发布时间：2023-03-22 17:38:10
序言：写作是分享个人见解和探索未知领域的桥梁，我们为您精选了8篇的音乐表演论文样本，期待这些样本能够为您提供丰富的参考和启发，请尽情阅读。
地处中原地带的黄淮学院，是一所年轻的高校，处在转型期，音乐表演系作为一个院系，与学校保持着同屏共振，舞蹈教学也不例外。我系为了使舞蹈教学更加适应培养应用型学生的目标，我们不停研究其他高校的教学方法，坚持不懈的走自己的应用型培养道路，向教学要变化，向课堂要效果。据研究发现，传统的高校舞蹈教材要么是针对舞蹈普及方向，以强身健体为目的而设计，主要是通过芭蕾舞的基础训练，使学生从身体的柔韧性、协调性和优美性上得到提高；还有些是针对舞蹈专业方向，以培养舞蹈演员、舞蹈教师和舞蹈编导这样的技能型人才设置，主要是通过基本功和技术技巧训练，使身体的软开度、爆发力和灵敏度上达到较高水平，在此基础上，掌握一定的教学方法和编导理论，塑造出新一代的舞蹈演员，舞蹈教员和舞蹈编导。为改变这一现状，我们只能在实践中摸索前行，教研室在借鉴专业院校教材的基础上，以肢体协调性和舞蹈的美感为基础，有选择性的选择组合做为教学内容。这样一来，降低了学习难度，学生信心足了，更愿意在舞蹈课堂展示自己。
二、以人为本，改良教学手法
1.将情感融入舞蹈组合表演
舞蹈不单单是动作，它是有生命的，是在感情的驱动下进行表演的艺术方式。情感是舞蹈的灵魂，但在往往教师在舞蹈训练中，注重技能技巧的训练，忽视了情感，使得90%的音乐不愿意学习舞蹈。在教学中，我用主题形象明确的动作，配以相适合的音乐，参考各班学生程度、动作难度、节奏速度等元素，进行组合编排。在学生一开始进行动作学习时，不强调动作的规范，要求动作与音乐相符，带着情感，通过眼神，将动作表达得更情绪化。在教学内容编排上，我关注学生的兴趣点，只要她们喜欢，我都会将素材编入组合，如爵士舞、街舞等节奏强烈的元素，由于组合编排难易适中，又是学生感兴趣的，适当降低了学习难度，极大地提高了学生的学习主动性和艺术表现力。
2.通过项目化教学提高学生的专业技能
项目化教学最直接的方式就是剧目排练，在课堂中通过排练，学生的舞蹈表现力得到提高，培养了自信心，增强了自信，为了跳好舞蹈，学生开始利用课余时间进行舞蹈练习。在教学中我常常遇到这种情况，不论如何启发和演示，学生也尽力按要求去表现，可是感觉还是达不到要求，事倍功半，但换一种方法，让学生通过思考想象，把舞蹈动作进行二度创作，往往这种情况下，学生的感情投入了，表情到位，一下就找到了舞蹈感觉。因此，项目化教学的开展，不同舞蹈剧目的排练，给学生提供了表演的机会，表演者对舞蹈的思考，使舞蹈从外在表演转换为内化表演，达到了质的飞越。
3.随着音乐即兴起舞
在自主创业中不仅仅是高职音乐表演专业的毕业生，几乎大部分的大学生都是从事一些个体经营的事业，那么其中存在的问题也较多，成功的几率也比较低。对于高职音乐表演专业的毕业生来说其中有些毕业生选择放弃了所学的音乐表演专业，从事了一些个体经营的商铺，因为没有丰富的经营经验、雄厚的经济基础等的支撑，最终就会导致失败。其中还有一些坚持利用自己所学的专业进行自主创业，开办音乐专业方面的培训机构，但是，因为高职音乐表演专业的毕业生不同于高师的毕业生，他们没有教育教学的培养，所以在实际创业中阻力会比较大一些。因此在高职音乐表演专业毕业生中自主创业的就是极少部分人，而且成功的就是少之又少了。
二、高职音乐表演专业毕业生自主创业中存在的问题
1、高职音乐表演专业毕业生综合素质不足
所谓的综合素质在这里主要指的是学生在年龄、资金、社会经验、综合知识等方面的原因，在刚刚毕业的几年中很难将这些突破。比如说在创业初期的资金，对于一个刚刚毕业的大学生，他很难筹集到自主创业所需的启动资金；再比如学生的综合素质方面，因为中国的教育方式，学生在毕业前几乎都没有涉足于社会，在创业思路上不够开阔，创新的意识不强；还有学生在创业方面没有经验，所谓的经验都是一些教课书中的知识，在创业中不能将理论运用到实践中去，遇到问题时会不知所措。对于音乐表演专业的学生而言，在校期间主要专注于专业技能的培训，学生平时的学习主要是一些象声乐、器乐、舞蹈等等的专业课程，对于综合素质方面可以说是非常缺乏的，比如管理、投资等等方面的知识几乎不知道，在毕业的创业中这些都要从零开始学习了解，所以这就大大制约了他们的自主创业。
在学校中设立了一些关于学生就业的相关课程，但是对于自主创业的专项课程并不是很多，这样导致少数自主创业的学生都是在自我摸索中进行着，没有目标性。学校应该开设专门的自主创业培训课程，配备有经验的就业指导教师，系统地对学生的创业能力、思维意识、创业方向等等进行培训，使学生在自主创业中不再盲目。同时学校应该设置一些创业实践活动，让学生在学校期间就能够有一个创业的空间，培养和锻炼学生的自主创业能力。为学生毕业后进入社会自主创业打下基础。
三、推动高职音乐表演专业毕业生自主创业的对策建议
