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包装艺术论文赏析八篇

发布时间:2023-03-23 15:13:02

序言:写作是分享个人见解和探索未知领域的桥梁,我们为您精选了8篇的包装艺术论文样本,期待这些样本能够为您提供丰富的参考和启发,请尽情阅读。

包装艺术论文

第1篇

(一)对比与调和

汉字结构包含着对比与变化,二者相互调和构成汉字的整体感。我国古代汉字在线的对比应用上非常成功。通过线条横竖、虚实、曲直、长短的对比,碰撞出形式多样的装饰变化。大多数汉字都同时采用曲、直、方、圆的线条进行连接和点缀。具体而言,曲线条为动,直线条为静,曲、直线条相互交错,动静结合,共同组成汉字结构。比如,小篆体“元”字,曲线与直线相互交错,产生了动与静的强烈对比之美,既把汉字的生动与活波跃然于纸上,又彰显了汉字的整体性,充分体现了我国汉字优美、稳重、活泼、生动的特性。汉字结构动静结合、韵律优美、节奏分明的美学特征恰好是现代包装艺术所追求的对比、调和的形式美。现代包装设计要求设计不仅要充满生动性,还要具有一定的对比性。比如冷、暖色彩的对比,空间远、近的对比,数量多、少的对比等。然后,通过调和、均衡、比例等相关形式与法则,让这些不同且充满矛盾的元素具有秩序性,从而让这些矛盾得以化解和调和。这种对比与调和的形式美在现代包装设计中的应用十分广泛,如“洁诺”牙膏、百事可乐外包装等。

(二)对称与均衡

对称在汉字中比较常见,它是指汉字结构中有中心轴,各种不同笔画从中心轴两侧以相同的力量往外延。这种汉字具有很强的稳定性,往往能给人以和谐、匀称的整体美感,同时局部充满着延伸的动态美。比如,“亚”“米”“田”“土”等。同时,汉字中还存在均衡的现象。汉字偏旁部首的搭配力求匀称与平衡,强调汉字任何一个组成部分都应该做到错落有致,疏密适宜,从而使整个汉字结构均匀、合理。比如“钓”字,左边偏旁的笔画明显比右边的“勺”字多,但是“勺”字中间的一点正好弥补了右边部分的空缺,使得“钓”字看起来均匀、合理,不失均衡之美。对称与均衡在现代包装设计中的应用屡见不鲜,特别是中国传统包装对稳定、对称的造型可谓是钟爱有加。比如,象征着成双成对的“囍”字图案,象征着爱心的心形图案等。

(三)节奏与韵律

节奏韵律美的出现大多具有一定的规律性和条理性,变化也具有一定的秩序。它能显著提高人们的视觉印象,更加完整的呈现出形式内容的整体性与统一性,从而使人们获得最佳的视觉感受。汉字结构通过线条重复、扭曲等形式来展现节奏与律动美。比如,“水”的小篆体通过简单的形态线条,充分展示出了水的流动特征。同时,还能给人们带来视觉上的美感,使人心情愉悦。在现代包装设计讲究设计要素有规律、有条理、有秩序的变化,使设计整体充满节奏感和韵律感。比如,“可口可乐”的外包装就很好的把握了节奏与韵律美,通过流畅的线条,带给人们流动和柔美的视觉感受,充满着强烈的节奏感和韵律美,吸引着人们的注意力。

二、包装设计中意象与汉字的意象性特征

(一)汉字中的意象

汉字的构形美是中国特色之美。甲骨文是汉字的原始形态,它忽略客观事物的真实视觉和自然属性,强调人对客观事物本质属性所产生的反映,也就是“意象”。比如“间”字,许慎在《说文解字》中将其阐述为“从门从月”。具体来说就是夜晚的时候,之所以关上门仍然能看到月光是因为门有间隙的原因。他巧妙的用月光来突出门的间隙。这样让人看到“间”字的时候就仿佛让人置身于这安静、祥和而充满诗意的夜晚。再如,甲骨文中的“马”字,其造型彰显了马善于奔跑的个性。与此同时,对于马颈部鬃毛的表现,无疑是对马鬃毛飞扬情态的特写和刻画。通过鬃毛飞扬的特写来表现骏马急速飞驰可谓是巧夺天空,相当传神。

