发布时间：2023-03-17 18:04:04
序言：写作是分享个人见解和探索未知领域的桥梁，我们为您精选了8篇的工艺美术史论文样本，期待这些样本能够为您提供丰富的参考和启发，请尽情阅读。
审美意识作为人类一种历史发展的产物，它有历史继承性的一面，人类生活具有某些共同的生理、心理基础和审美需要，不同民族之间是既有差异存在着互相影响、互相渗透的因素，而在人的艺术思维中还存在一种直观的相似性，它决定了艺术形式的审美相似律，这种相似律的心理基础即审美的集体表象，因此人类的审美活动在广义上是具有共通性的。在动漫艺术的创作过程中，创作主体的内心体验在外化为艺术世界的时候必须要遵循人类情感活动和审美意识中某些既定的基本规律。在动漫创作时遵循的审美共识应该说是一种相对性、沟通性的共识，是一种跨文化、开放性、变化着的审美表达方式。在动漫的创作过程中创作者应首先关注的问题是:创作出来的视觉形象人们是否会喜爱?是否符合人类的情感需求?是否能满足大众的审美共识?要做到这几点，就需要创作者平时丰厚的积累与储备，通过细致入微的观察、深刻的生命体验、特殊的敏锐性和洞察力，感受人们相同或不同的喜好，以及不同文化背景的人们共同追求的情感、理想等，并能不断进行总结和归纳，这样才能准确地对动画形象定位和选择，使其具有真实感和吸引力，打破国家和民族界限得到全世界人民的喜爱。动画片《功夫熊猫》虽然是一部美国动画电影，但它是以世界人民都熟知并热爱的中国功夫以及中国国宝“熊猫”为主题进行的创作。该片以中国古代社会为背景，讲述了一只笨拙的熊猫立志并通过自己的勤奋努力成为了武林高手的故事。影片的主角———阿宝，是以人们熟悉知晓并深入人心的中国国宝“熊猫”为创作原型，其动漫角色塑造得十分可爱、善良、憨厚，深得广大观众的喜爱，胖而笨拙的身体，不够灵活的身姿，有些胆小、有些怯懦但有颗勇敢追随梦想的心。片中另一个重要的角色———反面人物“雪豹大龙”，它有贪婪的野心、黑暗的本性，为了让这一动画形象满足观众心目中对反面人物的整体印象，在角色塑造上特意加进了许多日常反面人物惯常的形象特征，如倒立的八字眉、凶恶的眼神、邪恶的心灵等等，使这一动画形象十分阴险狡诈又诡计多端，与现实生活中人们对反面人物形象认识的基本特征相吻合，与熊猫阿宝这种被国际公认的可爱形象形成了强烈的对比，使得大众的审美情感有所依托，得到释放，进而对片中的动画角色认同并产生喜爱。该片为美国梦工厂动画出品，对于该片的思想内涵和审美意境，正如导演JohnStevenson强调的:“他们的艺术创作是想带出‘每个人都可以成为自己的英雄’的正面信息，希望透过熊猫阿宝鼓励大家，只要努力坚持梦想，一定会成功。”这种积极向上、乐观拼搏的精神应该是在全世界范围内都能得到人们认同和赞许的。同时，电影亦透过阿宝与师父的师徒关系传达出中国传统文化中“尊师重道”的优良传统。又如中国20世纪60年代经典动画片《大闹天宫》，改编自神话故事《西游记》，吸取了中国传统绘画、戏曲表演等艺术特点，以民乐伴奏，采用京剧锣鼓打击乐增强效果，具有鲜明的民族风格。片中刻画出孙悟空不畏强权、反抗压迫的叛逆性格，机智勇敢、聪明活泼的个性特征，代表了中华民族坚强不屈的斗争精神，将民族风格中追求自由独立的精髓体现得淋漓尽致。同时也塑造了各具特色的反面人物:貌似端庄却心藏杀机的玉皇大帝，口蜜腹剑的太白金星，骄傲自大的巨灵神等等。通过这些性格鲜明的正、反面人物形象相互映衬，使得具有反抗精神又可爱可亲的孙悟空形象赢得了广大观众的喜爱。还有由林文肖导演的国产动画片《雪孩子》，片中所展现的美好纯洁的快乐，细腻真挚的感情，以及雪孩子牺牲自己救助他人的高尚情操，在告诫观众做人的基本道理之外，更体现了中华民族乃至全人类最美好的道德品质。从这些具有审美价值的动画片中我们可看出，在动漫艺术创作中遵循一些人类的审美共识、符合既定的被大众所认可的方式方法是创作动漫艺术作品最好的途径，而不能背离现实生活的一些传统审美意识去进行创作。
二利用审美差异进行动漫创作以突出民族特色
在现代动漫创作中遵循人类所共有的审美相似律的创作方式和原则是必要的，但我们也应该鼓励创作者艺术形式的独特性和艺术语言的多样性，因为人既是社会整体的一份子又是一个个体的生命存在。在审美活动中，审美感受既受审美主体个性差异的影响，又受审美主体所处时代、民族、阶级等社会条件的制约。所以，审美差异不仅有个性差异，还具有时代的、民族的、阶级的特性，一个国家、民族受到相同文化的影响，必然在审美活动中表现出某些共同因素，而这些因素对于其他民族来说，就构成了鲜明的民族特色。许多优秀的动画家都会将本民族独具特色的审美文化和特征融入到自己的动漫作品中，以构成自己作品的独特价值，如日本著名的动漫大师宫崎骏等。当然我们也不能一味地追求突出个性，因为民族与民族之间也是既有差异也存在着互相影响、互相渗透的因素，还是必须站在共识性的审美角度并结合具有自身情感特征的构思，使动漫作品既不陷入俗世既定的框架，又能实现人人心中预想的最美境界;既能遵循人类所相似的审美共识，又要在此基础上寻找到不同的组合、新的排列。对于中国动漫创作者而言，怎样才能创作出具有中国特色的动漫作品?这应该是当代中国动漫界正在深入思考和探讨的问题。在这里我们不得不老生重谈中国早期的动画作品，其中有许多经典是都值得我们今天再去认真推敲和研究的，如中国的水墨动画片《小蝌蚪找妈妈》、《牧笛》、《山水情》，剪纸动画片《猪八戒吃西瓜》、《火童》、《金色的海螺》，皮影动画片《张飞审瓜》、《东郭先生和狼》，木偶动画片《孔雀公主》、《阿凡提的故事》、《崂山道士》等等，这些将中国传统艺术巧妙融入的动画片，以鲜明的个性和民族特色获得了世界的赞誉。其中水墨山水动画片《山水情》可以说是中国式动画的典范之作，其将中国传统山水画引入动画创作中，使平面的水墨形象“动”了起来，而整部作品更是充满了中国式的隐喻，将中国诗画般的意境融入到动画片中，充满了中国传统的古典美学意蕴特征。与一般的动画片不同，该水墨动画没有轮廓线，利用水和墨在画面中自然渲染开来，一个个不同的场景就是一幅幅优美的水墨画，没有对白，却有丰富的叶笛声、琴声、水声、风声、动物声来配衬各种场景。该片将中国道家思想的精髓———道法“自然”和禅宗“明心见性”的灵感综合融入，体现了中国传统山水画虚实相生的美学意境，将师徒情、山水情、自然情以最中国的艺术方式表现出来，其诗一样的气质、幽远清淡的画面达到了中国美学追求的最高境界———天人合一。这部动画片将中国绘画的水墨技巧发挥到了极至，其画面之精美与故事内含的哲理无不使人折服，向全世界展现了中国特色的美，以至于如今人们仍津津乐道，以此为骄傲。而由上海美术电影制片厂制作完成的动画片《天书奇谭》，影片的叙事结构秉承了中国文学和戏剧的叙事传统，在人物造型、场景设计等方面充分运用许多民族的东西，中国味十足的美术设计在这部动画片里达到了顶峰，充分借鉴了中国工笔重彩画、敦煌壁画、戏曲脸谱、戏曲舞台服饰、民间年画等多种传统艺术特色，无论是浓墨重彩或是轻描淡写都与影片的风格配合得天衣无缝，内容和形式别具特色，是一部集艺术性和观赏性于一体的动画佳作。当然今天的动漫创作不能完全重复和默写这些路径，但在进行动漫创作时将中国特色的气韵生动、写意韵致作为作品的美学追求和审美境界，从中国传统文化中吸取精华养分，再经过审美艺术的创作与处理，构思创作出不同于他国的、新颖的动画形象和动人的故事情节，创造出具有中国特色的动漫艺术作品，应该是今天中国动漫创作者们需要去不断尝试和探索的。
三、结语
【关键词】培养；定位；模式；就业；转变观念
一、工艺美术专业在中等职业学校中的现状
在职业教育发展过程中，许多职校积极根据市场需求、区域特色和就业途径，相继开办了服装、财会、市场营销、电子、机电、数控等专业。工艺美术专业也在这股发展浪潮中脱颖而出，并且为社会培养了大量地具有一定应用与操作能力的职业人才，为社会需求提供了保障。但是当前不容乐观的是，许多职校工艺美术专业在人才培养和就业的关系上出现了严重的脱节。许多经过培养的专业人才没有找到合适的就业单位，招生人数也在逐年减少，有的中职学校由于学生就业难，索性把工艺美术专业改成了高考升学班，背离了职业教育所倡导的“以市场为需求，以就业为向导”的办学宗旨。以我校为例，工艺美术专业在校人数由2007 年的200 多人缩小到2010 年50 多人，工艺美术专业的生源人数在逐渐地减少，是什么原因呢？通过调查发现，许多职校在该专业的人才培养与就业方面存在着许多不和谐的问题。有的学校不能安置学生对口就业，有的学校在课程设置上不注重技能的培养，学生所学知识不适宜就业岗位的需求，有的学校学生对就业岗位满意率较低，所有这些问题制约了中职工艺美术专业的发展。根据当前的现状，工艺美术专业在人才培养与就业问题上要转变思想观念，重新进行教育目标的定位，积极改革教学内容，拓宽就业渠道，使工艺美术专业在职业教育发展过程中站得稳、立得牢，健康发展。