1、树立创业意识
对于高职音乐表演专业的毕业生，因为他们在专业技巧上不及本科毕业的学生，那么进入一些专业团体的就业几率较低，大部分学生在毕业后都放弃了所学的专业从事了其他专业。其实，在社会上还是有许多事业单位需要高职音乐表演专业的毕业生。比如：艺术培训机构、演艺公司、婚庆公司等等，这些都是比较好的创业方向，那么对于高职音乐表演专业的学生在校期间就应该让学生树立一些创业的意识，做一些创业规划，通过几年的学习为此而奋斗努力，在毕业后逐步去实施。
2、加强创业培训
课题名称：浅论音乐表演中的情感体验
学生姓名：
系别：音乐系
专业：音乐学
指导教师：
年月日
一、综述国内外对本课题的研究动态，说明选题的依据和意义：
音乐表演是音乐存在的活化机制，无论在任何音乐行为方式中，音乐表演都使整个音乐活动处于激活状态。表演可使作品得到介绍、传播、完善、获得长久的生命力。音乐表演的目的不是引起有声调声觉的声波运动，而是通过内在的情感动态形式的注入，引起深层心理体验，赋予无生命的形式以生命的活力，给人以人性的体验。音乐表演的二度创造，就是通过表演者对音乐的理解、投入感情，再次赋予音响的动态结构以生命的形式，即充满着丰富情态意味的音乐运动。
二、研究的基本内容，拟解决的主要问题：
主要内容：
音乐是一种表演艺术，在表现方式上与非表演艺术很不相同。而音乐表演艺术则不同，他必须通过表演这个环节，才能把艺术作品传达给欣赏者，实现艺术作品的审美价值。而音乐表演中根据艺术表现的需要，使表演者的对于投入的情感能做到呼之即出，挥之即去，达到挥洒自如、变化有序的境界，真正成为音乐表演所需要的情感。他有表演的真实情感作为种子，同时它又是经过提炼，升华了的与音乐中的情感内涵融为一体的。应该说，只有这种艺术化了的情感，才是音乐表演所需要的。
主要问题：
1、什么是音乐表演艺术及意义。
2、音乐的表现与精神性内涵。
3、音乐表演的二度创造本质——情感体验。
4、音乐表演的情感体验——投情。
5、音乐表演—赋予情感以生命。
6、音乐表演中审美情感的体验。
7、对于音乐表演者的技巧与表现统一的要求。
三、研究的步骤、方法、措施及进度安排：
步骤：
1﹑大量阅读古筝方面的文献和著作；
2﹑找出有价值的课题；
3﹑依据论题精确寻找相关资料；
4﹑论文撰写；
5﹑在老师的知道下进行修改；
6﹑定稿并准备论文答辩。
措施：
1﹑在图书馆和上网查阅相关资料文献；
2﹑真理原有资料；
3﹑请教知道老师，与同学交流探讨本论题。
进度安排：
1﹑XX年11月-12月初：查阅相关的资料；
2﹑XX年12月中旬：确定选题；
3﹑XX年12月底：写开题报告并准备开题答辩；
4﹑XX年1月-3月：开始正文协作，完成初稿；
5﹑XX年3月-4月：修改完善文稿；
6﹑XX年5月：论文答辩。
四、主要参考文献：
[1]王次沼著：《音乐美学通论》人民音乐出版社
[2]修海平罗小平著：《音乐美学基础》上海音乐出版社
[3]苏珊郎格：《情感与形式》中国社会出版社
五、指导教师意见：
签名：
六、教研室意见：
关键词：高等学校 音乐表演 学业评价
罗宇佳教授是笔者学生时代的钢琴老师，初中开始笔者就师从于她学习钢琴演奏直到大学本科毕业。罗老师的知识面很广，教学中不仅教笔者钢琴演奏的技能技巧，还时常给笔者讲解作曲家的身世经历、人品性格、创作背景以及曲式结构等，甚至还教笔者不少钢琴教学方法。《内隐与彰显：音乐表演专业学业评价理论与实践》是罗宇佳教授2012年出版的一部著作，著作出版之际有幸得于恩师赠予，笔者也曾细细阅读，可惜似懂非懂、一知半解。今年年初，正带着女儿在公园游玩，笔者接到了罗老师的电话，邀请笔者参加云南省音协音乐评论学会2014年举办的“音乐学术阅读专题读书笔会”，并指定让笔者写她专著的书评。一直以来，罗老师活跃的学术思想、旺盛的学术精力和独树一帜的学术见解都让笔者佩服不已，这次要给老师写书评，我既兴奋又胆怯。由于能力有限，只有反复阅读，并在阅读过程中向老师讨教多次。在无数次的沟通、交流、咨询之后，笔者终于对老师专著中的精髓及真知灼见有了深刻的理解，至此，笔者才真正放下心来完成这篇《高等学校学业评价研究新视野――评罗宇佳教授》。
音乐表演专业是高等学校尤其是音乐类院校的传统学科，在我国设立至今已有多年历史。近年来，随着《国家中长期教育改革和发展规划纲要（2010-2020年）》的实施以及艺术学科升格为学科门类之后，高等学校音乐学科的教学质量也备受关注。《内隐与彰显：音乐表演专业学业评价理论与实践》是罗宇佳教授在其博士论文《高等学校音乐表演专业学业表现性评价研究》的基础之上反复修改后出版的著作。该专著立足于我国高等学校音乐表演专业学生学业评价，对学业评价的本质、价值取向、理论基础特征、研究方法等进行了详细的分析和研究，最终建立起高校音乐表演专业学生学业评价的基本理论框架和实践模式。可以说，该专著是目前以音乐表演专业学生学业评价为研究对象的唯一的学术著作，填补了音乐学科学业评价研究的空白，极具理论价值和现实意义。