(二)包装设计中的意象

我国的礼品包装设计成功借鉴了汉字结构,不采用张扬、华丽的设计风格,而是主张融入含蓄的审美理念,给人以无穷的意境。如:梁廷楠在《曲话》中所说:“情在意中,意在言外,含蓄不尽,斯为妙谛”。现代包装设计通过自身的形式美和文化内涵传递给人们一种或静、或虚、或浪漫、或随意、或流动不拘的意境。这些意境具有显著的和谐性、自然性和一致性,充满了浓郁的东方美。中国月饼包装可谓是意象应用的典范。简单素雅的包装盒,配上唐大诗人张九龄《望月怀古》中的佳句“海上生明月,天涯共此时”,便能成功勾起无数游子寄月相思的思念与情怀,不仅有效传递了产品的理念与宗旨,而且能让人思绪万千,回味无穷。另外,我国大多茶叶包装也能很好的抓住意象的精髓。比如一杯简单而纯净的茶水配以空旷、悠远的山水画,就能让人感受到我国茶文化清、雅、静、和,从而获得精神上享受、洗礼与升华。

三、结语

第2篇

图形运用的探讨

图形在包装设计中有几个类别的图形,广义上划分主要有:写实类、非写实类之分。狭义上来划分,写实类图形包括山水、动物、植物、人物等。写实类图形主要是指强调再现性、给人以真实感的图形。这类图形大家都能看得见摸得着,只是大家在平时很少关注罢了,其实这些图形稍加艺术化处理就能运用在我们的包装设计中了,而且这些图形往往在专业公司主要是通过摄影、绘画和现成的图库来实现的。比如手机包装很多就是这样。非写实类图形包括归纳图形、意象图形、抽象图形等。归纳图形是指强调复杂对象简单化,运用概括简化手段进行图形处理,达到典型明快鲜明的装饰性特征的这类图形,这类图形往往会结合三大构成知识,图案表现技法来完成;意象图形是指通过写意寓意手法表现图形,可以夸张比喻象征,达到“似与不似之间”的印象;抽象图形是指以抽象的点线面来表现的图形。这三个类别的图形和写实类图形差别很大,所以说一般情况下不是写实类的图形就只能是这三个类别的图形,而且这样的图形往往在包装的概念设计中非常广泛。

图形在包装平面展开图上主要通过什么方式来体现包装商品的属性呢?我觉得总结下来主要有以下几点:商品再现、商品联想、品牌或者商标做图形、商品烘托、商品用法。商品再现即:以商品内容为主体形象,通常是写实性图形出现在包装盒上边,给人以深刻印象很容易知道内装什么东西;商品联想即:从包装盒上边的一个图形或者多个图形可以产生联想猜测到内装物的特点和形态,也可能这个图形跟内装物突然一看好像没什么关系,但可以估计联想到内装物是什么;商品的象征即:利用商品包装盒所散发的气味色彩等提示性、暗示性信息,可以要消费者一看就估计到内装物是什么,有时候也可以利用品牌商标做包装盒表面图形,即利用品牌或者商标来使消费者看出内装物是什么;商品烘托即:利用商品的对立面图形来衬托,使消费者知道内装物特点;商品用法即:对于消费者不太熟悉的包装商品,大多可以运用图形来解说商品的使用方法,这样消费者就知道内装物是什么了。

另外,包装设计图形在运用的时候,我们该怎么选择运用呢?大致有以下几点:注意图形选用要紧密结合内装物的特点和属性来考虑设计,不能适得其反否则会造成歧义甚至误解;注意包装盒选用图形要结合消费者的年龄性别受教育的程度来综合考虑,不同职业性别年龄段的消费群体对包装图形的兴趣点会不同的,所以大家做图形设计运用一定要重视;注意图形分主次,考虑整体包装平面展开图的整体排版需要,主体图形要醒目,占据画面的很大比例,直接决定包装设计的属性,非主体图形服务主体图形,充实丰富画面。当然,图形还要注意简洁,言简意赅,诚实守信,个性十足,符合主题等等都要重视。这些就是大家再运用图形的时候务必要把握的细节。

色彩的使用问题

色彩作为视觉传达设计的三个基本要素之一,尤其对包装来说,它的地位和图形文字一样占有很重要的分量。色彩对包装而言在市场上对消费者来讲视觉冲击力最强,相比图形文字而言,而且随着距离的远近,时间的长短会出现不同的变化。所以说色彩影响到消费者的购买力和产品的市场占有率。