在中职工艺美术专业传统的培养模式中，班级上课制、师徒制一直是历年来沿袭不变的教学模式。有的学校教学资源匮乏，实验实训设施跟不上时代的发展与课程的要求，课程设置单一或繁杂，教学内容陈旧，导致了人才培养的发展与实用空间，有的中职学校甚至在既无师资又无实训设施的条件下，盲目开设此类专业，致使该专业在办学过程中向其他专业分流，造成了不良的影响。
二、优化培养模式的几种做法
1、优化课程设置
关于课程设置，我们可以借鉴国外职业教育的成功经验，并结合自己的实际情况来进行。目前，国外最典型的课程设置有德国模式和加拿大cbe 课程设置模式。其中德国模式较为突出，它的课程设置是以职业活动的行为过程为导向，将基础知识（美术基础类）、专业知识（美术设计类）合理的组成一个技术知识体系，普通理论（美术理论）教学内容较为浅显，不过多地强调高深的理论知识，做到浅而实在，学以致用，同时注重学生的专业实践，提高了学生掌握工艺美术技能的熟练程度，便于其迅速就业。
2、改革教学内容
工艺美术专业的教学内容要以培养技能为根本，充分体现培养目标，按照理论教学与实践教学并重、相互渗透的原则，适当增加实训比例，改革一些俗套、老化、不适应就业发展的教学内容，应积极适用反映新知识、新技术和新方法的课程与教材，积极研究和利用现代化的教学手段、现代电脑技术及校内外课程资源等，更好地促进教学。
3、三强化实践训练
在工艺美术专业教学过程中，语言的讲授是让学生掌握美术方面的理论知识，示范与观摩是让学生对绘画、工艺的表现方法有直观的了解，但实践训练才是技能获得的主要途径。
4、增强创新能力
对于工艺美术专业人才的培养，我们不仅要关注学生造型能力的培养，还要关注学生创新能力的培养。例如让学生根据一面极其破旧墙壁上斑驳的印迹，找出可视的动物形象；让学生为我校设计学校标志；让学生运用废旧材料进行旧物改造等等。这些训练活动都能增强学生的创新能力，要积极鼓励学生进行创新，具有创新精神的学生能很快适应就业岗位，而且具有很强的发展潜力。
5、参加企业实践
参加企业实践活动是工艺美术专业学生提高技能的重要途径，能让学生在企业中接受职业教育。在教学过程中贯穿企业实践，既可以提高学生的感受能力和认知能力，而且能够培养学生在企业中的适应能力。学生在实践中学习，在学习中不断实践，并能在企业实践中找准自己的就业方向。
6、建设实习基地
论文内容摘要:在高校艺术设计专业教育中，培养学生的创新精神和实践能力同等重要。创新精神的培养，离不开对知识的广泛接纳和吸收，离不开创造性思维的训练。艺术设计理论教育是培养创新精神的重要途径，在当今大多重技能、轻理论的情况下，加强对艺术设计理论教育的投入，是一项艰巨而又意义深远的工程。
我国1998年8月通过的《中华人民共和国高等教育法》第五条明确规定:“高等教育的任务是培养有创新精神和实践能力的高级专门人才，发展科学技术文化，促进社会主义现代化建设。”因而，当前高校艺术设计教育的任务就是培养有创新精神和实践能力的高级设计人才。“形而上者谓之道，形而下者谓之器”，其中“道”是无形的、本源的物质本身所遵照的运动规律;“器”是有形的、现象的技能、技法等。创新精神和实践能力的关系犹如“道”和“器”，创新精神是实践能力的根本、源泉。创新精神从何而来?它来自于艺术设计理论教育的培养。
一、艺术设计理论教育的任务
1.艺术设计理论概述
艺术设计理论是一门对艺术设计的基础知识、基本问题和基本原理做专门综合探讨的知识体系，主要包含艺术设计史的研究、艺术设计基础理论的研究、设计批评、艺术设计实践理论的研究等内容。艺术设计史的研究包括:通史通论——中外设计史、中外美术史等，专史专论——中外广告史、中外服装史、中外陶瓷史、平面设计史、工业设计史等。艺术设计基础理论的研究包括:设计概论、艺术概论、设计心理学、设计方法学、设计文化学、设计美学、艺术美学、艺术心理学、设计艺术原理等。设计批评是对与设计相关的对象的评价和判断。艺术设计实践理论是针对每一门具体设计专业的专业理论，这种理论不是简单的对技法和工艺的概述，而是对技法和工艺一般规律的总结，是对技法和工艺本质及外延的研究。艺术设计理论是一个综合性的、交叉边缘学科，其知识体系涵盖了哲学、美学、艺术学、心理学、社会学、市场营销学、管理学、生态学、仿生学、人体工学、自然科学等诸多领域;因而，艺术设计理论课程的开设，是拓宽学生知识视野、提高学生综合素质、培养学生创新精神、指导学生设计实践的重要途径。
2.艺术设计理论教育的任务
①艺术设计理论教育是培养科学精神和人文精神的重要途径
李砚祖先生认为艺术设计是“人类为生存而进行的造物活动，是人为实现实用功能价值和审美价值的物化劳动形态。这种造物具有一定的审美属性和精神价值，因而是一种艺术质的造物”。①诸葛凯先生也认为艺术设计的本质是“按照美的规律为人造物的艺术”。②从以上的观点中可以分析出艺术设计的两大要素:“造物”体现的科学精神，造物之“美”蕴含的人文精神。科学精神是人们在长期的科学实践活动中形成的共同信念、价值标准和行为规范的总称，是体现在科学知识中的思想或理念;艺术设计实用功能性决定了它必须要遵循一定的科学原理进行造物，因而科学精神是艺术设计的内涵之一。人文精神是一种普遍的人类自我关怀，表现为对人的价值的维护、追求，对人类遗留下来的各种精神文化现象的珍视。艺术设计具有审美属性和精神价值，体现了其对人文精神的追求和重视。若使科学精神和人文精神很好地融入到艺术设计中、渗透到设计人员的设计理念中，需要合理解决科技发展与文化心理之间的矛盾，需要学习生态学、仿生学、人体工学、自然科学等方面的知识，需要研究历史、哲学、美学、艺术学、社会学、心理学、民族民俗学等相关内容。艺术设计理论知识体系涵盖了自然科学知识和人文知识的方方面面，因而，艺术设计理论教育是树立、培养科学精神和人文精神的重要途径，是使艺术设计真正实现“以人为本”的重要渠道。
②艺术设计理论教育是培养创造性思维的基础
当今时代，一方面人们对艺术设计的物质需要和精神需要越来越多样，另一方面，艺术设计已呈多元化发展趋势，多种风格与流派并存。在这样的时代背景下，若想设计出既符合大众需要又与众不同的艺术作品，需要的是创新精神。创新需要以丰富的知识为基础，艺术设计理论包含艺术设计史知识、艺术设计基础理论知识、设计批评、艺术设计实践理论知识等内容——知识体系庞大而丰富，所以艺术设计理论教育是扩大学生知识面、提高学生理论修养的根本途径。
艺术设计教育不是培养技术工人，而是培养具有理论修养，具备发现问题、分析问题、解决问题的全面发展的人才。所以艺术设计教育不应只传授技法、技能，同时也应传授“道”(即技法之外的艺术设计创新的本质、内涵)，重在授之以“渔”而非“鱼”。 艺术设计理论揭示艺术设计的客观运行规律、总结艺术设计现象背后的本质，因而，艺术设计理论教育是培养创造性思维能力、指导设计实践的基础。
二、艺术设计理论教育的现状
1.对待艺术设计理论不够重视
高校艺术设计专业的学生，甚至是一部分老师，都没有充分认识到艺术设计理论知识的重要性，认为理论可有可无。这与有些人的浮躁、急功近利思想分不开。在艺术设计专业教学活动中，学生更偏爱能够迅速带来设计成果的设计实践课，而艺术设计理论课相对枯燥乏味，不能立即物化出设计成果，较少受到学生的喜欢、重视。事实上，没有艺术理论知识做支撑的艺术设计作品，不过是没有灵魂的视觉元素的简单组合。艺术设计教育，不是仅仅教会学生能创作成果，重要的是教会学生掌握创作成果的方式、方法、规律和内涵等本质性的东西。艺术设计实践课程是教学的显性课程，教给学生的是“形而下”的“器”;艺术设计理论课程培养的是设计师的气质、创造意识和设计的综合素质，教给学生的是“形而上”的“道”，所以应加强学生的理论意识。同时，教师的艺术设计理论意识也有待提高。教师在进行艺术设计实践课程的教学时，可用相关理论知识来指导教学思想和教学方法、充实教学内容，授技的同时，也要传“道”，通过言传身教，培养学生对艺术设计理论知识的重视。
2.艺术设计理论课程设置不大科学
目前高校的艺术设计理论课程体系不够完善，理论课程开设参差不齐，有的高校只开设了设计史、设计概论和中国工艺美术史。科学的艺术设计理论课程体系应该包括:基础理论课，如设计概论、设计心理学、设计美学、设计方法学等;艺术设计史论课，包括通史通论(如中外设计史)和专史专论(如工业设计史、平面设计史);相关的设计批评课程和艺术设计实践理论课程等。
3.授课方法单调
传统的艺术设计理论课一般都是教师讲解，学生听，教学效果较差。现在多媒体引入教学，但是教学方式依然是灌输式的，多媒体成了第二黑板。这一方面是因为教师没有充分利用多媒体的声、光、色的优势，另一方面也因为理论课往往是以合班形式的大班上课，听课人数众多，限制了互动式、灵活式教学手段的实施。另外，多媒体教学依然局限于狭小的教室空间，学生缺乏消化理论知识的身临其境的客观环境条件。