一、独特的研究视觉
一直以来，音乐表演专业学业评价延续着教师观察和聆听学生表演的评价方式。每个学期期末，学生现场演唱或演奏几首考试曲目就算完成考试，教师依据学生的现场考试情形给予一个综合评分。教师们的评价标准也不统一，通常表现出比较大的主观性和随意性。问题是一次考试的分数能完全体现出学生真实的学习情况吗？只有一个综合分数，往往不能体现考试的公平性和客观性，这样的考试也反映出人们并没有完全认识到“学业评价”的概念，尤其是在教育改革的不断深入，学业评价的重要性在各学科已被日渐重视的背景下。也有音乐教育学者和音乐表演专家提出要改革音乐表演专业考试方式、制定评价标准，但这些观点多是基于自己的经验总结，缺乏一定的学术性、客观性和可操作性。再加之我国对学业评价的研究多为引进和翻译相关著作为主，对音乐表演专业这样专业性极强的学业评价定位还很模糊，因此较少有人对此进行深入研究。在此背景下，罗宇佳教授以独特的研究视觉，首次将音乐表演专业学生学业评价作为研究对象，通过对高等学校音乐表演专业学生学业评价现状的调查分析，在厘清目前我国高等学校音乐表演专业学生学业评价所存在的问题及其产生根源的基础上，以当代教学理论为指导，紧密结合音乐表演专业的学科特点，吸收和借鉴国内外有关音乐表演专业学生学业评价研究的相关理念和模式，着眼于我国高等学校音乐表演课程与教学改革及培养创新型人材的理念与目标，罗宇佳教授经过大量的实践调查和分析研究，构建了音乐表演专业学生学业评价的方法、内容和途径，特别是提出了音乐表演专业学业表现性评价指标体系以及评价量表，并通过实践检验与完善，基本建立起了促进学生全面发展框架下的高校音乐表演专业学生学业评价的基本理论框架和实践模式。
二、丰富的研究内容
《内隐与彰显：音乐表演专业学业评价理论与实践》全书的构架自成体系、新颖别致，内容丰富清晰、论述深入全面，富有独立见解。书中绪论部分阐明深入研究“高等学校音乐表演专业学业评价”的缘由和价值，对核心概念 “音乐表演专业学生学业评价”给予明确界定。主体部分围绕“如何构建高校音乐表演专业学业评价理论与实践模式”这一命题，调查并分析了当前我国高等学校音乐表演专业学业评价现状，总结出我国高校音乐表演专业学业评价存在功能窄化、方式单一、标准客观性差等问题。发现问题容易，但要从根本上提出解决问题的措施，如果没有深厚的理论功底、长期的实践调查积累，几乎是不可能的。罗老师以艺术学、教育学、评价学、音乐学等相关理论为基础，通过对中外音乐史中有关音乐表演美学思想的梳理以及对部分当代著名音乐家的访谈等，总结出音乐表演专业学业评价的目标、内容、方法、主体、标准、规则以及评价任务设计等理论框架，并借鉴“演出组评议模式”、“档案袋评价模式”以及“青歌赛式评价模式”，提出音乐表演专业入学考试、课程改革及教学改革中相应可操作的实践路径。该实践模式在小范围内进行了实施和验证，得到师生的一致认同。可以说，该著作不仅拓宽了学业评价的研究领域，促使学业评价理论深入与学科实践相结合，也对推进音乐表演专业课程与教学改革有良好的指导意义。
三、严谨的治学态度
作为一名优秀的大学教师，罗老师不断突破自身、积极进取。任教9年后，于2006年获得北京师范大学艺术与传媒学院硕士学位。为了在学术上获得更大的提高，罗老师在2009年毅然放下刚满三岁的宝贝女儿，脱产去陕西师范大学攻读课程与教学论专业博士学位。本来博士研究生修业年限为4年，但罗老师废寝忘食、刻苦攻读，用了三年的时间深入专研，发表了6篇以上的核心论文和10篇重要论文，成功申报了三项省级科研课题，超额完成目标任务和博士学位要求，这些都彰显出罗老师宽广的学术视野、深邃的学术眼光以及高深的学术造诣。通过罗老师对学业评价研究的历程，我们能够发现，一直从事钢琴演奏与教学及音乐教育学研究的她是一个非常细心且治学严谨的人。罗老师特别注重实践研究，在探究音乐表演专业学业评价存在的问题时，需要用到问卷调查，她运用社会学调查研究方法，根据实际情况和预测问卷，不辞辛苦的多次请教在校博导和统计专家，虚心接受意见并反复修正，力求客观的制定出一份表述确切、内容全面的学生学业评价现状调查问卷。问卷发放时，考虑到样本的均衡，罗老师抽取了全国不同类型的五所高校，分别是云南艺术学院、云南师范大学、云南民族大学、陕西师范大学、安徽师范大学，委托同行和朋友把问卷发到音乐表演专业学生的手中，在学生做完问卷之后再邮回给她，之后罗老师利用统计软件对获得的一手问卷资料作数据统计、整理和分析。学业评价是一个多目标、多因素的复杂评价体系，从评价目标的选择、评价标准的制定及评价任务的设计上，也能够看出罗老师严谨的治学态度。她根据个人经验法、专家咨询法、评价目标分析法，把先期提取出的音乐表演专业学业目标关键词和关键短语进行编码，制成专家调查问卷提交给专家筛选，回收问卷之后根据专家的意见修改学业目标，再把修改后的学业目标问卷再次提交给专家。反复多次以后，最终确定音乐表演专业学生学业评价目标：表演技能技巧、音乐表现力和临场表现水平。之后又运用肯德尔和谐系数对目标进行检验，所得结果成正相关。采用这样一轮轮的统计和方差检验，最终才能确保问卷的客观性及目标的科学性。难怪罗老师有时候开玩笑的说，除了做钢琴老师以外，她还可以教研究方法或者统计学概论等。正是这样对学术研究一丝不苟的严谨态度，罗宇佳老师的博士论文在2012年还获得了“陕师大优秀博士论文”。