在包装设计中,色彩的运用要考虑色彩的功能性。色彩的功能有以下几种:宣传商品,吸引消费者注意力,包装色彩要符合商品本身特点,迅速抓住消费者眼球;促进商品销售,主要涉及色彩的心理感觉,通过这个途径使消费者很快知道产品是什么,物有所值,加快商品的销售;识别记忆功能,消费者的注意分为有意注意和无意注意,消费者初次接触商品对商品的包装是无意注意,通过购买后观察使用过程就会产生有意注意。所以,商品包装的色彩运用要结合商品有清晰的色彩心理感觉,有较强的色彩记忆功能,加快商品的销售和产品的流通速度;定价分档功能,不同的色彩使用在包装盒上边,可以代表不同的商品价值,乃至影响商家的定价,同时也可以影响消费者的购买力,进而影响产品的销售;消费者信任感的建立,可以运用合适的色彩,使商品以及包装的可靠质量传达给消费者,使消费者加深对产品质量的的信任;扩大商品知名度,树立企业形象可以使用正确恰当的色彩,使产品的特点体现出来,夸张美化商品,提升产品的知名度。

比如可口可乐包装的红色就很典型。包装设计色彩的感情要考虑什么呢?主要就是要注意色彩的很多视觉感受,主要就是冷暖感、轻重感、距离感、味觉感、华贵质朴感。这个东西需要大家平时多积累、多观察、多比较、多感受就能有所体会。另外,大家注意色彩的这些感情都是相对的,要有相对的参照物才会通过对比产生各种各样的视觉感情差别。

色彩对消费者会产生强烈的的心里反应,使消费者一看就会产生相应的联想,所以,我们在运用色彩的时候要考虑这一点—即色彩对于消费者的习惯性问题。

根据色彩的运用习惯,做包装设计我们大致可以分为下面几个类别:①副食品类:常用鲜明轻快的色彩。比如红黄橙代表甜美、芳香、新鲜等;蓝白色代表卫生清洁凉爽等;古朴庄重的复色代表历史悠久如酒的包装设计常用(体现酒的醇香),这些色彩的运用大多对消费者的食欲有很大的影响;②化妆品类:深暗色的运用多运用在男士化妆品包装盒上边代表庄重绅士风度;淡雅柔和的颜色多运用在女士化妆品包装盒上边如淡淡的桃红粉红、玫瑰红等代表芳香;而紫色、珍珠白,米色等色彩的运用代表女士化妆品的高贵典雅。③儿童用品类:常用鲜艳夺目的纯颜色或者对比强烈的色彩来代表儿童的活泼可爱生动等特质。④医药品类:常用明确的冷暖色块来代表药品的性质,如:红色黄色橙色暖颜色代表滋补养身、营养、兴奋等感觉;蓝色代表消炎退热;绿色、冷灰色表示宁静、止疼镇静;黑色代表消毒;红黑色块代表剧烈药物或者剧毒药物等。⑤纺织品类:常用黑白灰颜色的层次关系,在对比中求调和,画面和谐统一。如女性纺织用品多运用鲜艳艳丽优雅的颜色。除此之外,色彩的运用在包装设计上还要注意色调的把握和对比与调和以及节奏。色调就是整体画面要有色彩基调,对比主要把握色彩的明度对比冷暖对比纯度对比等,对比的同时还要注意把握好色彩运用的节奏和整体画面的协调(调和),做到这些,我想色彩的运用在包装设计上应该也不是大问题。

文字的运用

文字的运用相对图形色彩来讲就简单多了,在这里我们不能不感谢方正集团提供了那么多的字库,加上软件技术的日新月异,文字的运用困局也越来越容易解决。但我们也不能对文字掉以轻心。因为在包装设计中文字的运用,还是要注意一些细节的,比如在包装平面展开图中文字的运用要有主次之分,也就说那么多的文字在主展示面上有主体文字,还有非主体文字,在次展示面非主体文字也少不了的。有的主展示面主体文字为了时尚好看,还必须进行字体设计,甚至是亲手书写,比如书法题字等。仅仅运用字库那是不行的。所以说,文字在包装设计中要想运用的好也是我们面临的一件大事。

学好三大视觉元素的运用,需要大家在平时能够把文字和前面的图形色彩的运用整体结合起来综合创意。另外,还要靠大家平时的积淀,刻苦钻研基础性专业课程的研究训练和创性训练。因为三大视觉元素之间是相互联系统一的,而且贯穿于各门基础性课程当中,比如图形创意、三大构成、字体与版式设计等等,所以不能分割开来单独思考。加强课程之间的衔接,融会贯通,综合运用于包装设计当中,是我们学好三大视觉元素在包装设计中运用的唯一出路。