三、艺术设计理论教育的改革措施
1.加强教师队伍的建设
艺术设计理论是一个庞大的知识体系，涉及到方方面面的内容，因此艺术设计理论教育对教师综合素养的要求就相当高。不仅仅是艺术设计理论课教师要具备丰富的理论知识，而且艺术设计实践课老师也同样要具备。由于艺术设计理论教育必须紧密联系设计实践，所以对教师的要求就是双重的:既要懂设计理论知识，又要会从事设计实践活动。专职的艺术设计理论课教师，在专心研究、教授理论知识的同时，也要了解相关的艺术设计实践知识，这样才能更好地深入到艺术设计理论研究的本质问题，避免纸上谈兵的尴尬。专职的艺术设计实践课老师，在掌握和教授设计技能、技法的同时，也要掌握大量的理论知识，不仅仅包括设计实践课的专业理论，也包括基础理论、艺术设计史论及设计批评等。教师队伍是培养人才的核心，只有教师的全面发展，才可能培养出全面发展的人才，所以提高教师素质、建设教师队伍是教育的大计。 转贴于 2.教学方法和内容的改革
艺术设计理论课在教与学的过程中都带有较强的主观性，所以理论课教学在形式上要更为开放与自由，使学生由以前被动的听课变为主动的参与课堂。教学不应只局限于教室范围，可以在适当的时间安排学生到博物馆参观学习，针对现成作品进行理论讲解和分析;也可以针对某一艺术设计理论观点，进行课堂辩论或讨论。教师在授课过程中，不要为理论而理论，艺术设计理论知识要和艺术设计实践紧密结合，要提炼出设计观、美学思想及其对现代设计实践的影响与实用价值，使学生在学习过程中真正体会到理论课程的实用性和指导性。
3.考核方式的改革
艺术设计理论课程最终的考核方式一般是写论文或闭卷笔试。写论文并不能检验学生真正的学习效果，因为历年来的学生论文抄袭现象较严重，很多学生的论文都没有实质性内容;试卷考核方式考查的只是学生的死记硬背能力。所以艺术设计理论课的考核方式需要改革，可以以论文加设计作品或试题加设计作品的方式来考核。论文加设计作品，是在写论文的同时，要学生根据所写论文的论点，设计出能反映论点思想或与论点思想相关的作品，并把作品附在论文后面;试题加设计作品，就是把传统的题型变化一下，把纯文字型的试题，改为根据已知理论来设计相应作品的画图题或者是分析图片作品的分析题。这样，才能真正考核出学生理解、分析、应用理论知识的能力，使学生在运用理论知识的过程中真正体会到艺术设计理论知识的价值。
结语
艺术设计人才的培养关键在于综合素质的培养，而综合素质中很大一块是艺术设计理论修养。设计师不可能都是设计理论家，但只要是在专业设计上有一定成就的设计师，就一定是具备相当理论素养的人。艺术设计理论教育是培养具有创新精神、全面发展的高级专门人才的关键因素，所以我们应抛弃重技能、轻理论的思想，应加强对艺术设计理论教育的重视和投入。
注释:
①李砚祖.工艺美术概论[M].中国轻工业出版社，1999:13.
②诸葛铠.图案设计原理[M].江苏美术出版社，1998:65.
参考文献
[1]曾小红.高等学校艺术设计理论教育初探[J].湘潭师范学院学报(社会科学版)，2006(4).
[2]朱和平，王美艳.谈艺术设计专业理论课程体系的构建[J].当代教育论坛，2007(2).
美术学是人文科学的组成部分,是一门研究美术现象及其规律的科学,美术历史的演变过程、美术理论及美术批评均是它的主要内容。美术学要研究美术家、美术创作、美术鉴赏、美术活动等美术现象,同时也要研究美术思潮、造型美学、美术史学等。此外,美术学还要研究本身的历史 即美术学史,就像哲学要研究哲学史一样 。美术学既可以运用自己特有的方法进行研究,也可以借鉴哲学、美学、心理学、社会学、文艺学的方法进行研究,因此对美术学的研究还可以同其他学科的研究结合起来,形成美术学研究的边缘地带或者形成新的交叉学科,例如美术社会学、美术心理学、美术市场学、美术信息学、美术管理学等等。这里,“美术”二字的涵义有时会扩大到书法及摄影等造型艺术领域。通过这一界定,美术学的基本研究对象包括美术史、美术批评与美术理论,构成了对“美术”这一现象的研究,这在我国已经形成美术学的基本框架。
然而遍览欧美各地大学的学科设置,却并不存在一个所谓的“美术学”的概念。至今还没有与“美术学”对应的英文词汇。欧美的美术史研究,且以德国为例分析,强调美术史本身的社会文化意义的派别影响最大。特别是潘诺夫斯基图像学的研究方法成为美术史研究的主流,美术史巨子贡布里希更将图像学的观点进一步推延到人文学科的其他领域等等。在此意义上,美术史实际上是借美术的外壳,承载社会文化的历史内容与含义。设在综合性大学里面的美术史学科,大都拥有独立的系别。如美国哈佛大学,哥伦比亚大学,英国的剑桥大学,牛津大学这些知名大学均有美术史研究的专业。另外也有将考古与美术史并置的,如伦敦大学亚非学院就有名为“考古与中国艺术史”。美术理论,美术批评学科,常设在综合性大学的哲学系美学专业。当然,也有一批艺术院校有美术理论专业。
总之,国外还没有一个可以能够包含史、论、评含义的美术学概念。同时,也似乎不存在一个学科管理意义上的美术学。在中国古代美术文献中,常常把画评、画史、画论结合在一起进行探讨。例如南齐谢赫的着名批评着作《古画品录》便是这种体例。谢赫在这部着作开头,就对画品即绘画评论做出概括,“夫画品者,盖众画之优劣也”,接着对绘画的功能和作用发表见解:“图绘者,莫不明劝戒,着升沉,千载寂寥,披图可览。”这段话便是他的美术观念和绘画理论的表述。谢赫提出的绘画六法,即品评绘画的六条标准:气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写。这六条标准成为此后绘画批评中的根本原则,也成为我国古代美学理论的重要内容。由此可以看出批评理论和美术作品研究也可以进入史的范畴,中国古代画论常将史和批评融汇其中。
美术批评与美术史、美术理论是三个既有联系又有区别的学科,它们却构成美术学的基本内容。美术批评学可以作为美术学的一个重要的分支加以研究,当然在批评学领域,美术批评学也可以作为批评学的一个分支,与文学批评学、音乐批评学等并列。美术批评运用一定的批评方法与原则,对美术作品的形式、语言、题材、内容、思想和风格进行品析、评判,揭示其价值,分析其优劣,或者对美术现象,美术思潮、美术流派、美术活动进行分析评价,揭示其内在规律和发展趋势,这种活动就是美术批评或者叫美术评论。美术评论和当前的创作实践活动联系比较紧密,批评家要参与美术活动,及时了解创作动向,推动创作活动的发展,美术批评家有时还可参与策划美术展览,组织创作研讨等活动,因此美术批评也是一项操作性、现实性比较强的活动。而美术批评学则是从理论上总结批评规律,提出批评观念、批评标准和方法,或者总结历史上的批评成果,建立起理论形态的批评学科。
美术史是由美术史家和历史学家或考古学家对历史发展过程中的美术作品、美术文献、美术遗迹进行发掘、研究、探讨,客观地揭示美术发展的历史过程和基本规律的科学。中国第一部比较系统的美术史着作是唐代美术史家张彦远的《历代名画记》,它开创了撰述中国美术史先河。西方美术史学科的建立可以追溯到16世纪意大利画家瓦萨里写作的《大艺术家传》。这部书记录意大利文艺复兴时期的杰出画家和雕家的生平、活动和创作,为后人研究文艺复兴美术家提供了丰富的资料,该书首次出版于1550年。西方艺术史学科的真正建立应以18世纪德国艺术史家温克尔曼出版《古代艺术史》作为标志。这样,中国的《历代名画记》早于瓦萨里约700年,早于温克尔曼约900年。所以,中国美术史的学科建立实际上始于盛唐。美术理论是对美术问题的理论探讨,通过对绘画、雕塑、建筑、工艺美术及设计艺术作品也可以包括书法及摄影的功能与作用、基本特征、形式、结构、语言、风格及其中的审美规律和思想活动,揭示美术的普遍特点与规律。美术理论在狭义上主要是指美术基本原理,在广义上则可以包括美术美学、美术哲学、美术心理学、美术社会学等内容,从某种意义上讲美术批评理论也是美术理论的组成部分,但鉴于美术批评理论和美术评论活动相对的独立性,因此美术批评和美术理论常常分成两个相对独立的学科进行探讨。
在对美术史的研究中,最重要的当然是客观地揭示作品的创作年代、材料、作品的题材内容等,但当美术史家对其内容和形式进行探索时,也必然要与用一定的批评方法和艺术观念及价值标准对作品做出评判,而在这一过程中,批评或明或暗地在起作用。固此美术史不可能完全离开美术批评。美术批评还是联系美学、美术理论与美术史、美术作品的桥梁。由此看来,美术批评与美术史、美术理论是紧密联系、相互促进的,三者成为美术学的基本内容。
[关键词]人文素质 艺术设计 素质教育
1 前言