四、丰富的文献资料
更加值得笔者敬佩的是本书丰富的文献资料。参考文献包括了国内外的相关研究著作几百本、若干篇期刊论文、博士论文及网络资料等。著作中除了中文以外，还有相当部分的外文原著（记得罗老师曾提起过她的德文资料都是朋友从国外寄回来给她，由于不懂德文，她还花高价请人专门帮她翻译）。罗老师在对中国古代音乐教育学业评价和中国传统乐论美学思想作梳理时还涉及到了古文，因此她也阅读了《淮南子・汜论训》《溪山琴况》《闲情偶寄》《乐律全书》《新书・傅职 ・辅佐》《吕氏春秋・古乐篇》等大量古文以及《中国古代音乐教育》《中国音乐美学思想史》《中国古代音乐美学》《中国古代教育史资料》《中国古代音乐史稿》《音乐教育史研究》《中国教育通史》等音乐史类、教育学类专著。对音乐表演专业学业评价理论做研究和阐释时，罗老师还从Dimensions for Music Education、The Philosophical Disenfranchisement of Art、New Philosophy of Music Education、Measurement and Evaluation of Musical Experiences、Foundations of Music Education等书中借鉴了西方学者的一些常用理论。除此之外，我们还可以看到罗老师在研究中涉猎到的大量书目《现代心理与教育统计学》《真理与方法》《国外后现代音乐》《情感艺术的美学历程》《安格尔论艺术》《美学史》《文艺对话集》《演奏艺术的心理生理学津要》《中国音乐文化大观》等等，这些都体现了罗老师开阔的视野和广博的知识面。另外本书的脚注也非常详实，书中一些专有名词在脚注中也都有明确的解释。例如本书第270页对即兴演奏做的详细解释；第79页学生问卷调查时对判断进行的解释等。这些脚注一方面方便读者复核原文，判断资料的可靠程度；另一方面也提供给读者一定的资料线索，为他们的继续研究奠定基础。此外论证是否严谨、论据是否充足，与作者对文献的掌握及分析也很有关系，应该说罗老师的著作在这些方面都下足了功夫。
五、恰当的研究方法
罗老师的专著吸取了多学科的研究方法。第一章中，研究采用历史法、文献法，对有关中外音乐表演专业学业评价历史文献的收集、整理以及分析后发现，由于古代音乐教育记谱法尚未出现，教学方式以口传心授为主，因而古代音乐教育学业评价常以师生之间“口试”的形式出现；后随着记谱法、宫廷音乐教育、学校音乐教育、教材、师生等诸多教学活动所需因素的确立，“学生弹唱、教师考核”的形式逐渐固定成音乐表演的考试形式沿用至今，其中技能技巧的掌握与否一直是音乐表演学业评价的主要核心内容与评价标准。
一、独立音乐学院的本科毕业管理体系特点
我国的独立音乐学院数量相对较少，九大音乐学院主要包括中央音乐学院、中国音乐学院、上海音乐学院、武汉音乐学院、四川音乐学院、沈阳音乐学院、星海音乐学院、西安音乐学院和天津音乐学院。这些学院所在地域几乎代表了中国大部分地区，根据他们本科毕业论文（设计）管理规定或本科毕业论文（设计）管理实施办法，独立音乐学院的管理模式具有以下特点：
（一）采用学院教务处和教学系二级管理模式。独立音乐学院在对待教务处和教学系分工时，责任非常明确：前者（教务处）“负责制订全院毕业设计（论文）的管理规定，统筹协调毕业设计（论文）工作，检查各系毕业设计（论文）工作实施情况并进行质量评价”；后者（各教学系系）“根据培养方案及学院毕业设计（论文）管理规定，制定本系《毕业设计（论文）工作的实施细则》，并成立以系主任为组长的系毕业设计（论文）工作领导小组，组织、实施毕业设计（论文）具体工作”。也就是说，教务处主要负责在于监督和协调，教学系则享有相对独立的实施和操作权限。
（二）学院教务处直接规定不同专业的学生毕业论文（设计）有效地类型。独立音乐学院由于专精于本专业，因此采用由学院直接规定不同专业和研究方向的学生的毕业论文类型。例如，中国音乐学院明确规定：“（一）音乐学专业包括论文等；（二）作曲与作曲技术理论专业包括作品和论文等；（三）音乐表演专业包括毕业音乐会及其设计报告。”
（三）工作程序明确具体。独立音乐学院在本科毕业论文（设计）的工作程序上非常严格，在时间安排上它们一般都精确到周，对每周应该完成的工作进行了细化，还指定了主要责任人和负责单位（科室）。独立音乐学院的本科论文的开题工作是作为本科论文写作的最重要环节进行。