第3篇

本课程在整个教学过程中围绕着“传统工艺+当代审美+地域特色+材料创新”的思路,一方面从纵向着重传统材料工艺的传承与发展,强化传统视觉元素的提取与优化;另一方面更从横向的拓展其与社会相结合而产生具有现代装饰意味的新包装形式,通过高校课程的参与,为传统民间艺术提供再发展的切实条件,以保持其“生产性”或“实践性”,而不是将其“表演化”。

1.1工艺美的运用

民间艺术制作带有较强的感彩和经验性程式化造型特点,制造环境被限制在小农业与手工业相结合的自然经济条件下,创立了“就材加工、量材为用、物化创造“的民间造物原则。中国民间艺术强调人与自然的共存与统一,从加工工艺和材质上都是根据劳动人民自己的需求,从大自然从取材,对自然物质进行简单或复杂的加工利用,进行设计和创造的。

1.2地域生活美的再现

民间艺术作为一种文化创造,与生活接近、重合的本元性质决定了民间艺术造物与生活的关系。广大劳动人民从生活的土壤里吸取艺术形式,使民间艺术造型更完善、更具有浓厚的生活气息。它表现在现代包装设计中,通过提炼这种传统民间艺术风格的元素、合理地运用到形式美法则中,具体表现为在合乎主题的基础上达到深化和凸显的作用。我国南方的民间剪纸工艺与地域特征相结合,运用现代审美、以及图形正负形重组的现代表现手法,加强包装装饰效果。在表现上突出南方古代的雕镂工艺、南方民族服饰民俗、游灯观灯习俗的特点。现代剪纸保留了传统的技法、纹样、审美,又借助现代艺术与设计的某些表现形式与观念进行阐释创作。将现代剪纸应用在包装设计中,打破以往剪纸作品展览只局限于作品的平面展示,使剪纸艺术变成了三维的立体形象,它增加了剪纸的信息传递功能,对静态的平面剪纸结合三维的艺术展示有益的尝试,让剪纸真实地走入生活,进入市场。年画作为特有的地域民间艺术形式,它追求物象本身的结构,对线条做概括表现,具有强烈的装饰美感,能够很协调的运用到包装设计中。茶叶包装运用民间年画的表现方法,将茶农耕种、采茶、晒茶、炒茶等制茶过程表现出来。在视觉上即保存了年画的“版”、“线”特征,又结合现代UV印刷技术,很好的以传统民间文化作为资源向现代艺术设计转化。

1.3地域纯朴美的体现

民间艺术中的质朴,即本色、本质的淳朴与率真。从民间艺术品的材料选择来看,多是随处可见的自然物质,如麻、土、木、石、棉、棕、竹、草等,外表看来质朴,但在创制的过程中包含了民众对材料的认识和开发利用。一套“文房四宝”包装,利用四君子之一“竹“子材料进行开发。制成的作品总体上体现出竹子自身的肌理、质地、纹饰、光泽、硬度等自然形态的特征,使主观创作意图与材料自然形态完美的结合在一起。

1.4情感美的流露

民间艺术的色彩、图案纹样,造型题材都与人们的观念情感相关联,反映了社会、自然与人类的联系,具有超出感性形象本来寓意之外的内涵。其寓意象征性的感性形象具有一定的传承性、延续性和集体性,得到了民众的集体认同。运用了广西壮族绣球中”并蒂花图案“,将代表爱情信物的绣球和绣花鞋联系在一起,依附壮族的”花婆信仰“,相信万物生灵信仰的延伸。从绣球的形和图案上进行创新,寻找新的形式,表达出”爱之花,情之果“的情感内涵。这里的图案将作为一种图形化语言,作为一种载体符号,表达一个地域、一个民族所共同认同,是真实情感的流露。

2.结论

第4篇

一个苹果引发了一场别开生面的水墨画展。

2008年9月,80后画家孙浩到798艺术区的珊和羽画廊参观一个画展,开幕酒会备有苹果酬宾,但没人好意思吃。高大俊朗的孙浩抄起一个啃将起来,画廊总裁张珊宁看得一乐,热情爽朗的她也如法炮制,两道清脆的咀嚼声无邪地在端庄的会场里此起彼伏,两个性情中人因此结缘。

孙浩正和他的朋友们筹备一场画展。2008年金秋11月,国槐如伞,把“珊和羽”的红砖小院映衬得分外雅致,“跨界――当代水墨七人联展”吸引人们把目光投向宁静多时的水墨画坛,7位画家用独特的笔法、迥异的面目重新演绎传统水墨画,业界惊呼这是“放肆的水墨,大胆的跨界”。