艺术设计类专业能使大学生树立正确的审美观和艺术观,陶冶大学生的高尚情操,培养大学生健康向上的情感和良好的道德风尚,引导大学生对美的追求,提高大学生对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力,增强他们的爱国主义精神和民族自豪感,开阔他们的视野,促使他们塑造完美的人格。艺术家或设计师对社会生活的认识越深,思想越进步,道德情操越高尚,所创作的艺术品或设计作品就越能给人们深刻的教育和积极的影响。这说明好的艺术作品,具有感召人的精神力量。艺术必须求真、求善、求美。真善美在好的艺术品里可以得到集中体现。我们在欣赏一幅绘画、一幅书法、一幅设计作品的时候。除了感受作品的艺术美之外,无形之中会受到作者思想感情、道德情操的感染。作为情感教育的艺术教育是道德情感的基础,也是强化道德教育的有力手段。
2 艺术设计类专业有助于工科院校人文素质教育
艺术设计类专业是工科院校人文素质教育不可或缺的组成部分,它对提高工科学生人文素质具有重要的促进作用,主要表现在三个方面:(1)形成工科院校丰富的人文氛围,培育工科院校良好的人文环境。艺术设计类专业通过举办各种作品展览、开展各种艺术活动、举行艺术讲座等形式,可以让更多的工科学生参与到艺术设计中来,在校园内形成浓郁的人文环境,加强对工科学生的人文素质教育。(2)提高工科学生的艺术修养,完善工科院校人文知识体系。人文知识是人类关于人文领域(主要是精神生活领域)的基本知识,如历史知识、文学知识、政治知识、哲学知识、宗教知识,也涵盖了艺术知识。通过开设艺术设计类的公选课,既提高学生艺术鉴赏能力和艺术修养,又普及了艺术类知识,进而完善了工科学生的人文知识体系。(3)有利于其它人文素质教育的展开,便于学生理解其它人文素质公选课的内容。艺术源于生活、再现生活、高于生活,艺术不仅反映现实生活的表象,而且反映现实生活的精神和本质,揭示生活本身的规律。艺术家对社会生活的认识越深,思想越进步,道德情操越高尚,所创作的艺术作品就越能给人们深刻的教育和积极的影响。好的艺术作品,具有感召人的精神力量。一些有代表性的艺术作品不仅是艺术家个人人格的折射,更集中地反映了一个国家、民族、时代的精神风貌和文化水平。选修艺术设计类公选课,通过艺术设计作品可以更直观、更形象地理解其它人文素质公选课的内容。
3 如何构建艺术设计类公选课来促进人文素质教育
为了发挥艺术设计类专业促进人文素质教育的作用,通常可以采取开设艺术设计类公选课、举行艺术性讲座、开展艺术性的校园活动、举办艺术类展览及设置第二专业等形式,其中艺术设计类公选课是最主要、最常规、最有效的方法。
公选课是面向全校学生开设的公共选修课程,它已成为高校课程体系的重要组成部分,具有跨专业、跨年级、跨学科的特点。公选课的开设为学生提供了接触学习其它专业或学科的计划,它不但可以扩大学生的知识面,拓宽学生的视野,完善学生的知识结构,还可以培养学生的创新思维,增强学生的适应能力,提高学生的综合素质和修养,促进学生的全面发展。由此可知,公选课是高校进行人文素质教育的重要平台。因此,要充分发挥艺术设计类专业人文素质教育的功能,首先应开设全校性的公选课,构建艺术设计类公选课课程群,并纳入到全校公选课体系中,以提升工科院校学生的艺术修养和审美能力。根据人文素质教育要求,结合艺术设计类专业的特点,笔者认为可开设以下几种类型的公选课:一是知识普及类课程;二是艺术史论类课程;三是作品赏析类课程;四是实践体验类课程。
(1)知识普及类课程,如《艺术设计概论》、《工业设计概论》、《动漫艺术概论》、《流行色概论》等,并设置1.5-2个学分。通过这些公选课的学习,可使学生了解艺术设计类专业的概念、研究对象和研究范畴,体会艺术设计对现代社会发展的作用与意义,理解其它学科与美术、与设计的相互关系,掌握这些专业的研究方法和创新思路,并最终让学生把这些知识融入到其自身专业中,增强他们在其他专业中分析问题与解决问题的能力,提升综合素质。
(2)艺术史论类课程,包括《中外美术简史》、《工艺美术简史》、《艺术设计简史》、《工业设计简史》等,可设置1.5个学分。这些公选课能让学生了解美术与设计的起源、发展脉络与发展动力,认识对美术或设计具有重要影响的风格流派、历史名家与设计大师,并追踪现代最新的设计理念和潮流前线,正确把握艺术设计的未来发展趋势。
(3)作品赏析类课程,有《美术欣赏》、《艺术设计欣赏》、《动漫艺术欣赏》、《产品设计欣赏》、《公共艺术欣赏》等课程,应设置1个学分。通过这些课程让学生认识一些著名的、经典的作品(包括绘画作品、工艺品、设计作品和动漫作品等),教会学生如何去欣赏作品、分析作品,懂得从哪些角度去评价作品的美与丑、好与坏、高雅与庸俗、独特与普通,理解作品的创作背景、灵感来源和创意思想,提升学生的鉴赏能力,并最终学会如何去欣赏美,怎样去创作美。
(4)实践体验类课程,涵盖了《基础绘画》、《陶艺制作》、《平面广告设计》、《居家空间设计》、《网页设计与制作》、《产品模型制作》等课程,需设置2个学分。这些课程是把艺术设计知识在实际动手中传授给选修的学生,使他们在轻松愉快的氛围中掌握了设计的方法和步骤,让选修的学生体会到了艺术设计的乐趣,这即陶冶他们的情操,也增强了他们的人文素质修养。
4 艺术设计类公选课与艺术设计类的专业课程的关系
艺术设计类公选课源于艺术设计类的专业课程,但由于他们的授课对象和教学目的不同,两者之间又有明显的区别。在授课对象上,艺术设计类公选课面向的是全校所有专业、所有年级的学生,其受众面非常广泛;而后者面向的是艺术设计类专业的学生,受众范围较窄。在教学目的上,艺术设计类公选课是以提高工科院校学生的艺术修养和人文素质为目的,属于学科普及性课程;而后者则是讲授系统的专业知识,以培养合格的能从事艺术设计工作的专业人才为目的。因此,可以说艺术设计类公选课是对艺术设计类专业课程的综合与概括。综合是指一门公选课综合了几门艺术设计类课程的内容,如《艺术设计概论》是《平面设计》、《包装设计》、《环境艺术设计》等课程的综合,而《基础绘画》就综合了《素描》、《色彩》和《透视》等课程。概括是指公选课不可能像专业课那样深入、详细,它只有对某些专业课程的概括与简化,才能让非艺术设计类专业的工科学生听得懂、学得进、理得透。如《中外美术简史》就是对《中国美术史》和《外国美术史》课程的概括、提炼与简化。
总之,艺术设计类公选课与艺术设计类的专业课既有联系又有区别,后者是前者的源泉,而前者是对后者的综合与概括,有的课程还是对后者的一个扩展和补充,尤其是欣赏类的公选课。
5 艺术设计类公选课与其它人文素质公选课的关系
艺术设计类公选课有利于工科学生更形象、更直观地理解其它人文素质公选课的内容。艺术设计类公选课有许多是通过作品的形式来展现,作品不单有构图、有形象、有色彩,同时作品还反映了作者的思想观、道德观、价值观、人生观,或时代精神、民族特性、风土人情等等内涵。因此,通过赏析,学生不但能感受作品给人的视觉美和艺术美,还能更直观、更形象地从中体会到作品背后的人文知识,便于学生对其它人文素质公选课的理解。反过来,其它人文素质公选课又有助于艺术设计类公选课的学习和解读。艺术设计类专业是综合性很高的交叉学科,它需要融入美术学、社会学、文学、哲学、历史学等人文学科的知识。学生只有通过其它人文素质公选课的学习,较好地掌握了一定的人文知识背景,才能更好赏析作品、读懂蕴含作品背后的内容。如艺术设计的古典主义与新古典主义、现代主义与后现代主义等风格,都发源于文学或哲学,如果先选修了文学或哲学方面的公选课,必然能加深对某些画派或设计风格的理解。同样,掌握了德国的历史知识,能更好地理解现代的设计的发展过程。
总之,艺术设计类公选课是高校人文素质公选课的重要组成部分,一方面,艺术设计类公选课有利于其它人文素质公选课的教育;另一方面,其它人文素质公选课也有利于艺术设计类公选课的学习。两者是互为补充、互为促进、互为完善的关系,前者是后者的视觉化和形象化,而后者又是前者的文字化和理论化。
6 艺术设计类公选课的教学方法与考核办法
艺术设计类公选课不同于艺术设计类的专业课程,其教学方法和考核办法应有自身的特点,尽量有利于其教学目的的实现,并根据艺术设计类公选课的类型采取相应的措施。由前文可知,艺术设计类公选课分为作品欣赏类、艺术史论类、知识普及类和实践体验类四种。
对于作品欣赏类公选课,应该以作品案例的分析教学为主,并通过提问的方式调动学生的主观能动性。考核分为两部分,一是课堂里完成的对单件作品分析,二是课程结束后完成的对系列作品或者对某一作品展览的评论。
对于艺术史论类公选课,最好的方式是以故事的方式讲授美术或设计的发展过程,只有这样才能更容易让非专业理解和明白,并在课程结束后以综合报告作为考核的主要依据,综合报告可以有PPT和论文两种形式,综合报告主要研究有关艺术设计发展过程中的某一历史片段、某一美术风格形成过程、某一艺术大师的成名之路。