（四）注意学院自身知识产权的保护。四川音乐学院等独立音乐学院的本科毕业论文（设计）管理实施办法都明文规定：“毕业论文（设计）和知识产权归学院所有，未经指导教师同意，学生不得将论文（设计）涉及的技术内容向外扩散，也不得将论文(设计)寄出发表。毕业论文（设计）结束后，所有的论文（设计）资料，应交回系（院）作为教学资料保存，学生不得自行带走”。
二、独立艺术学院中音乐院（系）的本科毕业管理体系特点
在我国独立的艺术学院中一般都设有音乐院(系)，它们相较于纯专业院校（独立音乐学院）在本科毕业管理上有注意兼顾艺术学科的总体特点。
（一）二级管理和三级管理并存。这些艺术学院里的音乐院系在各方面努力向独立音乐学院学习和靠拢，但模仿独立音乐学院的管理模式同时又有创新，表现为以二级管理模式为主有意识延伸第三级管理机构。例如南京艺术学院在管理上采用二级管理模式，但是《南京艺术学院关于本科生毕业论文、创作（设计、演出）的若干规定》中指出学院教务处和教学单位的职责的同时还明确规定了本科论文管理过程中“教学秘书日常教务工作”。而《吉林艺术学院本科学生毕业论文(学士学位论文)撰写及评审管理细则》和《吉林艺术学院本科学生毕业论文(学士学位论文)补充管理规定》则规定该学院执行三级管理模式，在学院和分院之下，指定系（实验室）作为最基础的管理和负责单位。
（二）二级院系决定对论文（设计）类型。由于艺术学院的相对综合性，下设二级学院的艺术特色区别较大，艺术学院的教务处往往不指定各专业的论文（设计）类型，而是由二级学院作为本科论文（设计）的主要制定单位。这是与独立音乐学院在二级管理模式上的最大区别。也就是说，在艺术学院的管理模式中，后者（二级学院）工作的具体性上更加拥有自主性，而前者（学院教务处）的监督和协调作用相对边缘化。
（三）工作程序相对明确。艺术学院中的音乐院系在本科毕业论文（设计）的工作程序上相对严格，在时间安排上参考时限相对宽松，但对每阶段应该完成的工作任然有明确的分工和进度要求，也指定了主要责任人和负责单位（科室）。但是本科论文的开题工作有的学院没有象独立音乐学院那样重视并专门安排，而是有二级学院自行安排处理。
（四）在知识产权方面，要求相对宽松并且非常注意学生论文（设计）的宣传。可能是艺术学院中音乐院系办学的目标更注重音乐表演，它们对学生作品的知识版权问题并没有过多明确的要求，也更注重这些作品的宣传和推介。吉林艺术学院规定：学生必须上交毕业论文复印件，毕业创作（设计、演出）文字说明材料两份，一份送教务处，一份由所在教学单位存档，其中被选为“优秀毕业论文”、“优秀毕业创作”、“优秀毕业演出者”还需另交一份给校档案室归档。对于特别优秀的毕业论文，各部门要积极向有关专业刊物推荐发表；特别优秀的创作（设计、演出）作品也要积极向外界宣传、推广。
三、综合类高校中的音乐院系本科毕业管理体系特点
自21世纪初本科扩招以来，各种综合类高校纷纷建立了音乐院系，由于这类音乐院系办学时间短，教学、教辅和管理都不到位，因此在制定音乐专业本科毕业管理体系和制度时表现为两个极端的特点。
（一）特点一——盲目模仿，死搬硬套。这类综合性高校中的音乐院系有的大兴拿来主义，把独立音乐学院或者独立艺术学院的管理模式照搬或者简单删减之后使用，这种现象在刚升格为本科的综合类高校中的音乐院系最为普遍。笔者走访了西南部分高校，了解了他们音乐院系本科毕业管理办法和规定的来源，发现它们大部分都抄袭、模仿或借鉴周边独立音乐学院或者独立艺术学院中的音乐院系的成熟做法。例如，四川部分综合类高校中的音乐院系的毕业管理办法和规定都以四川音乐学院的本科毕业管理体系为范本；云南的则以云南艺术学院的为基础。这些模仿专业音乐院校的现象，在有的高校是经过了再加工已逐渐显示出本学院的某些特色；有的高校则几乎没有什么改进，照搬痕迹极为明显。笔者收集到某新办高校的本科论文管理文件的电子版，点击它的属性，在该文档的属性摘要里赫然显示着东南某高校教务处的信息。由此可见，综合类高校特别是新办综合类高校中的音乐院系的本科毕业管理的盲目和缺乏思考。
（二）特点二——沿袭旧制，不加变通。在综合类高校中，有一些学校具有相对悠久的大学办学经历，积累了很好的本科论文管理传统，但是这类高校中的音乐院系或者其艺术学院中的音乐系尚处于刚起步阶段，于是就出现了该类高校中的音乐院系沿袭该校既有的本科论文管理体系的现象。由于这类高校原来可能是致力于理科、农业、科技等专业领域，在音乐学科并没能积累较为成熟的管理经验，而这些高校又不屑抄袭照搬其他学校的本科毕业管理模式，因此，此类高校中的音乐院系执行的本科毕业管理体系实际上是一个并不完全适用的体系。笔者在此类高校交流的过程中了解到，这类高校的音乐院系自建院以来从没有专门进行过本专业本科毕业管理体系的探究，完全依照该高校原有的毕业管理办法和制度进行管理。