参展的7位画家,1980年生的孙浩最小,其余都是70后,青春无敌、朝气逼人。他们都有着长期正统的中国画训练背景,曾经或正在攻读中央美术学院国画系的研究生,阴树雨还是在读的国画博士。虽同属科班出身,但都选择了各不相同的水墨画变革之路。

这七人的作品,烙上了鲜明的个性风采,或精致唯美、或直白放肆、或抽象深刻、或幽默俏皮。早在三年前,台湾地产大享山艺术基金会董事长林明哲已斥重金收藏过其中孙浩、吴雪莲的多幅作品。3年过去,这批年轻画家在艺术上的突破,再一次让林明哲惊叹,台湾山艺术基金会已着手为孙浩筹办个展。而嘉德拍卖公司也紧锣密鼓为七人举办专题拍卖会。

水墨圈的“螺彝者”

作为资深策展人,张珊宁毫不讳言自己“阅画无数,都有些审美疲劳了”。但当2008年9月她第一次走进孙浩的工作室时,只觉得眼睛一亮,“那幅红色的《粉丝》一下子抓住了我的视线。还有一幅《青》看到青花瓷色的人们在飞翔。虽阅画无数,但我没见过这样的画,给我一种挺撞击的感觉。他从小学画,基本功非常扎实,灵魂很干净、高远,画法形式不拘泥。”

“我又从电脑里看了一下其他六人的画作,各有震撼之处。他们从年初就开始筹划七人联展,也谈过不少画廊,孙浩对我感慨:没想到在北京找家画廊作中国画展很难。规矩很多。有的画廊对于画作的市场价值要求苛刻,有的画廊只愿接其中部分人的部分作品,不可能让艺术家充分表达自己的想法,但孙浩他们坚持要七人联展。而珊和羽的政策就是自由,给画家自由生长的空间。于是我对他说:其他人的画室我就不去了,画我也不挑了,选择什么样的画、以什么方式展出,你们自己定。”

在珊和羽画廊亮相的联展,七人都是完全不同的风格,形成鲜明对比。其中李飒和阴树雨的作品位列同一展厅’李飒的《残花图卷》等,是仿山人、徐滑等传统花鸟画家的笔意和构图,用现代的抽象符号重新演绎水墨经典,画面抽象而充满视觉张力:阴树雨的《豆畦香满过春期》等,在外行眼里无疑是最正统的技法,画面具像,但空灵、清雅,有种说不出来的美。

湘潭小子谭军,从中央美院研究生毕业,当过教员的他如今是自由画家,2008年先后在京、沪举办过多场展览,在先锋画家圈已颇具影响力。他展出的《执迷》、《逍遥》等画作,似乎用老庄等中国古代哲学思索当今商业社会中人们的心灵出口。

眉目炯炯的杜小同是陕西关中大汉,展出画作大都是变形的人像。评论界认为他近期作品一类是“枯木浓血式”,让人联想到苍凉岁月、血祭,死亡等,有种直面干尸或凌迟的现场体验,另一类是高士系列,似乎与他最近苦练古琴有关,灵魂悲苦,压抑之中,表现出荡气回肠的坚韧力量和人性光芒。

杜小同1999年从中央美院国画系水墨人物画室本科毕业后,在烟台鲁东大学美术系数国画。目前是中央美院中国画学院的在读研究生,导师唐勇力教授。虽然举办或参加过多次先锋艺术展览,“但我对于美协举办的画展活动一次未参加过,既不引以为荣,也不引以为耻。”

七人中唯一的女性吴雪莲,用绢、水墨、色粉笔、碳条等,勾勒出不同意境的人体,或变形的人体局部残片,画中一种缓慢的、如歌般的气氛,让读画人随之放慢自己的节奏……

王剑的画则几乎全是灰、黑两色,十分抽象,其《等边三角形的坚决立场》可让人浮想连翩,又似乎什么具体内容都没有。他还通过拍摄马路旁的水沟、废墟的对角线,并把不同角度的几何图像叠加,营造“俯拍城市”的意境。画配诗也是他的一大特色,但他写的诗句也是半哲理半朦胧。抽象无比。

“我们七人都知道自己在做什么事,也大概知道别人在做什么,我们思路理得挺清的。西方当代艺术已经很多元化了,中国当代艺术的多元化还远不够。好比大街上突然跑过来一个裸奔的人。大家很惊诧,紧接着又跑过一个穿裤衩的,大家就感到没什么了。我们这七人,就想做水墨画坛上的裸奔者。通过我们的努力,或许能给其他人的摸索当个探路先锋。”