对于知识普及类的公选课,在授课的过程中增加案例的讲解,通过案例来形象艺术设计的基本常识,并在课堂中以小组的形式结合选修学生的专业背景展开讨论。在课程结束后,同样以研究报告的形式为考核依据,并规定研究报告的主题应结合学生的专业背景。
对于实践体验类公选课,其选修的学生人数不宜多,其教学方法自然以教师的动手示范为主,适当讲解理论,并要求学生参与到作品的制作或设计过程中,亲身体验设计乐趣。在课程结束后,通过对选修学生的制作成品或设计方案进行评价,并以此为考核依据。
总体上,艺术设计类公选课要能吸引学生的兴趣,调动学生的积极性;内容上应遵循简洁、知识面广、通俗易懂的原则,并真正起到提高工科学生的人文素质和艺术修养的目的;教学上要以案例为主、理论为辅,并加强课堂讨论;考核办法应体现课堂学习的能动性、课外研究的深度和广度。
7 结语
人文素质是大学生诸多素质当中最根本、最基础的素质,是人类发展中起基础性作用的品质,对于其它素质的形成和发展具有很强的渗透力和影响力。对于人文氛围相对缺乏的工科院校,只有加强人文素质教育,才能培养出全面的、可持续发展的优秀人才。而艺术设计类专业对工科院校人文素质的教育具有非常重要的促进作用,它能形成工科院校良好的人文环境,提高学生的艺术修养,完善工科院校的人文知识体系,并有助于开展其它人文素质教育。同时通过开设艺术设计类公选课、举行艺术性讲座、开展艺术性的校园活动、举办艺术类展览等多种形式来实施。其中,艺术设计类公选课是加强人文素质教育的最主要、最常规的方式,它与艺术设计类的专业课既有联系又有区别,后者是前者的源泉,前者又是对后者的综合与概括。且艺术设计类公选课是高校人文素质公选课的重要组成部分,两者互为补充、互为促进、互为完善,前者是后者的视觉化和形象化,而后者又是前者的文字化和理论化。此外,艺术设计类公选课在内容上、教学方法上和考核办法上都应有自身的特点。
参考文献:
[1]傅进军.大学素质教育概论[M].科学出版社,2005.1.
[2]杨叔子.在理工科大学生中加强文化素质教育的研究[J].高等工程教育研究,1998.1.
[3]李福平.论理工科大学生人文素质教育[J].江苏社会科学,2002.6.
关键词：现代主义；建筑设计；当下语境；启示
中图分类号：J59 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）27-0206-03
一
对于 “现代建筑设计中的‘现代主义’”的讨论，在今天看来或许这是一个即老套又繁杂，同时也是难以明确界定的一个命题。
首先，就相关论述形成的所谓“成果”而言，相关的讨论实在是多如牛毛，无论是普遍意义上的通识读本，还是具备学术意义的专著、论文等，或者是具体的建筑设计作品及其创意文本、图样等，都以各种方式予以发表、呈现，其相应的信息随之得到传播并被广大受众所熟识。就简单的以其从20世纪20、30年代的发生、成熟到今天的发展过程而言，即使考查在中国大陆以最基本的类似“发展史”这样的命题呈现的文本，都会是一个复杂而难以完全收集的工作，更遑论考查以其它语言、其它方式研究的得到的资料，当然再在此基础上进一步整理、分梳则会是一个巨大工程。
其次，就其所讨论和涵盖的内容来看，又可大致归于“理论、史论、实践及其相互关系”的几个大的方面来予以考查，其中所涵盖的具体内容又可具体的细分到如下的一些内容进行分析——既有对其概念的内涵和外延界定，也有对其社会、文化背景的讨论，还有通过介绍、分析其历史发展的来龙去脉以前理清其内在文脉的努力，“现代主义与现代”的关系比较，现代主义与工艺美术运动、新艺术运动、装饰主义运动、后现代主义、新现代主义、构成主义等的联系、区别、关系等——诸如此类的问题，即相互联系又相互分别的相关内容即丰富又多元的构成了有关“现代建筑设计中的‘现代主义’”命题的讨论的内容的方方面面，并最终形成各种的文字、图版、建筑等具体的形式。
再次，从相关讨论所运用的研究方法而言，或许相比较“美术、艺术、文学”等更大的学科性的相关问题的研究，其方法可能在传统意义上的辨伪、断代、考据等基本手段的运用上不会那么繁复，因为毕竟“现代主义”即使站在人文学科的角度其经历的历史时期实在有限而且离今天很近，要用类似于“考古”的方法会显得牵强、而且其脉络对于今天的我们来说是相当清晰的。但是，既然站在“今天”的当下角度，我们又不可否认的是在这短短几十年时间中，西方在其学术研究中与“现代、后现代等”共同发展起来的——诸如：形式分析、视觉分析、社会学研究、性别理论、后殖民主义等——新的研究手段在有关于“现代建筑设计中的‘现代主义’”的探讨中的运用。这些研究方法或多或少的本身就是“现代主义”的延续或是对它的回应。所以，当这些研究方法运用于“现代建筑设计中的‘现代主义’”这一命题中的任何一个内容的探讨时又会从横向的衍生出新的内容、新的问题、新的研究“成果”，这无疑的使得本来纷繁复杂的问题更加庞大。也正因为此，所以王受之先生在其《世界现代设计史》中，在对“现代主义”进行介绍和分析时一再强调：
“……现代主义设计，现代主义建筑，是影响人类物质文明的重要设计活动。它兴起于20 世纪20 年代的欧洲，通过几十年的发展，特别是在第二次世界大战以后的美国发展迅速，最后影响到世界各国。所有文明国家，可以说无一幸免，都受到现代主义设计的深刻影响，对于这个设计风格的反应，又产生了当代的许许多多新的设计运动，产生出形形的新风格、新流派，因而，如果没有一个对于现代主义的真正了解，想要认识现代主义以后各种风格的发展，各种流派的产生，几乎是没有可能的。不少设计工作者和建筑师急功近利地希望知道什么是“最新”的潮流，如果从设计史的角度来看，这是见木不见林，只追求对内容的了解，不注意形成内容的文脉。认识的肤浅倾向，往往会流干一知半解、断章取义和形式主义，是不可取的。”①
而且，我们还应该清楚的是王受之先生在这里还主要是在一般史学意义上的论述，并未涉及更细分的研究。因为毕竟在这里仅仅只是通识知识的陈述、评析，而非是新型研究方法的学术性论述的建构。既然如此，从上面关于研究方法的探讨中我们基本能对其所需要运用和了解的新的研究手段带来的对“现代主义及其建筑”的探讨有一个相对形象的认识。同时，我们还需要了解的是在近来的国内的研究中这些方法和成果也逐渐的引入国内，即使是以汉字呈现的文本也是很多的。
或许，从上面三个方面的论述中，我们基本能够承认关于“现代建筑设计中的‘现代主义’”的讨论是一个即老套又繁杂的问题。其老套因为“现代主义”涵盖或牵涉了“现代”的方方面面，这在“现代主义”之后的勿用多说，即使在此稍前的“工艺美术运动”、“新艺术运动”以及大致同时期的以法国为中心的“装饰主义运动”，从历史的发展脉络来说也从纵向和横向两个方面对其产生影响或关照。同时，即使“现代主义”概念本身的界定都是一个非常复杂的问题，从广义上来看它更多的偏重于从20世纪初期开始由于“文化、生态”环境的转变（比如工业革命，阶级成分转变等）所引起的“文化、思想、社会等”的转变或用大家耳熟能详的词语“意识形态的革命”，其所涉及的范畴涉及了哲学、心理学、美学、文学、音乐、舞蹈、绘画、表演、诗歌等几乎所有的学科；而即使从狭义的“现代主义建筑”（因为现代主义设计其开端在此）的形式特征都只能用“民主主义、精英主义、理想主义和乌托邦主义”这样的抽象概念来予以表述，就可以看出其复杂的程度绝非一两句话能够表述清楚的。所以其“繁杂”性也不难理解，当然这也无疑的是一个难以明确界定的命题。
但是，承认其老套、繁杂、难以界定并不代表着在今天的语境中来讨论“现代主义建筑”的相关问题会是一个过时、不明确、难以确立其新的意义的问题。更何况，承认其老套其实还有一个潜在的含义，是说在我们能够考查到的有关于这一命题的讨论中，特别是一些普适性的陈述中有太多类似的东西，以大家最常见的所谓“学术论文”为例，如果谈现代主义建筑，最常见的一个基本逻辑就是——概念的界定、然后例举其思想内涵外延、代表性艺术家等——往往是一种知识的重复和累积，而不是建设性的思考、论述和论证或作品的呈现。这样的文章或作品当然让人厌烦并觉得无意义，所以，或许老套的是人自身而不是具备“可延续发展的内在理路的”学术或建筑设计艺术本身；所以，或许我们更应该扩展自己的视野，并通过自己的思考和论证对“现代主义建筑”的相关问题进行深入的探讨。而事实上，在上面几段的相关讨论中，特别是用新的研究方法对该一问题进行相关思考和论述的结果，我们其实应该已经能达成这样的共识了，因此，不用对在当下的中国语境中重新探讨该一命题的意义产生怀疑，关键看我们从什么角度去介入、怎样去思考、采取那种方式去分析。
二
那么，当下中国的语境是怎样的呢？它与现代主义建筑的文化背景有什么联系？“现代主义”时期“现代主义建筑”在中国的表现又为何，它们对当下的中国又有怎样的启示呢？我们又该以怎样的角度去切入相关的讨论呢？