综合类高校中音乐院系本科毕业管理体系在制定方面具有以上两个共性特点之外，它们的本科毕业管理体系有一个相对显著的特色——管理权和责任下放。例如《武汉大学本科生毕业论文（设计）工作管理办法（修订）》第三章毕业论文工作的组织第三条规定：“学院（系）是毕业论文工作组织和实施的主体，提倡各学院（系）分专业成立由系主任牵头的毕业论文课程组，开展毕业论文教学工作。毕业论文课程组主要负责提出本专业毕业论文课程的基本要求，落实毕业论文课程计划，指导教师的配备，毕业论文题目筛选，毕业论文指导，评阅，论文答辩，成绩评定，质量分析，推荐优秀论文等具体工作。”
关键词： 普通高等院校 音乐表演教师 专业发展
音乐表演教师是普通高校教师中一个特殊的专业群体，然而他们又是音乐院系中的绝大部分人群和保持音乐学科特色的中坚力量。他们在普通高校的体制内，抗争、屈服、适应、改变…相对于他们所做的积极的或消极的适应普通高校管理体制的改变，高校在管理方式与制度的变革方面总是难以完全适应艺术学科的特点，从而影响这部分教师群体的专业发展与职业规划。
一、音乐表演教师专业发展现状及特点
音乐表演与音乐理论、音乐创作、音乐应用等同属于音乐学下属专业，然而音乐理论、音乐创作、音乐应用（部分方向）其教学科研形式与一般文科类似，音乐应用中的另外一部分教学科研形式与理工科相通，唯独音乐表演专业非常独特，具体体现在以下三个方面。1.实践性强。音乐表演教师为了保持自己的专业水准，在其职业生涯中必须保持经常练习，并通过演出、比赛、大师班培训等实践形式来提升自己的音乐表演能力。此外，他们所培养的学生也必须通过艺术实践来展现和锻炼自己的音乐表演能力。从这点上来看，音乐表演教师的科研与教学成果更加广泛，应将重要演出、个人专场音乐会、个人专辑、比赛获奖等纳入考核范围并作为重要指标，在教学上，也应将其指导学生获奖、指导学生音乐会、指导学生参加重要演出等活动作为其教学成果。2.小规模师徒制授课方式。音乐表演在某种层面上是一种技术性学科，师生通过一对一或者小组形式的师徒制授课方式来学习声乐、键盘、器乐等技术学科。因此音乐表演学科在师生比和教学工作量的标准上与其他学科存在差别。3.音乐表演教师教学科研能力相对薄弱。音乐表演教师绝大部分来自专业音乐院校，培养模式与普通高校不同，重技艺轻文化，虽然这部分教师中不乏综合素质优秀者，但总体上来说，在教育理论、教育技术、教育技能、研究方法和研究能力等方面基础较为薄弱，需要学校和学院提供进一步的培训来帮助其提高。
音乐表演教师因其学科特殊性，在普通高校中处于弱势地位，主要体现在：1.教学工作量超负荷。由于师生比标准制定不合理，音乐表演教师往往承担着超负荷的工作量，以笔者所在学校为例，音乐表演教师平均每周小课课时量在20节左右，教师只能应付教学任务，没有时间和精力来进行艺术实践和科学研究。2.科研考核及职称评定方式不合理。成果认证中，重文论，轻实践，许多音乐表演教师为了晋升职称，不得不改行写论文或请人捉刀，不仅误导了专业建设导向，而且抄袭论文、等行为扰乱了学术风气。3.艺术学科在普通高校中处于发展劣势。艺术学科由于其专业特殊性，在学校一盘棋的考虑下往往是最后考虑和被迫放弃的棋子，其学科建设经费、学科建设平台受限，教师的发展机会也少于其他学科。4.音乐表演教师的职业停滞现象更为普遍和严重。由于艺术实践成果得不到重视，科研又不擅长，很多音乐表演教师在努力晋升高级职称后，就停止了努力，既不练琴、练声、参加演出，又不写论文，只应付规定的教学工作量，业余时间带家教，不追求更好的专业发展，脱离了高校发展的运行轨道。
二、教师的专业发展：内涵与特点①
在普通高校，音乐表演教师的角色一直游离在音乐表演者与音乐教育者之间，然而毫无疑问，高校音乐表演教师其清晰的职业角色应该是音乐教育者。音乐表演教师要对自己的职业有一个科学的专业发展定位，首先要理解作为一名教师，其专业发展的内涵与特点。
教师的专业发展是教师在岗的自我发展，包含了其在自身专业、教学科研技能等方面所进行的自主学习、反思和研究，从而在教学科研能力、经验和态度上成长的一种终身性动态过程。教师专业发展具有以下三个明显的特征：
1.教师专业发展是一个有意识的过程。在教师努力成为一个成熟的专业人员的过程中，教师对专业发展、专业角色的认识、对教育、对学校的理解及对所教学科、对学生成长与发展过程中的价值认识等不断深化。
2.教师专业发展是一个持续的过程。教育是一个动态的专业领域，其知识基础不断扩展。为了与新知识、新理念、新要求、新技能保持一致，教师在其专业生涯中要成为终身学习者，并不断分析、反思，持续探索、创新。
3.教师专业发展是一个系统的过程。不仅要考虑长期的变化，还要考虑组织的各个层次。如果没有一个系统的策略，组织变量就可能会影响个体的努力。
音乐表演教师在入职初期，学校和学院应通过相关培训，帮助其清晰定位，规划专业发展路径，教师在职业生涯中通过持续的专业学习和对教学实践的反思，调整和拓宽自己的专业发展道路。在这个发展过程中，学校和学院应建立相关制度和政策保障。
三、音乐表演教师的专业发展要素：组织、团体与个人
1.组织