闭关三年

孙浩是一个快乐的人,画画和踢球都是最爱,朋友众多,没心没肺的程度,挺像古龙小说《欢乐英雄》中的郭大路。

他老家山东临沂,是书圣王羲之、书法家颜真卿的故乡,当地民风似乎也沾染了浓厚的水墨气韵。其爷爷、姥爷、父亲都酷爱书法并小有名气,孙浩三岁开始握毛笔习字,自幼接受严格的国画训练,并顺利获得鲁迅美术学院中国画系人物画专业本科学位。

鲁美对于传统十分尊崇,四年本科学习,使他对于传统水墨画的范式有了全面了解,毕业作品在全国首届美术院校学生联展中,成为国画方面唯一的获奖者。随后他来到北京,成为中央美术学院中国画系胡伟教授的材料与表现工作室研究生。

“胡伟教授是中国画专业第一个博士,1988年公派留学日本东京艺术大学,其工作室主要对中国古代绘画的材料和绘制过程深入考察研究。思路非常开阔,鼓励学生创新。他对我的教学是点拨式的,顺应我的个性、画法和我的追求,在我探索绘画的道路上,他是推动力,他把方向盘交到我自己的手里。”

2005年孙浩研究生毕业时参加了成都艺术双年展。闭幕后去九寨沟游览的车上,通过手机短信几番来回,台湾山艺术基金会最终以10万元人民币的价格收藏其参展作品《蔓延》,成为那届参展新人最大的单笔交易。该基金会董事长林明哲是高雄地产第一人,上世纪80年代中期开始到大陆收购艺术品,对收藏投资有敏锐的判断,林明哲断定孙浩的作品将有很大的升值空间。山艺术基金会一口气收藏了孙浩11件作品。当时对孙浩抛橄榄枝的,还有香港前特首董建华之妹董建平等收藏家。

当年的中央美院毕业作品展上,他的

作品也获金奖。他到北京印刷学院谋得一份教职,教综合材料艺术,课余像海绵吸水般读书、作画。“3年前我才25岁,作品还不很成熟。那次成都双年展,突然给我一种社会身份,突然很多人知道我,给我提各种意见,圈子里都在说这事,对我评价似乎有点过高。浮躁之后,我静下心来,这3年我未参加任何展览,潜心看书、学习,理顺思路,摸索应怎么往下走。”

“这3年,我看得多的是中国古代哲学书籍,《道德经》、《画论》、《禅宗》、《周易》等什么都读,从中寻找古人的智慧营养。比如中国古画追求的意境就是一绝,同样‘飞’的画面,西方人画翅膀,而敦煌画的是飘带。青花瓷、豆彩、画像砖、墓室线刻等传统艺术,都给我很多灵感。”

这段静默期,孙浩印象最深刻的是去云岗石窟写生的经历。“石窟就在一条运煤大道的路旁,煤渣使佛像好似被风化,一下雨。灰黑色的水顺雕塑往下流,那种模糊,那种流淌,使我突然明白什么叫天人合一。我悟到,什么叫创新?也许创新就在于创造一种新的视觉观念,回来后我画了《逆形》,找到一种特别的绘画材料,可以顺着人体的结构往下流淌。显示出那控制与非控制间的感觉,进而延伸、来回流淌。”

“传统水墨画,表达了文人和士大夫阶层对遁世生活的想象,崇尚自然、追求空灵的意境。而当代社会的现实是追求人改变自然,喧嚣、热闹,我希望从新的角度来拓展水墨画的表达空间,因为优秀的艺术作品除了挖掘人们美好的情感,还应该更多一些反思。有次我去一个地下酒吧看摇滚演唱会,众多90后的孩子疯狂得有些虚假地自我释放。于是我联想到超女、快男,联想到被过度包装的偶像、年轻人的盲崇,这是一种‘迷’文化,这种迷文化也体现在当代艺术圈里,有些画家的作品市场好,售价高,其他人就跟风去模仿。在这种感悟下,我创作了《粉丝》这组作品,是对当代‘迷’文化的一种反讽。”

儒雅双侠

一袭长衫、戴“五四”经典圆框眼镜的李飒,挺像,说话语速快,笑容满面,待人极友善。而适合中山装的阴树雨,安静内敛、话少意赅。两人虽然都有儒侠气质,但李飒更像唐诗,树雨则如宋词。

他俩都住在望京,画室都在著名的艺术营一索家村,只隔几步路,日常哥俩最爱一起喝茶聊天。2005年同时获得中央美院国画系硕士学位,不过随后李飒执教于北京服装学院美术系至令阴树雨2008年回中央美院读中国画博士。

