的矛盾，设计理念与市场需求的矛盾，产品价值与产品价格的矛盾，企业利润与消费者承受之间的矛盾、设计创新与技术、经费的矛盾，满足消费需求与地球资源短缺及环境的矛盾等等。当今的设计师面对这一串串复杂的事理问题和矛盾，须具有管控这些问题的意识及能力。在今天，仅凭学习形式技巧而不懂形式“生长”的综合原因，或仅熟知几个计算机设计软件是无法解决上述复杂问题和矛盾的，而20世纪90年代中国兴起的WSR系统管理方式可能是解决这些矛盾的有效方法论。
WSR是“物理(Wuli)一事理(Shili)一人理(Renli)方法论”的简称，是中国著名系统科学专家顾基发教授和朱志昌博士于1994年在英国HULL大学提出的。从字面上看，WSR系统方法论是指“懂物理、明事理、通人理”，也就是结合物理、事理、人理处理问题的方法，它是一种综合多种方法的方法论，可作为解决当下复杂问题的工具。WSR是典型中国传统哲学思辨产物，国外学者将其归为整合系统方法论一类。现代设计职业教育的目标是培养优秀设计师，创造符合中国人生活方式和审美文化品位的设计理念，并能使中国设计真正实现现代语境的转变。
二、WSR系统方法与我国设计职业教育的融合
以平面设计教育为例，进一步分析中国设计职业教育存在的一些问题。中国绝大多数美术学院的平面设计系前身是原工艺美术系装潢专业，九十年代大多更名为视觉传达设计系，后来多数改用为平面设计系，主要包括三个专业方向：平面设计、多媒体与网页设计、书籍设计。主要课程有：图形语言、字体设计、设计编排、插图、标志设计、企业形象设计、书籍设计、海报设计、包装设计、商业广告设计、网页设计、电子出版物设计、展示设计。核心课程编排为：字体与编排设计（课时三周）、印刷出版类书籍设计（课时三周）、烟酒保健品包装设计（课时三周）、房地产品牌设计与推广（课时四周）、日常用品再设计（课时四周）。精品课程编排为：设计概论（20课时）、现代设计美学（20课时）、设计市场学(20课时)、图与设计（16课时）、印刷与设计（12课时）、书籍工艺（12课时）、包装结构材料与工艺（12课时）、设计与色彩（12课时）、广告摄影（12课时）、文案与策划（12课时）、品牌设计（12课时）、品牌推广（12课时）。我们看出，课程虽多但不系统，所有课程都是与平面设计有关的概论，每门课程都是一个很大的课题，需要很长时间专门研究和实践，比如商业广告设计，一般人都会明白商业广告设计的重要性，商业广告设计包括平面广告和三维广告制作，需要平面设计的知识、需要绘画构图的训练，需要摄影技术、需要熟悉电脑操作、需要了解符号学、需要了解市场经济学、需要熟悉产品性能和企业文化背景、需要知道媒体运作基本情况，绝不是在学校里三四周课时就能解决的，消化都谈不上，更何况实践，四年时间都无法穷尽如此全面的知识，但以项目设计实践为主的学习，却可能使学生引发兴趣，学会处理设计中出现的各种具体问题，达到解决问题研究性学习目的。在这里我们不是在否定设计学院四年的教育，而是想探索培养优秀设计人员的方法——WSR系统方法。
优秀设计师并非技术全能的设计师，然而社会需要的设计师应该是个懂规矩、明事理综合素养相对较好的人，能参与设计管理团队工作并知晓项目工作整体意义。如果将WSR系统方法论应用到设计职业教育领域及课程教学，那么根据这个方法所培养的设计师便是如此。
“物理”具体到设计方面是指所设计产品的客观特性以及应用原理。“事理”是指做事的规律和规矩，是“怎样去做”的事情，“事理”中涉及到一个巨大版块就是“管理”。“人理”指做人的道理，很大程度上是对道德的约束，“人理”所要解决的是“应当怎样做”、“最好怎么做”的问题。人与人的关系最难处理，每个人的世界观、人生观、文化素养和宗教信仰皆不同，对事物认识也不同，“人理”是WSR系统方法论中最难也是最重要的方面。