组织主要指各层次教育管理部门，包括教育机关、高校、院系和专家组等。由于音乐学科长期置于文学门类之下，因此一直采用文科的评价与管理方式。2011年，教育部对现有的学科门类与专业分类进行了调整，艺术学成为一个独立的学科门类，音乐与舞蹈学成为五个艺术学一级学科之一。这就为音乐学科的独立发展、评估创造了有利条件。教育部门在学科专家的主导下，已经对学科、学位点建设的指标进行了调整，学校管理部门也应该在尊重艺术学科发展规律的前提下，研究艺术学科管理特点，改革教学管理、科研评价、职称评定等管理制度，为艺术专业教师提供良好的教学科研条件，促进其更好地发展。为了促进音乐表演教师的可持续发展，学校和学院应根据每位教师的具体情况，为其提供培训机会，包括入职培训、教育技能培训、大师班、专业进修班、学历教育、出国访学进修等。
2.团体
“因为我们行为模式所特有的惰性，有时我们很难对自己的行为形成一种批判的眼光，也正是如此，发生在一个合作的环境里的互动在很大程度上能够使其更好地学习。（Osterman，1993）一个优秀的团体可以帮助个人专业发展，优秀教学团队、科研创新团队等形式以骨干教师带动其他专业教师共同发展，往往在某个专业和研究领域容易取得突出成果，占领制高点，教师可以站在更好的平台上提升自己，获得更多的机会。
音乐表演教师还可以加入某些适合自己的科研团队，如器乐老师加入地方音乐文化遗产保护的课题，这个团队中可以有理论研究、作曲和表演的教师，大家各司其职，表演教师可以负责舞台呈现部分的应用研究。科研团队经常交流合作，表演教师可以通过这些机会拓展视野，学习音乐研究的方法，拓宽专业发展道路，有很多民族音乐学的研究者都来自音乐表演教师队伍。
3.个人
音乐表演教师首先要改变观念，加强对普通高校办学理念的理解与认识，坚持学习新的知识和技能，主动更新教育观念、知识结构和能力结构，适应教育发展的需要。要培养良好的自我发展意识，这是教师多元化发展的内在驱动力，促使教师不断学习、积累、总结、反思、实践，开拓进取，形成高度的职业责任感，把教育当做自己的事业，实现敬业到精业的突破。
音乐表演教师要坚持专业训练、参加大师培训班、经常阅读与专业和教学有关理论和实践的新书、定期浏览学术期刊、留意该领域的发展动向、反思教学、尝试撰写学术论文等。
音乐表演教师要勤于总结、善于反思。教师要有成果意识，把需要总结与地方写出来形成文字，并在此基础上进行归纳、提升和再创造，不仅有助于提升自己的教育教学能力，而且锻炼了从事教学科研的能力。通过反思，教师要依据具体情况随时调整自己的教育策略甚至改变自己的教育行为，并且不断调整和修正自己的个人教育观念使之日趋合理化。在反思过程中，找到自己的发展立足点，明确发展的方向和领域，根据学校和院系的总体规划及个人实际情况，确立切实可行的发展目标，通过规划促进个人成长。
注释：
①连榕主编.教师专业发展.高等教育出版社，2007：7-8.
参考文献：
[1]教育部师范教育司组织编写.教师专业化的理论与实践.人民教育出版社，2003.
[2]鲁子问，靖国平主编.新教师成长中的困惑与解读.东北师范大学出版社，2011.
想象在声乐表演中的重要性，国内外许多声乐研究学者早就注意到了且1直都在研究。在声乐表演中，想象是作为1种心理要素贯穿其中的。在电影、广告、绘画等艺术领域都离不开想象，可以说没想象就没艺术，没艺术也就没艺术也就没声乐表演。演唱中，不论在“唱”中还是“演”中，想象都有着重要的作用。要想作为1名好的声乐表演者，除了有灵活的技巧和美妙的发声，还1定要有高超的表演，以情带声。声乐表演中无论歌剧还是音乐会演唱，它们的本质和核心都是1个“演”字。唱的人这怎样进入角色和场景，就关键在于想象。所以，也只有演唱者本身运用了想象，发挥了想象才能让观众进入演唱者的角色与内心、情感和特定场景，与演唱者达到共识，这也是论文的创新之处。
关键词：想象；演唱；声乐；表演；重要性
ABSTRACT
(赤峰学院音乐学院，内蒙古赤峰024000)
【摘要】随着时代的发展与社会的进步，近几十年来我国小提琴艺术也得到了一定程度的发展。在近三十年的时间里，共有近三百余篇论文在我国《上海音乐学院学报》等集中核心音乐期刊上得以发表，这标志着我国在小提琴艺术领域探索的层次与范围都在不断扩大，我国小提琴艺术事业相比于改革开放初期已经有了很大的进步，并逐步迈入快速发展时期。但是由于我国小提琴艺术的理论研究起步较晚，所以此方面还存在很多不完善的地方，相对于小提琴教学与演奏较为落后。在我国小提琴艺术发展的历程中，因为对相关作品产生的背景以及相应历史情况的重视程度较低，这造成了我国在小提琴作品理论研究较为落后，对我国小提琴艺术的整体发展造成了一定的影响。
【关键词】小提琴；艺术理论；改革开放；教学；演奏