与画展同步推出的画册,李飒的专辑有一半篇幅是自己反思传统绘画的艺术论文,他读书多动笔也勤,是七人中著名的理论家,七人画册的序言由他撰写。他近年来在北京、重庆等多个城市举办个人画展,今年参加了文化部、澳门艺术博物馆等举办的多场展览并倍受关注。其作品被浙江美术馆、重庆美术馆、澳门艺术博物馆等收藏。

李飒自幼在父亲的指导下,进行了严苛的传统国画训练。“2002年我到中央美院国画系学习时,遇到的最大问题是:临摹了大量的中国传统作品后,再创作时我发现,用传统的绘画语言来表达当下社会的生存经验时,竟无以致用。中国的农业经济处于停滞状态,传统水墨画诞生于超级稳定的社会结构中,建立于逃避现实的态度上。避免激情是传统文化首要特征之一。十九世纪下半叶以来,西方文化侵袭,使传统文化一直处在很深的没落‘焦虑’之中,王国维沉湖自杀就是典型例证。时至今日,传统绘画语言所代表的文化价值观念。与现代人的生存感受之间,表现出来的更多是冲撞、抵触和对峙。”

于是,李飒开始了水墨画的变革之路,“我已经摸索了五六年,有过痛苦的阵痛期。在导师胡伟的材料工作室。我接触了很多新材料,把西方的抽象艺术融入水墨画的创作中。”

他的实验最先得到了一个美国画商的认可。她叫简黎明,租借北京地坛的明代大殿,开抽象艺术画廊。她到李飒的工作室看画,站在《从灰色过渡过灰色》这幅画前良久,然后严肃地说:“你认为人有时是邪恶的么?我在你的画上看到了许多幅面孔。”

李飒的这幅画,借用中国传统花鸟画的构图,用抽象的符号表现一种相互缠绕、相互挣扎的感觉。温和的美国人简黎明从一个个抽象的符号中看到了无数的人脸。

2006年,简与李飒签下两年之约。期间在北京艺术博览会上,希尔顿酒店以5.2万美元买下李飒一幅大画。“简是很棒的艺术鉴赏家,挑画眼光一流,不过她对签约画家的管理也是十分严格,把我们的作品定价都较高,这两年有很多人想找我要画,但我与画廊签了约,不能私自给。今年解约后,我没有急于直接迈向市场,而是先整理自己,把努力的方向认真想清楚再说。”

阴树雨的学院气息更浓厚,是青年画家中“学院水墨”的代表人物之一。本科就读于杭州中国美术学院,那里秉持潘天寿的中西“拉开距离”之说。希望推陈出新创出“中国气派”;硕士、博士北上到中央美术学院,这里的国画系始终坚持着由徐悲鸿创立,并经蒋兆和、李可染、叶浅予等不断完善而成熟的中国画教学体系,承认传统,强调中西画法有机结合,注重对现实生活的表达。

经受南北两大最高国画艺术院校洗礼的阴树雨。师从著名写意花鸟画家张立辰教授,选择了新派写意花鸟作为终生笔耕之路,作品却透露着江南文人画特有的灵性和秀气,鲜活生动。他喜欢下乡,常带干粮住草棚、爬山越岭。带着画夹和相机,搜寻山花野草和飞禽走兽,自得其乐。

阴树雨说,“传统样式的中国书画一直有自己的发展,从未间断过。比如同样画墨竹,蒙古人统治的元代与资本主义萌芽的明代,作品就有很大差异。再比如20世纪的艺术巨匠潘天寿,他所面临的社会变革也是很大的,他仍然坚持了传统样式,并找着了自己的路子。现在也是一个变革时代,如果我们认准了道路坚持下去,应该也能有自己的收获。”

七人联展中,阴树雨的画最受普通观众青睐。作为国画博士,已可预见其未来的教授身份。“不管什么头衔,将来我会坚持画画。我不排斥体制内身份,它给艺术家一个名份,让我们能够生存、丰衣足食,否则会丧失很多机会。”他的妻子也是艺术圈内人,“她作陶瓷小雕塑,比较抒情。”抒情也是阴树雨面作的真实写照。

小师妹

小师妹吴雪莲,准80后,斯文内秀,与孙浩、李飒是研究生同班同学,导师都是胡伟。“我不太会用语言表达感受,想知道我作画的感受,看我的画就好了。一般人看我的画,理解应该不会很困难。至于你问我为什么要这样画,我自己也不知道,就是凭感觉。”