培养懂物理、明事理、通人理的设计师是否能够帮助解决设计职业教育中的种种问题？
马克·第亚尼在《非物质社会:后工业世界的设计文化与技术》指出：“设计者从根本上改变了设计的着眼点，从强调产品外形的传统方式转换到强调产品与用户之间的更灵活的关系上。”信息普及化使设计主客体，也就是设计师和用户，设计与社会要求形成了一种相互牵制、相互融合的韧性关系。当今设计师和用户的相互理解成为设计过程顺利进行的关键。如同产品包装设计，只有在消费者与经包装的产品，或者更准确的说，消费者与设计师产生情感交流时才能产生意义，设计从来就是这样的，只不过，在信息普及化时代尤为如此。设计主客体形成了一种不稳定结构，如何驾驭这种不稳定结构需要设计师多方面才能，除了设计专业知识外，还包括看似风马牛不相及的哲学、心理学、文学、经济学。
现代生活方式和审美标准的改变促使现代设计模式改变。正如一位社会学家所说：“从某种意义上，每一种人类行动，只要意在改变现状，使之变得完美，这种行动就是设计性的。生产物质性人造物品的精神活动，与那种为治好一个病人而开处方的精神活动，以及与那种为公司设计一种新的销售计划，为国家设计一种福利政策的精神活动没有根本区别。从这个角度看，设计已经成为所有职业教育和训练的核心，或者说，设计已成为把职业教育和科学教育区别开来的主要标志。工程学院、建筑学院、商业学院、教育学院、法学院、医学院等，全都是以设计过程作为核心内容。”反过来看，为一件产品做设计必须涉及到方方面面，比如一个相对完善的建筑学院分科应该包括：建筑学概述、建筑物理学、建筑光学、建筑热工学、建筑声学、建筑经济学、建筑构造学、建筑设计学、室内声学、室内设计学、园林学、城市规划、土木工程、工程力学、水力学、土力学、岩体力学、滨海水文学、道路工程学、交通工程学、桥梁工程学、水利工程学、市政工程学，在中国还有必要加开风水学。如此没有单纯的设计专业，就工业设计来说，设计师为企业决定产品类型，开发潜在市场，提高企业在市场上的销售份额，所以，工业设计专业应该包括市场分析学。今天，电脑技术知识取代绘画技能虽是设计师的必修课但实属表达思想的工具。除此之外，设计专业都开设有美学、符号学、绘画、几何学、透视学、人机工学、市场分析学、法律、设计史、艺术史、电脑技术知识、工程学、心理学、民俗学等。这便是当代设计的复杂性，与之相伴，我们在培养设计师时应该注重其综合素质的培养，如果不能成为通才，也要是位“通情达理”，善于接受新知识人。汉斯格雅品牌的设计总监飞利浦·格罗厄（Philippe Grohe）在2006年米兰国际家具展接受记者采访时说：“我的角色是做一名沟通人员，汉斯哥雅与设计师合作的历史有35年，我们形成了一种对话式的团队文化。设计师很有远见，但他们并不样样都懂。他们不懂得如何做家具，不懂得如何制造水龙头和洗浴设备。所以，我们必须交流。交流的质量决定了最终的产品和结果。”飞利浦·格罗厄强调了沟通能力在设计领域的重要性，因为设计师必须熟悉公司的品牌文化、运营模式和营销策略。
培养具有综合素质的设计师在中国是件比较困难的事情，首先，我们课堂大多仍是过去的形式，根据教科书内容布置的作业常常是虚拟课题而非实际项目，学生不可能与客户见面，不了解市场、企业、消费方面的具体要求和条件，没有综合性设计目标和实际问题点。而设计过程就是解决问题过程，没有问题实际缺失了设计所需的平台和事理基础。几年下来，学生很怕遇到设计问题和麻烦，设计变成了无用的形式游戏，结果自欺欺人，何谈设计人才培养与社会需求对接。其次缺少设计实践教育应具有综合素质的老师，即使有些学校建立了设计工作室也有名无实。目前中国设计学院的老师大多毕业于绘画专业或者与绘画专业相关的工艺美术专业，或者从学校到学校的研究生，自身缺乏设计项目或案例经验，单单靠临时聘请外员又不能满足庞大的设计类学生群体需要，能够出国深造的学生多半成为别国的设计人才。