我们先就当下的语境与“现代主义建筑设计”产生的背景做一个简要的比较。关于现代主义设计产生的背景，在这里我不做过多的陈述，抛开其时代的“权、利的分配”等所谓阶级、经济基础决定上层建筑等大家耳熟能详的论调不说（虽然这是一个非常重要的现代主义设计的因素，无论从其产生的原因还是其“民主、平等”的设计理念和特征，我们都很难跳开或很难说与其没有关系，但是，正由于相应的论述太多，在此把其作为一个基本的共识来予以对待，而且“完全归结到此的讨论或学说”其实在现代主义之后就一直广受诟病；同时，就设计言设计，可能更有益于也更符合现代建筑设计本体的学术体制的建构，这也正是现下尊重学理本身理路的一个体现；此外，现代主义思想体系中对“平等、民主”等源于意识形态的诉求，其实更多的体现在这一时期“怀有理想主义的精英知识分子”比如柯布西耶等人的设计中，而不是这一时期所有的建筑设计中，无论中外其实都是如此），仅仅就设计本身的理路来看，其要解决的问题除了对待“工业化”的态度问题以及与“所采取的态度相适应的设计风格、技术、理念”问题之外，还有设计本身所需要的转变，犹如“纯艺术”本身的发展需要。
对于前者，我们可以通过比较“工艺美术运动、新艺术运动以及装饰主义运动”的得失，分析出相应时代的要求需要新的（技术的）设计，现代主义设计正是这个要求所产生的结果，而在其后来的未来主义、国际主义风格等从某种意义是则可视为是在意识形态、商业需要进一步强化的结果。对于后者，则可以把其放在“大艺术”的环境中进行考查，毕竟这一时期，从艺术的发展来看，俄国构成主义、荷兰“风格派”等艺术形式，无论在理论还是艺术形式的探讨上都给予了“新”的设计形式必要的参考，即使在以“设计”为中心的理论构建中，都无法跳开这些艺术活动，虽然这些理论构建更多的是把这些活动作为“现代主义设计”的某种表现来看待的，但是事实上，真正“现代意义的设计”的概念的提出和形成可能还是在所有艺术活动发展的过程中逐渐产生并脱离传统艺术范畴的。
而这所有的“现代主义（建筑）设计”产生的条件，大致可以用“时代、环境（社会和文化环境）、人（阶级等）、媒介（新工具、新材料等）的转变”来予以概述，事实上这与今天的世界格局的转变也有着太多雷同的东西，或许这从根本意义上为我们今天设计的发展或转变提供了起码的历史依据。而且，我们可以通过进一步考查现代主义之后发展的“后现代主义、解构主义等”对此做出恰当的论证，只不过后来的发展受到的“社会”的影响不再那么明显，更多的表现为“设计”学科内部的转变，但我们也不能否认这些因素其实都是在一起起着作用、缺一不可。同时由于当下时代的转变在现代人的眼中并不像工业时代那么的突然转弯，而是逐渐过渡到信息时代，多元的人文和社会环境的形成也是在前一时期的基础上发展而来，人的要素仿佛也未有大的变化，或许在大部分人的眼里唯一会承认的是“媒介”的转变，比如所谓“多媒体时代”到来在信息传递上的转变——3G手机、网络等的运用。但正如社会学和人类学研究所表明，媒介的转变本身也会引起其它因素的转变，即使以3G手机的运用为例，它起码改变了我们当下生活的很多内容诸如工作、人际、信息传递等等，其在设计上首先就引起了围绕着“虚拟”世界平台而展开，比如游戏、动画、平面广告等，只不过在（现代主义时期主要的设计形式）建筑设计上的表现还不那么明显。然而，随着其它设计、文化等在形式和观念上的转变，建筑设计还是需要去认真的面对并思考相应的问题。因此，虽然我们不能就立马肯定“在当下的世界时代和环境的转变必然引起设计的转变或革命”，但是起码在设计发展的过程中，我们可以就“媒介等因素的转变引起的新的社会文化等的转变”以及“设计自身的发展需要”这两个方面在“现代主义（建筑）设计”这里得到很多启示。
同时，我们还需要清楚，上面讨论的语境更多的还是站在“世界”的角度来分析的，那么中国呢？首先，我需要明白，在发展到全球化的今天，就文化语境多样性而言，正如巫鸿先生在“美术史”的研究是所论述的，这是非常值得肯定的，特别是中国大陆受到多年的之上而下的意识形态的控制之后，这尤显重要；其次，也不能据此否定中国（建筑设计历史）传统的连续性，而且这在多提“国际化”、“与国际接轨”的口号中，对传统建筑设计、文化的提炼更显重要。②联系中国本土建筑设计的发展，包括20世纪30年代“现代主义建筑”在中国的反映——无论是被称为“摩登式”、“万国式”、艺术装饰风格、日本摩登等的，在上海、天津、重庆、南京、武汉、青岛，以及在日本人侵占的大连、沈阳、长春、哈尔滨等地出现了现代建筑式样；还是西方现代建筑文化及思想通过报刊杂志、建筑师的交流、建筑教育等方式在中国的传播。都说明西方现代建筑运动从一开始就通过不同的途径和方式影响到了中国的建筑设计，中国的建筑设计师并做出了相应的回应，中国近代建筑界与世界建筑发展保持着一定程度的联系，虽然这种联系在今天看来并不符合应有的理性或科学精神——的史实及其内在规律，再关照整个世界的文化语境，或许这正就是当下中国正在进行的所有设计、艺术、文化等活动的共同语境。这种关照，照样可以予以我们“在当下的文化语境中讨论现代建筑设计的‘现代主义’”许多有益的启示。
三
既然如此，这些启示我们自然可以从“现代主义设计的思想基础找到一些有益的依据”及“联系中国自身建筑设计传统”两个方面找到突破口。
第一方面，那么“现代主义设计的思想基础”能给我们什么启发呢？现代主义设计的思想是在20 世纪初期逐步形成的，与其说其是一个思想不如将其看成一个庞杂的思想体系：既有实用主义、理性主义的内容，也有乌托邦主义的成份。任何希望一两句话对其进行综述式的努力都会显得片面。所以一般通过考查对这个思想体系形成贡献最大的几个人物设计理念及其作品来予以表述，其中主要包括勒·科布西耶、沃尔特·格罗佩斯、米斯·凡德洛、弗兰克·赖特、阿尔瓦·阿图等人，并认为他们奠定了现代设计思想的基础，影响到全世界设计的发展，因此，对他们的设计思想的理解，是了解现代主义设计的基本着眼点。整理其中四位的设计思想及其在现代设计上的贡献，大致可以表述为：
1、勒·科布西耶，代表了希望利用现代设计来避免社会革命，利用设计来创造美好社会的理想主义、乌托邦主义思想；
2、米斯·凡德洛，终生追求所谓的单纯建筑,提出并主张“少则多”的原则,在该一原则下甚至可以违反功能要求的地步，从而把现代主义的功能主义基础变成一种变相的形式主义；并认为设计教育的核心应该是非政治化、以建筑为中心的；
3、弗兰克·赖特，美国现代主义先驱，具有70年的独立设计经验,其风格从自然主义、有机主义、中西部草原风格、现代主义,到完全追求自己热爱的美国典范,每一个时期都对世界建筑界造成新的影响和冲击。其设计具有相当大的个人表现成分，他的探索基本可以说是个人的,非社会化的,艺术型的；
4、阿尔瓦·阿图，芬兰现代设计奠基人，20世纪30年代前后,提出有机功能主义的原则,把现代主义单调面貌进行了大幅度的修正,奠立了斯堪的纳维亚现代主义的形式,对世界影响很大；他代表了与典型的现代主义——国际主义风格不同的方向,在强调功能、民主化的同时,探索一条更加具有人文色彩、更加重视人的心理需求满足的设计方向.他的设计理论包括三个主要方面:“信息理论”（information theory）、“表现理论”（expression theory）和“人文风格”（the humanist approach）。③
其实仔细分析他们的设计理念及其典范作品，我们可以知道，无论持怎样的观念，这些思想都与同一时期相应的某种文化对应，并把“建筑”看着一个完善的“生命体”（或机器），这一“生命体”承载了艺术家对社会、文化、人、设计的所有认识，他通过“建筑设计”及其理论陈述传达他的思想并以之影响世界（包括后来的几乎所有设计的风格、流派、主义）。所以，我们认为现代设计的所有都必须要建立在对“现代主义”的清晰认识之上。那么，联系前面讨论的，在当下的世界转型的时代中，我们自然也要在这些思想中去寻找有益的支持，联系时代的精神、相关的学术思想、新的技术、材料和媒介等，并逐渐形成自己的体系。这或许，才是作为具体的设计者考查“现代建筑设计中的‘现代主义’”这一命题的真正意义所在。
第二方面，紧承第一方面的论述，并关照上一部分有关中国当下的文化语境的相关讨论，在此我还是愿意借用巫鸿先生对“美术史”研究的态度——“‘开’与‘合’的驰骋”④——开放的对待现代建筑设计在今天世界的发展，及主动的去把握其可能发生改变的方向；并坚持中国本身的文化本体的精神及其在传统建筑中应该并需要作为一个统一的整体予以考虑，在此基础上联系当下的设计思想从（传统）中去找到能够以体现新价值的有益的形式、元素、思想等具体的运用到自己的建筑设计的体系中来，让自己的体系更加完善。
最后还需要指出的是，无论我们采取怎样的态度、设计理念和方式，都需要我们真切的身体力行，这也正是“现代主义”及其思想的奠定者在今天的建筑设计中仍然起着这样或那样的影响的关键所在。
注释：
①王受之.世界现代设计史.2002年9月第1版.北京：中国青年出版社，2012，14页.