吴雪莲也是自幼习国画,父亲是湖北一中专绘画老师,兄妹二人,哥哥学美术史。她本科在中央民族大学学工笔国画。成为胡伟的研究生后,在新材料使用和抽象画之路开始了大胆探索,目前在北京信息科技大学教设计课。

吴雪莲对导师胡伟充满感激,“很多人认为读绘画专业研究生,会约束创作天才。似乎进了工作室,就会规范自己的思路。不少工作室确实存在这个问题,但对我来

说,是考对了老师,进对了工作室。胡老师对我们的要求是直接画画就好,标准很抽象,创作过程中一般他不会提具体要求。只在中途如果他看到发展方向不太好,可能会点拨一下。他对条条框框、对于选用或不用什么材料,要求不是那么严格。对于我的作品风格,他看后只说比较喜欢,更多的评语,他就没有了。”

吴雪莲这些年在画坛也成绩不俗:2004年她用皮纸、银箔创作的六条屏《唯・一》,获第十届全国美术作品优秀奖:2005年参加成都艺术双年展,作品也被台湾山艺术基金会收藏;近两年在武汉、深圳办个展颇获好评。

燕山隐士

王剑是七人画册的主编,如今住在北京门头沟山区的一个小院里,置身雄浑的燕山山脉,他感到无比舒畅。“我搬来快一年了,每天出门就看山,我喜欢大山里的石头,这么多起伏变化,经亿万年形成恒久不变的姿态,我与山、石交流起来非常地舒服。”

王剑老家河北邯郸,“父亲在铁路上搞工会工作,当年中央美院很多画家下放到那里,父亲就跟着他们学画,也让我学。我爸管我特别严,每天画大量写生。但我文化课不好,16岁当了铁路工人,从火车蒸汽机的司炉到机务段的清洁工等都做过,一做就是8年,当门卫时,我看着单位人变老,于是想一生不能虚度,然后到北京读书,然后做过杂志社美编、图书公司的美术总监,也给电视台拍过纪录片。这中间还经历了一次失败的婚姻,现在我身为自由艺术家,住到山里,真正回到自然,我感觉自己目前的状态最好。”

王剑与杜小同、李飒是十多年的好朋友,以前一起作水墨画方面的展览。4年前,他的传统国画作品《赵氏孤儿》入选第十届全国美术作品展。后来,他也转向水墨画的变革。

在王剑眼里,“传统文化给我们土的印象,而现代都市是硬的。虽然我的作品表现得很抽象,但我内在的东西与传统很近,最主要的体验是人与自然的关系。我住到山里后,对人与自然的关系了解更深入,我希望用一种全新的方式来诠释水墨意象。”

七剑合璧 和而不同

这七人,共性是都接受过最正统中国画的教育,目前在画坛都取得了不俗的成绩。其中五人是中央美院国画院研究生同一届同学,平日经常联席纵酒、评文弄墨,好不快意!

七人联展最初发起者是王剑、谭军和李飒。2008年初,他们仨在北京CBD(中央商务区)的一家麦当劳餐厅碰头,计划一起办画展,并出画册。当年3月,参展人数扩展为7人,“我们都是中央美院的同班同学或师兄弟,除了私交笃厚,更主要是在水墨画的追求上志同道合。”

“第一次全体筹备会在谭军家,我们决定给七人小团体起个别致的、中国化的名字。谭军家门牌号303,于是决定叫‘三――三’(音为‘三杠三’)。‘三’与老庄关系密切,《道德经》有云‘一生二,二生三,三生万物’;‘三’还是《易经》的乾卦,男为阳,六个男生是六个实杠,女为阴,一个女生用虚杠表示。合起来‘三――三’很像《易经》第九卦之‘小畜卦’,说的是‘城西边有雨,还只是一个雨人,正在积蓄力量,马上就要来下雨’。这种描述与我们七人的现状很巧合”,28岁的孙浩很认真地向记者解释七人团体名字的来由,里面包含了他研习中国传统哲学的心得。

李飒说:“眼下办一场画展,包括出画册等在内,开支少说得二三十万元。这些年我们的精力不在卖画挣钱上,为了自由表达艺术思想,我们没找投资人。这次办展、出画册,建专题网站,都是自费。当代艺术市场上,油画比较占优势,中国当代水墨画还没确定市场。我们也不懂市场,我们有的只是信心,对于作品的自信!”

孙浩说:“电影大师赫尔佐格说:‘年轻人你们去拍电影吧,拍电影只须5美元,用来买一支笔和一叠纸,然后写剧本,然后去找志同道合的人。’办画展也是一样,只要找到志同道合的人,可以作很多事。”