发布时间：2023-04-08 11:36:11
序言：写作是分享个人见解和探索未知领域的桥梁，我们为您精选了8篇的艺术形式论文样本，期待这些样本能够为您提供丰富的参考和启发，请尽情阅读。
常规伴奏又称“一般伴奏”，指的是在有乐谱的前提下，事先与伴奏对象的演唱者、演奏者或其他各种艺术形式的表演有一定的合作排练时间，形成默契，有利于充分发挥钢琴伴奏的艺术优长。具体又分以下几种形式：
1.独唱伴奏。钢琴可以为各种唱法（包括美声唱法、民族唱法、通俗唱法）的独唱伴奏。还可以为戏曲、曲艺的唱腔演唱伴奏。例如殷承忠为《红灯记》的钢琴伴奏，就是成功的例证，是钢琴民族化的一大艺术成果，是值得充分肯定的。钢琴为独唱伴奏，要强化钢琴的衬托、美化作用。
2.合唱伴奏。钢琴为合唱伴奏，不仅可以使合唱“具有新颖、广阔的艺术表现天地，而且可以充分发挥钢琴单独完成多声部演奏的神奇表现力，从而使二者完美结合，相映生辉。”钢琴为合唱伴奏，常用的伴奏方法有：和声织体衬托法、复调性与副旋律对比衬托法、主题并置对比衬托法、色彩重叠衬托法、声部带状进行衬托法等等。
3.重唱伴奏。钢琴为重唱伴奏，也可以充分发挥钢琴本身演奏多声部音乐的优长，所以其伴奏方法与合唱伴奏的方法基本相同，尤其是复调性与副旋律对比衬托法，更为多见。
4.钢琴为各种器乐伴奏。钢琴为其他各种器乐伴奏，应避免钢琴因音量过大而喧宾夺主。
5.钢琴为其他各种艺术伴奏。钢琴可以为舞蹈弹奏舞曲，为杂技、魔术、电影、电视、戏剧伴奏，主要起“配乐”作用，一般常弹奏气氛音乐、画面音乐、情绪音乐等。
6.钢琴为声乐教学伴奏。钢琴为声乐教学伴奏，是最常见的，其方法与为独唱伴奏大同小异。
二、即兴伴奏
钢琴的“即兴伴奏”，指的是事先未经准备和排练，而临时根据需要进行的钢琴伴奏。显而易见，这种伴奏形式难度更大。钢琴即兴伴奏又分两种：
1.有谱即兴伴奏。即临时将乐谱交给伴奏者，但并无练奏和排练时间，要求伴奏者有全面的音乐修养与过硬的钢琴演奏能力。
1、单纯再现式
图纹的符号再现代表了彝族人对大自然中美好事物的紧密追随，是彝族历史文化、生存坏境、审美情趣、的重要文化传播载体。对火的崇拜源于彝族人在生活生产方式过程中的深刻体验，火焰传达的光明与炽热给彝族人带来了感性依托，以此进行理性的凝练提取火焰的本质符号形式。所以，火纹承载着彝族古老的传说，被赋予深厚的情感意义，凉山彝族人用纯朴的气质充分运用艺术想象，通过弯曲程度不同、方向不一、位置考究的曲线来表示火焰的熊熊燃烧、气势磅礴。或是出现过于具象的单独太阳符号，具有装饰性、通俗又有现代感。在彝族人选择服饰纹样表现形式时，从自己的审美角度出发，选取了最普遍的自然物象，用跳动的火焰形态，将动态静化，也从中表明了彝族人丰富的创造力。
2、综合象征式
图纹符号的象征式集合了凉山彝族人的在文化观念、审美价值、生活理想等多方面的内涵意蕴。综合象征式是一种具有很高的艺术价值、表现手段高度凝练的表现形式。凉山彝族火纹的综合象征表现形式手法的表达，使火纹兼具多种非单一的象征意义，将形态各异的火纹进行排列组合并且与其他纹样进行相互搭配、彼此呼应，使得同时存在的各纹样之间构成了相互补充的内在涵义。例如，凉山彝族服装中出现火纹与具有共同情感寓意和自然特性的龙凤纹、寿字纹的穿插组合，强调了其他纹样而简化了火纹，构成了新的图案整体。这种表现形式新颖独特，额外赋予火纹的意蕴为凉山彝族服饰注入了博大的文化内涵。
3、抽象几何式
图纹符号的几何式通过几何形体具备的简单概括、可造性空间大、排列形式层次感强、视觉冲击力强的特点，在表达火纹的运动规律时更为概括明了，富有丰富的内涵。火纹的抽象几何表现手法能更加简洁的诠释自然现象中的现象，成为彝族人对自然美的概念性表达。例如，凉山彝族服装中对火纹进行抽象简单的演变，将它简化成类似逗号的极简符号，这类抽象几何符号既生动有力，又不失女性的温婉可爱的特质，给凉山彝族服装带来生机活力。