当下这种情形，我们的设计职业教育确应改革师资结构与编制，将社会项目及设计管理团队引入专业教学，将与设计有关的具有各方面专业素养的实践型人才与理论学术师资合理配置到教学中，让学生真正置身于实际项目的情境中团队里，融入“物理”、“事理”、“人理”思考与研究之中，在设计师（教师）的带领及指导下“工作”，在项目实战中积累和健康成长。 设计职业教育目的是为设计团队培养心智成熟的成员，除了与设计相关的专业知识外，实践中的协作能力成为设计职业教育培育对象的基本素质。现在的设计任务都不可能为某个设计师单独完成，设计团队成为设计行业的主导力量，现代设计的复杂性构成了设计团队成员的多样性，正如中国奥美广告公司的创意总监在接受《工业设计》杂志采访时讲的：“一个成熟的设计团队不仅仅能想出好的想法，更重要的是能把想法完全实施和执行出来。在创意的执行中遇到困难司空见惯，但由于技术原因无法实现创意却是件很让人沮丧的事情。因此，在进行设计团队的组织时，必须将设计领域以外的专业人才吸纳进入团队。”通过团队合作让设计成果达到“意料之外，情理之中”的最佳状态。
设计团队成员的多样化、复杂化需要设计管理来协调统一。设计管控者不但要懂得管理，还要精通设计，更要有创新意识和跨学科经验。创意产业之父约翰·霍金斯在做客CCTV《对话》节目时概括了这种管理者所要做的事情：“管理那些能产生好点子的创意人才，然后使得这些点子能被大家认同并且产生效益。”设计管理者如同指挥家，负责调配资源，掌控进程，实现和谐完美的设计结果。将WSR系统方法纳入到现代设计职业教育中也是为了培养有管理意识的设计人才，培养“懂物理、明事理、通人理”的设计师和设计管理者，避免形成机械的管理方法和单一的设计风格，同时也使设计过程充满人情味，提高设计团队的创作激情和创作效率，从而提升设计品质。
目前，中国设计领域在人力资源方面存在许多矛盾，包括：企业很难找到既能解决设计问题又能处理各路关系的设计师；设计师和设计类毕业生很难找到理想职业从而埋怨职场；设计师缺乏沟通能力和营销意识不能满足客户需求；在职设计师对专业与社会关系认识不清，知识结构不合理、意志品格薄弱导致半路改行。设计师与企业相互对立相互埋怨，长期恶性循环，必将影响企业发展和个人身心健康。所以培养“懂物理、明事理、通人理”的设计师是中国设计职业教育的核心内容。
三、WSR系统方法基于文化基础知识教育
现代设计职业教育课程设置中普遍缺少文化基础知识，文化在设计中的价值越来越明显，企业品牌文化越来越成为市场竞争的主要动力。
罗兰·巴特说：“文本的统一性不是在于他的初衷，而是在于他的理解，必须要读者对他的理解来替代作者对他的理解”。用户对设计接受度和理解度是设计价值所在，不管中国古代家具多么不符合人体工学，然而却充分考虑了使用者的身份地位、文化品位以及精神层面的哲学宗教信仰，所以，现代中国人家中喜欢摆些明清家具来提升家庭文化品位，而再高档的符合人体工学的欧洲家具也只能是财富和审美品位的象征。考虑到用户对文化的追求，欧洲战后大机器生产时代的功能主义设计理念需要与产品文化相结合。
现代企业为了追逐利润最大化，尽量减少成本投入，包括设计成本，而设计成本中最重要的部分应该是文化投入，中国人尚未意识到文化的价值，所以造成了对文化的投入能少则少。难怪会出现人们对产品个性化、人性化、文化品质的要求与设计成本投入不成正比的现象。中国现代设计从改革开放之后才真正开始，当封闭太久的国门打开时，西方的设计理念和设计形式一浪接一浪地涌入中国，中国人无从选择，模仿抄袭是最方便的做法，或者直接购买国外廉价的设计方案和设计图样，设计在中国铺天盖地迅速发展，没有探索和消化时间导致种种问题的出现。中国的设计职业教育正是在这样背景下发展起来的，如今艺术设计专业成为最热门的专业，学习成绩欠缺的学生都来突击设计专业，高校扩招使这种突击式入学命中率很高。本来学习能力就差的学生，加上没有扎实的设计专业素养，如何在设计中体现产品的文化价值。