②巫鸿.美术史十议.2008年6月第1版.北京：生活·读书·新知 三联书店，2008，66页.
③王受之.世界现代设计史.2002年9月第1版.北京：中国青年出版社，2012，110-124页.
④巫鸿.美术史十议.2008年6月第1版.北京：生活·读书·新知 三联书店，2008，65-66页.
参考文献：
[1]巫鸿.美术史十议.2008年6月第1版.北京：生活·读书·新知 三联书店，2008.
[2]巫鸿.中国古代艺术与建筑中的“纪念碑性”.2009年4月第1版.上海：上海人民出版社，2010.
关键词：纸马；版画；艺术
在广西桂东地区贺州市黄姚古镇一次游玩中，在一家的门上面贴有三张小纸片（图一、图二），这引起我的关注。这些纸片以五色纸或黄纸制成，纸片上依稀有“元亨利贞”字样和道家仙姑符。尺寸不大，大小有5×10厘米。房主人很隐晦的告诉我这是迷信，房子不干净驱邪的，是去道观里请来的。这引起了我的关注，通过查找，又发现了贺州西约街的一些香烛老商铺的纸马（图三、图四）。经过对比研究，可以确认这就是纸马。
所谓纸马，是我国古代民间流传下来的一种供人们通过焚烧或粘贴来祭祀灶神、山神、土地、城隍等神的祈福避祸的神像画。还包括属于各民族劳动大众自己创造出来的众神和祖师图像。纸马又称“神马”“甲马”“鹿马”“佛马”等，此外，民间还有“马纸”“菩萨纸”的俗称。 局部地区的称呼不能代替全国性的称呼，北京、山东、江苏、河北等地大都称“纸马”，云南也以称“纸马”为主。所以，笔者以为有关学术界对此也应统一称“纸马”为宜，以避免名称上的混乱。对纸马的称呼进行规范和统一，更有利于学术研究。
在人类社会的早期，“神灵”观念支配着人们的思维方式，人们对于神的模样依据现实生活产生了大胆地想象，认为无所不能的神灵应该也是骑马的。人们认为通过“人骑马”的符号作为通灵的媒介物来与神交流，是再合适不过了。这应该就是纸马形成的重要原因。纸马的用处，正是着眼于人们认为它有接天地、合阴阳、通鬼神、感灵犀的功法。纸马作为中国民间版画的一种艺术形式，虽然它对于文人墨客及艺术史论家们来说属于不屑一顾的“俗文化”，但它根植于民间，流传最广，反映了普通劳动阶层的精神生活和审美情趣，形式上稚拙朴素,造型上随心所欲，是中国最广泛、最久远、最质朴的原生态版画艺术之一，有别于其它的书籍插图版画、佛、道经版画等民间版画，对中国文化的发展有着特殊的贡献。从历史性地发展来看，原始艺术与纸马不能等同，但作为艺术，它们都带有和原型生活重合的性质，它们的艺术活动，都是看似在功利性地生产或礼仪风俗活动中创造出来的具有审美价值的艺术作品，它们之间的物质生产与精神生产是交织在一起的。因此，没有任何一种木刻版画形态，像纸马一样还保留着如同原始艺术那样所体现的浑融性文化精神。从宋朝开始民间纸马就逐渐被宫廷文化和市井文化影响。纸马走向雅画，逐步登堂入室，磨灭了本身价值。历史地进展是不以人的意志为转移的，艺术地发展也只能顺应其自身的发展规律。现在，艺术回归大自然，国内外形成了对原始艺术及其自然粗狂风格的由衷向往，纸马艺术的价值被重新受到重视。
在20世纪初，全国各地纸马作坊流传下来的纸马品种就约千种之多，纸马的神名也较多，且都有各自的构图形式和风格特点。现将题材种类分为以下几种：
一、神像画和宗教神像画
其中还包括基督、伊斯兰教以外的佛道和民间各种神佛，属于人民大众创立的保护农业和家族求安消灾的神明，多半是根据自然界之变化，或育儿，或因病臆造出来的无姓名来历的。如河北内丘《天地全神》（图三）纸马。
二、祖师神灵
古代各行各业都有它们的敬奉主管――祖师爷。《周礼・考工记》中讲“知者创物，巧者述之，守之世谓之工。百工之事，皆圣人作也。”古代人民确定行业祖师爷也并非完全随意，也需要具备这样或那样的条件。1.某种技艺的发明创造者；2.对一行业的形成，有过重大贡献的人；3.某位历史名人，曾做过某种行业；4.某为神灵与某一行业有关。如(图六)的鲁班先师等等各行各业祖师神灵。
三、家堂画
春节期间祭奉祖先所用。画面主要分三部，上部为宗室祖，中部有格栏，将族系里已故人的名字添加在上面，下部为升平图像，画面尺寸较大，一般装裱便于存放。图七是山东平度的家堂画。
四、冥票
即运用纸印制成阴间的钞票，作为商品交换的冥阴货币为鬼神设立银行，仿造人间的票样格式，认为只有在祭祀死人或神灵时焚烧，他们才能接到钱财，才算有效。甘肃发现的冥币（图八）。其他地方发现还有有八亿冥钞、十亿冥钞、阳间过运钱、关钱、阴阳财宝、阳间添寿钱等多种形式。
五、咒符
即以禳灾祈福、避除疾病、消除宅舍不安为目的的图像。如《往生咒》（图九）等等不同形式。
追根溯源，可以知道黄姚古镇发现的图片就是咒符。西约街发现的图片就是充当信使的普通纸马，带有浓厚原始色彩的纸马。
通过纸马图面上刻绘的神鬼仙佛的名目，尺寸的大小，印制的优劣，刻工绘校的巧拙。大体分类比较一遍，可以再次看到纸上刷印出来的各种神灵，都是凭人的想象和智慧以及工匠手艺技巧刻制出来的。同时还可以看出历史上人类是怎样由不理解自然界的天时变化、生态平街之关系，认为天地万物都是由神鬼主宰的，但是随着人类自己的双手劳动，人类的思想发生变化，渐渐觉悟到世界一切物质都是人创造发明的这一发展过程。
华夏文化的发祥地，孕育着中华民族古老而优秀的文化传统。几千年来广大劳动人民在这块土地上创造了灿烂的文化艺术。由于特殊的地理、历史条件，一些地区地域偏僻，交通阻塞、经济封闭，受外来文化影响较少，至今仍保存着古老的文化传统和民间习俗。桂东纸马，较少受到现代经济地冲击和功利主义地束缚．而仍然保留着古老民间文化传统中的一些。正因为纸马有着土生土长，自生自灭的特性，由一代又一代劳动人民创造的艺术品也正随着历史岁月地风吹雨打而灰飞烟灭，即将化作尘埃。历代的纸马所流传下来的数量极少，在一些偏僻的县城和乡镇，现在能够见到的可称“硕果仅存”。纸马之所以能长久传承在人间，完全依赖人民不断地结合生存的民俗实用和生活需要去进行再创造，由于创造的出发点与观念意识地相通，它真情地保留着从远古先民那里传承下来的民族文化元气。从而形成了自己整体的艺术风貌和造型特色。它作为我国极可宝贵的民族文化遗产的一部分，在历史的长河中曾经被我们的版画历史忘记，或混淆于其它的民间木刻版画。
现代社会的青年中已极少了解“纸马”为何物，纸马大多成为遗迹了。它常常混淆于年画，但有别于年画，比年画的历史要久远。在经济发达的城市和现代化的生活中，这些作品已不容易得到；但在中国发展的历史长河中和广大的偏远农村，它们依然存在，在当时当地人们的精神生活中，仍发挥着一定作用。随着社会改革的深入，人们的价值观、人生观等正在起着变化，因为纸马既具有纯正的传统木刻版画的艺术形式，而且量大、面广，它属于真正的劳动人民艺术，不管权威的认同与否，它确实是存在的一个方面。中国有着比任何国家都丰富而独特的艺术宝藏，作为我国的文化遗产，民间版画的美术价值和分量受到空前的重视。但是有必要从另外的角度，用新的眼光对民间版画艺术进行认真的审视。将纸马作为一种不可忽视的艺术来进行研究，对美术史料进行补充是极为必要的，这是对我国古老历史文化的再现和对艺术历史的尊重。随着社会经济的发展和生活习俗的变迁，纸马将不可避免地走向衰微，因此，我们更应该珍惜这份宝贵的文化遗产。