二、总结
1、当代木刻版画的西方语境表达方式
当代木刻版画从"新木刻运动"开始，把西方的版画语汇引入中国，与相结合，开辟了当时木刻的新艺术形式。之后，木刻与解放初期的社会形式相结合，创作了许多激动人心的好作品。建国之后，我们的美术教育全盘西化，绘画主要向苏联学习，这种教学体系延续至今，本民族的艺术形式和语言逐渐式微。由此引起的后果是：我们所有学习美术的学生，从接触绘画开始，学习的就是西方的绘画体系构建下的欧化语、;[。素描、色彩、速写是所有美术专业考试的科目，焦点透视、明暗、空间等绘画思维从小渗透，变成创作中不自觉的存在。而作为本土文化的笔墨、线条、散点透视等传统绘画思维很多人都不熟悉，学过美术的人不一定会中国画，但一定学过素描，这背后反应的是西方语境对本土文化与绘画方式的侵蚀。木刻版画亦是如此，大部分的版画家学科背景是西化的，本土的绘画思维缺失，所以难以出现民族文化积淀的好作品。
2、对汉画像本土文化脉络的继承
追溯版画的由来，最早可到史前期原始岩画彩陶图文，而汉画像被称为“最古老旳版画"，林风眠先生曾说"汉画像是中国绘画之大宗也”，它体现的是中国艺术情感表现的抽象精神与独特的意象思维。"汉代儒道交融，儒家的大一统气象与道家的开张恣肆境界不谋而合。形成了汉代整体综合性的思维特征，致使汉人有尚大尚全的心理。
1）在艺术上则追求整体感性的认知，不是对现实的简单模仿，而是超越自然形态，表达特殊的精神文化空间，由此造就了汉画像石‘包括宇宙，总揽人物’‘控引天地，错综古今’的艺术风格"。
2）吴冠中在《吴冠中画韵美文》中就提出"汉代艺术那粗犷的手法，准确扼要的表现，把繁杂旳生活场景与现实形态概括、升华成艺术形象，精微的细节被统一在几何形与强烈的节奏感中，其中很多关键的基本艺术法则和规律，正是西方后期印象派开始探寻的瑰宝。“
3）从汉画像的艺术特征中我们可以找到具有本土文化特征的艺术语言，借鉴和传承于木刻版画之中，便可循迹其新艺术形式。
3、汉画像的艺术语言特征
汉代是一个尚武的时代，思想自由开放，国力强盛，这些造就了汉代艺术"唯汉人石刻,气魄深沉雄大"的审美气象，在汉画像中没有科学的透视关系，没有人物的解剖结构，在二维的表现空间中我们可以看到一个浪漫夸张、感情奔放、神采飞扬的时代。制作汉画像的只是汉代的普通工匠，他们继承原始艺术的某些艺术要素，自然而生动的塑造形象，造型大胆而开放，富有想象力，充满浪漫主义的色彩。汉画像的艺术语言特征体现了我国先民的艺术修养与智慧，代表了中国艺术早期的审美萌芽，也是中国艺术最早的美学表现。汉画像的艺术语言特征首先表现为意象化的审美表达。汉画像的内容很多，有市井生活、宗教崇拜、历史人物、神仙祥瑞故事等，在这些艺术形象中，最清彩的是"写意式"的造型表现。张道一先生认为“‘气魄深沉雄大’，不仅是汉画像的灵魂所在，也是中国艺术传统的趣旨"“。在东汉"仙人逐鹿"画面中所呈现的人物与鹿的形象充满意象之美，仙人的衣袂飘飘，呈流动之美，使画面出现了动态的奔跑，仙人和鹿在追逐中向画面的右侧跑去，我们可以感受到风声和转瞬即逝的仙人，线条在画面中起到了表现速度和动态的作用。虽是模印线条但是流动而优美，表现了浪漫和自由的气息，具有"金石"质感，线条流动而沉着，动感十足而富有张力。这幅作品中充分表现汉画像艺术语言意象化的审美诉求，汉代先民在中国艺术的萌芽时期用懵懂的直觉树立了中国艺术审美表现的意象典范。在其他的画像砖中还有很多这样的形象，如"仙人逐鹿”"仙人六博"中的仙人、"盘鼓舞”中的舞者，还有"收获弋射""采莲”等画像砖中的人物，均带有夸张式的写意风格。