正如Marco Diani在《非物质社会：后工业世界的设计文化与技术》开篇伊始指出的：“以电脑为中心的生活开辟了一条新的地平线。在关于技术的本质和后果的大辩论后，设计的作用将会在以后的若干年中戏剧化地增加。随着其重要性的扩大，设计的本质也要改变。”数字信息化时代真的到来了，设计本质变了吗？以人为本的功能主义设计理念始终不可能改变，而企业和产品的文化价值成为21世纪产品竞争的主要动力。中国人对文化价值的忽视造成当今国际名牌行列几乎没有中国的席位。
设计如何体现产品和企业的文化价值是中国设计职业教育应该重视的。文化是抽象的，抽象的文化通过具象的产品设计延伸。具象产品设计中的每个符号语言都应该通过理性的设计行为成为文化的注解，而设计却属于艺术创造中所使用的符号，这些看似普通的符号负载着超出自身的意义组成了艺术品。设计符号是一种包含着某种思想的意象，需要按照一定规则来组织，并受到各方面制约，限制美学就是在设计中产生的。设计需要结合科学中的抽象和艺术中的抽象。设计师与科学家的相似之处在于二者皆关心着“抽象”和“纯形式”，因为“抽象”对设计师科学家而言是一种解决问题的方式。设计中的抽象与科学中的抽象相同却与艺术中的抽象不同，然而所有这些抽象都是对某种结构关系的认识，所以设计抽象与艺术抽象的本质区别就在于认识方法的不同，认识方法的不同主要取决于经验的不同。经验中存在的各种关系中可以提取出一些元素，这些元素可能是同类素，可能是相似素，也可能是完全不同的元素。设计就是对这些元素的重新归类组合，将这些抽象看不见的元素转化为可见的东西，这个转化的过程需要理性的指导。设计职业教育就是培养设计师理性分析问题和抽象归纳的能力，同时对符号学的学习成为必要。设计是一种系统的组织形式，需要用WSR方法系统概括设计的方方面面，包括生活内容、生活方式、生命内涵和文化价值。
我们可以在所有设计作品中发现某个特定时期大众的普遍心理状态。设计评估主要是调查市场效应，调查消费者满意度，按照WSR系统方法主要调查三个方面：（1）设计是否充分显示了产品性能，即“物理”；（2）设计是否合乎客观规律，即“事理”；（3）设计是否充分考虑到了人的生活习惯和文化审美品位，即“人理”。
设计职业教育中很大的一块内容应该为设计管理，而设计管理的根本目的是实现品牌的文化价值，设计作为创意产业是文化载体。它以企业文化理念和经营方针为依据，营造良好的设计环境，处理设计内外关系、制定设计计划，确立设计目标，使设计更好地为企业的战略目标服务。在中国，仅有几所管理类学院开设了设计管理专业，美术学院的设计专业里却没有设立这门学科，2003年山东艺术学院成立设计管理专业，最近几年，上海交通大学工业产品与交通工具设计工作室已经对设计管理做了详细研究，并对设计管理的主要内容、理论体系构架、基本特征、设计管理与企业经营的关系、设计项目管理、设计团队管理、设计沟通、设计管理案例等方面做出了详细论述，为中国设计管理迈出了重要一步。当然这些总结和论述还不完善，比如仅把设计管理归结为高技术条件下的CAID和集成化管理系统有些偏失，设计管理范畴远超过这些。它不仅涉及到企业生产技术与生产管理问题，也与企业文化、产品价值、市场规律、人们生活习俗等紧密相关。设计管理对于企业来说应该作为一种持久经营的文化战略。
四、总结
我认为当下，中国设计职业教育领域存在着三大误区：认识误区、教学误区、实践误区，是目前WSR系统方法融入设计教育关键点、困难点和机会点。