参考文献：
[1]谷芳.中国原生态版画〔D〕.苏州大学硕士毕业论文2009
[2]张道一.民间木版画〔M〕.江苏美术出版社 1990
[3]王伯敏.中国版画通史〔M〕.河北美术出版社 2002.02
[4]吕胜中.中国民间木刻版画〔M〕.湖南美术出版社
1994.05
[5]王树村. 中国年画史〔M〕.北京工艺美术出版社2002年
作者简介：
翁剑青，艺术学博士，画家，北京大学艺术学院教授，博士生导师。北京大学视觉与图像研究中心公共艺术研究所所长，中国工艺美术学会雕塑专业委员会副主任。主要从事近现代美术史和城市公共艺术理论研究。曾出版《公共艺术的观念与取向》、《城市公共艺术》、《形式与意蕴》、《20年焦点论争》（与他人合作）等学术著作，先后发表美术史论学术论文80余篇，在理论教学与研究方面成绩斐然。
同时，作为一名非职业画家，翁剑青将自己内心对于生活和艺术的真诚的情感记录于画布之上。这些乡土与城市中的场景，或现实或超验，无不诉说着画家本人在现实生活中点点滴滴的感动与感悟，以及他对于“人生在世”的浪漫追求。在这些看似并不“惊艳”的画面后，展现的是一个“爱智者”积极、健康、合理的人生观与世界观。
本期大家栏目，刊登了翁剑青教授的文章《艺术与生活的融会》和他的油画创作，以飨读者。应该说，当今如翁剑青这样在学术与艺术上两栖并进、锲而不舍的学者型画家并不多见。这是他为学为艺几十载，内心情感的真实独白；也是他在理论与实践的耕耘中，对于中国当代艺术圈子中将艺术家与艺术创作神秘化、商业化及庸俗化等诸多弊病的一种纠偏。既不将艺术沾染尘世的污垢，而流于庸俗化；也不将艺术奉为象牙塔尖的神明，使其高高在上而“压迫”生活；在艺术的澄明、浪漫与生活的平凡、真实之间找到一种哲性的平衡与贯通，这可以显现出翁剑青的艺术态度，同时更是他的人生观和价值观的某种映现。
回首望去，我在青年时代的认知中曾经是把艺术活动与日常生活加以严格区分的。那时起码认为艺术是绝对高于俗世生活的，并且认为只有与世情琐事及俗常的欲望保持距离才可能成为具有高雅的情怀、澄明的境界以及高超技艺的艺术家。因此，那些岁月除了大量的绘画写生、观摩作品和从事创作训练之外，主要沉溺于阅读以及与学人之间的理论讨论。但却忘却或有意回避生活中的许多富有生命真意与生活情趣的事物，而可以为艺术而牺牲寻常生活中的一切。现在看来，这其中确是有失偏颇和留有遗憾的。而如此感悟的激发，似乎可以用前些年间我不经意经历的一个情形来加以表述：那是我为了做一个美术史研究的课题到蜀地做实地考察其间，在嘉陵江边山地上的一座古庙的墙脚下，遇到一位来自西方国家的游客，他独自蹲守在石阶上正用便携且显简陋的水彩画工具聚精会神地描绘着庙宇屋脊上龙形的琉璃装饰构件，看上去他的铅笔淡彩画水平实为一般，但他无意间分明流露出一种全心的投入、自信和愉悦的神情。而当我在一个多小时后返回的路上再次路经此处时，看到他依然保持着那番执着忘我的劲头和怡然自得的神态，而他的画作似乎并没有多少完美的进展。此时的我却好生感慨甚至有些嫉妒之意，但在内心肃然起敬。我想自己到底有多少时辰和机会是如此面对自然和自我的呢。我认为这位游者此时就是世上最惬意和幸福的人了！料想他未必是一位职业画家，也不像带着既定的目的和任务来此作画的样子，但那份可以使人体察到的宁静、淡定和专注却在明确地告诉我，艺术是他生活中的一个组成部分。而生活中的好奇、乐观、富于想象和探索以及不计成败的态度恰是艺术的智慧、意识与内在精神的显现。这或许是行者无意，看者有意吧。
由此我感到，当艺术摆脱了宗教迷狂和世俗权力的束缚之后，人的日常生活以及社会的演化就是艺术的重心之所在，也是当代艺术的价值内涵之所在。这里所说的日常生活是指一个人或一群人为了生存以及为了拥有合乎自身生理和心理的需求所进行的各种行为与尝试，以及由此而形成的内心体验，其中包括诸如居住、出游、言谈、烹饪、购物、竞赛、交友、制作物件等活动。然而，我们不难发现这其中包含着诸多来自自然和前人所给予的经验、习惯与挑战，也形成并承载了诸多的符号和意义，以及传统与反传统的多种可能。然而，普通人和艺术家在一般情况下则认为只有在超越日常生活的行为方式和机制下才可以实现某种美妙或纯粹的精神创造与审美体验。或以某些特定的媒材和形式的展现才足以达到高于生活的话语方式和层面，才值得人们去赏识或顶礼膜拜。也正是由于类似的认识和历史文化的惯性，使得人们把艺术活动（包括对于艺术的题材、形式、风格及展示场所的选择与营造）与日常生活形态加以区隔和对立起来。但是，艺术的实质是创造性和实验性的审美与心灵建构及体验活动，而如若我们寻常生活中的劳动与协作过程中含有某些主动的探索、创造与审美愉悦的属性和体验的话，它就已经富有了艺术――智慧与审美的形式、意识与创造的愉悦之特质。因此，艺术与生活本来就是一体化的，而只是由于人类社会的分工，权力的缔造以及观念形态的演化而使得艺术与日常生活之间渐行渐远乃至二元对立了。
而今，在后现代文化的实践和相应的语境下，艺术与生活之间，应该不再横有一条不可逾越的鸿沟。传统的艺术概念及价值是建立在职业化或专业性教育所形成的标准之上的，也是某种话语权力的体现，而这种惯性在当今社会依然存在。当今许多人从事艺术大多是为了由此途径而获取名位或商业利益，使之愈加工具化。但也有一些从艺者是为了借此获得内心的平衡、愉悦或精神的救赎。而另一些人士则认识到日常生活与艺术创作同样具有的实验性以及非文本化的知识性和想象性。正如一个人从一个地方到另一个地方的冒险旅行，或是制作出一件原来不存在的物件，或重新面对一件熟视无睹的事物，其间均需要某种主动的行为、丰富的想象、有关工具与方法的选择与创造，并在时间与空间的交织与转换中体察某种物态与自我心态的呈现，而这一切似乎是无法全部预先排练和未卜先知的，这一切都被写在了实践与探索精神的经历之中。正如当一个人的烹饪、言说或是足球功夫达到非凡的境界或能力时，人们则说那是“艺术”的认识一样；而当艺术不再是远离日常生活的行为方式与情感表达的时候，而是融会在生活的方式和过程之中时，艺术就与生活一体化了。事实曾经告诉我们，当一个人或一群人平常时候的生活及生产方式与非常时期（如应对突发事件包括战争在内）最为相仿或一致，那么，他或他们也就最易获得成功和持久。犹如蒙古人的游牧、围猎和马背上奔驰的生活与其在当年欧亚征服的战事中需要拥有的状态和能力，保持了最为自然的一致性，故能使之精深地发挥了其日常生活中最为自然、便捷和习惯的方式、资源和技艺。若一个人能够把日常生活的思维和行为方式予以富有创造和诗意的特质，或者能够把艺术的思维和创造精神融会其间的话，那么他的生活和艺术就更易于实施和得以长久。