20世纪80年代初，当中国小提琴家胡坤首次在西贝柳斯国际小提琴比赛中获奖时，给世人造成了极大的震惊，因为这是中国小提琴家第一次在世界级的小提琴比赛中获奖，与此同时，虽然这个成果令世人感到无比震撼，但是大多数人还是认为这是极其偶然的现象。不过自从胡坤作为国人的代表首次在世界级小提琴比赛中获奖，中国小提琴艺术家们接连在国际小提琴比赛中获奖达几十次之多，这样的结果让整个世界都为之震惊，这也开启了我国小提琴艺术家们走出国门的道路。今天当我们坐在家里听到电视里说中国小提琴家在某国际比赛中获奖，除了发白内心的喜悦之情，已然没有了惊喜与激动。这就是中国小提琴艺术发展的结果。虽然我们现在不能说我们在小提琴艺术领域有多么显著的成绩，但是我们也不会让世界上任何一个国家所看轻，因为我们的成绩就摆在那里，没有人可以否认。我国的小提琴艺术之所以可以取得这么好的成绩，这都是随着改革开放的逐渐深入，使得我国的经济得到迅猛的发展、人民生活水平逐步的提高，使得越来越多的人民群众已经开始追求精神层面的满足，结合我国小提琴艺术与国外先进技术与理念的结合，促使了我国小提琴艺术事业的飞速发展，并涌现出多位著名的小提琴家。下面作者根据自身多年的工作经验对中国近三十年来的小提琴艺术理论予以简要叙述。
一、中国小提琴艺术发展现状
随着与国外交流的逐步增加以及我国音乐工作几十年来的努力，我国小提琴教育家对世界小提琴艺术有了更为深入的了解的同时，也熟知了西方小提琴演奏的相关训练方式，并且在实际的运用中有良好的效果。中国也被世界著名的小提琴教授称为是世界级的小提琴学校。随着小提琴艺术在中国的不断发展，在学习、参考国际小提琴艺术所取得的成果的同时，正在逐步形成具有中国特色的东方小提琴艺术。就目前我国的小提琴艺术来讲，其主要由中方与西方两种音乐所组成，主要包含了小提琴教学、表演以及研究等诸多方面。由于我国小提琴研究的特殊性，其研究范围包括中外多种音乐知识，是一个涵盖多学科的综合性研究。在最近几年，由于中国音乐行业的不断发展，使得中国的音乐水准也达到了一个新的高度，同时对小提琴艺术的研究也达到了鼎盛。
二、1978～2008年三十年间小提琴艺术论文概况
根据相关统计数据表明，在这三十年间，共有358篇涉及小提琴艺术方面的论文在7本核心音乐期刊上发表：(1)有140余篇论文是涉及演奏会、艺术成就等方面的，在这其中就有40余篇是与马思聪相关的，体现了他对中国小提琴艺术事业以及中国音乐事业做出的不可磨灭的贡献；(2)有近80篇论文是涉及小提琴教学以及相关的演奏理论的，其中有6篇论文主要讲述了冠军教授——林耀基所创立的林氏教学法，并对此教学法进行了细致的剖析；(3)有60余篇论文是涉及到小提琴音乐作品方面的，在这其中绝大部分都是对马思聪的相关音乐创作进行研究；(4)有30余篇是涉及到小提琴比赛的，并且大多数是介绍或专访国际小提琴大赛参赛者与获奖者的。
三、对三十年来中国小提琴艺术理论研究缺失的思考
与三十年前相比，中国小提琴艺术理论研究取得了长足进展，但与此同时，这三十年间也还存在着不小的、值得重视的缺失。与飞速发展的中国小提琴艺术实践相比，中国小提琴艺术理论研究整体处于滞后状态。这表现为：一方面，有许多成功的实践还未上升为理论，存在着理论落后于实践的空白区；另一方面，已有的理论研究没有充分发挥出其应有的前瞻性、科学性作用，缺乏对零散化知识的有效整合。在中国小提琴演奏技术堪称世界一流的今天，仍有种种技巧、内容、形式、艺术等方面的关系和问题，没有得到真正深入的研究，例如：林耀基等重要教育家怎样充分运用艺术规律、针对不同特点的学生因材施教的教学技巧；中国演奏家演绎西方乐曲时的文化、审美基点；关于专业演奏家、业余爱好者及介于两者之间的各类音乐教育的培养理念问题；在中国小提琴曲创作中，如何将西方作曲技法与中国民族风格更好地统一的问题等等。这里面，既有关乎中国小提琴艺术发展方略性的问题，也有侧重于实践操作的技术性难题。音乐理论从来不以自身的发展为其目的，而是应当在演奏、作曲等音乐活动之间铺路搭桥，起到纽带的作用。音乐表演、教学、创作的实践始终处于不断变化之中，对艺术的思维研究也是一样不断发展更迭。我们需要建立高瞻远瞩、正确客观的音乐艺术思维方式，以完备的理论体系支持和应对动态展开的、丰富多样的音乐实践的飞速发展。已有的小提琴艺术理论研究与实践相脱节的危机关系，其原因一是在于不大受实践者重视；二是理论研究本身没有发挥出其充分有效的作用，干预音乐实践的精神不足。
四、结语
从改革开放以来，我国的小提琴艺术事业发展取得了显著的成绩，并得到了国内外权威人士的一致认可，这与改革开放初期阶段形成了鲜明对比。但是南于我国小提琴艺术发展起步较晚，在小提琴理论研究方面仍有极大的发展空间，需要相关音乐工作人员进行进一步完善。在小提琴艺术发展的过程中，将会不断接受新的挑战，要使小提琴艺术在挑战中发展、在挑战中完善。多年以来，我国小提琴艺术一直希望可以向具有中国特色的小提琴艺术方面发展，虽然我国小提琴艺术起步晚，但是凭借着音乐工作者对小提琴事业执着认真的态度，必定可以将中国特色的文化与音乐融入到小提琴艺术中，从而形成具有中国特色的小提琴艺术学派。