汉画像的艺术语言特征其次表现为其视觉表达的二维平面化。汉代的工匠们从原始艺术中继承了对物体简洁表达，选择特征表述的视点。如人物的剪影式形象与侧面的头部表现特征，和古埃及的艺术表现中的"正面律"有天然相似之处，反映了人类萌芽时期对艺术的共同感受。这种表现方式与西方艺术随着科学的写实主义传统而生成的解剖学、结构学构建下的表现形式截然相反，东汉出土的"陷阵图"中，我们可以看到画面中人物的动态，由于受到模印浮雕技术的局限，出现了表达上的抽象主义倾向，人物为剪影式表现，但动态生动，待征明显。民间工艺人局限于人物的解剖和结构的理解，不具备科学性，但他们呈现的是更加直观的表现方式，人物的动作夸张而生动，图中的几个人物手持武器，身体朝右侧彳顷斜，表现出了强烈的动感。特别是中间的两个人物的五官衣纹等刻画简略，动态幅度较大，显示了在运动中的美感，具有原始岩画的节奏与韵味o汉画像的艺术语言特征还表现为散点透视的空间表达。散点透视是中国艺术区别于西方艺术的主要特征之一。在中国绘画作品中，无论是〈千里江山图卷》《清明上河图》还是《韩熙载夜宴图》，表现的都是超越时空的图像，采用的正是中国的“散点透视"，不管是时间的流转还是空间的转换，在中国的艺术作品中都能自由的表达。南北朝时代，宗炳的《画山水序》中就说：“去之稍阔，贝ij其见弥小。今张绢素以远映，则昆阆（昆仑山）之形，可围千方寸之内；竖画三寸，当千切之高；横墨数尺，体百里之迥。“他说的是用一块透明的"绢素"，把辽阔的景物移置其中，可发现近大远小的现象，这是在绘画史上对透视原理的最早论述。而这种透视的艺术表现，在汉画像中可见端悅。在这幅"活酒”，酒肆为一组透视，店前的人物为一组透视，后面的人物为一组透视，这三组透视关系，形成散点产生区别于平面线描的效果，在汉画像砖中散点透视成为表现复杂场面和环境的主要技术手法。在木亥ij版画中如果可以突破焦点透视的桎梏，尝试用散点透视的方法，吸收中国传统艺术的透视方法，就能拓展画面的空间关系，达到人随景走，景随人移的自由空间。汉画像艺术语言特征除了以上三种，还有很多，如写意式的线条、程式化的造型、象征性的隐喻等等’都反映了汉代的文化和审美倾向。
二、汉画像对木刻版画新艺术形式的启示
汉画像意象夸张的造型方式、平面化的二维空间表现、散点透视的空间关系等这些艺术语言的特征对木刻版画新艺术形式的启迪很多。两种艺术形式的历史源流以及交叉重叠，使可供借鉴和继承的艺术要素很多，木刻版画家可结合自己的艺术特点寻找对自己有用的养分，滋养自己的艺术创作。下面三种新艺术形式可供借鉴。
1、新艺术形式之一：线造型的艺术语言
从汉画像到中国画，中国艺术一脉相承，传承的都是以线为主要造型手段的作品，无论是"仙人逐鹿"中浪漫的衣袂飘飘，还是"七十二神仙卷”中摄入心魄的"吴带当风"，线条之美是中国艺术的命脉。线条之美，美在线的流动与质感。汉画像中的线古拙而质朴，灵动而浪漫；中国画中的线力透纸背，流畅而有力；中国篆刻中的线金石味”十足，这些都是中国文化的外化表现。现当代的艺术家在西方教学体系的浸染之下，"体面”关系的深入骨髓，对"线"之美漠然。在明代的木刻版画中，有许多优秀的木刻作品也都是以线造型为主。如果我们能从汉画像具有写意之美的线条中淬取其养分，用于艺术创作，会有意象不到的效果。在十二届全国美展中，江苏版画家李小光的作品《家乡记事》，采用的就是线造型的艺术语言。
2、新艺术形式之二：意象张夸的审美表现
汉画像对形象的写意夸张的塑造也是木刻版画中可供借鉴的艺术新形式之一。中国艺术历来讲究意象之美。南齐谢赫这种《古画品缘》中将"气韵生动"列为第一，可见中国艺术讲究"神似"而不是"形似"。汉画像中的形象塑造，善于夸张其特征，表达其神韵，是中国艺术"气韵生动"的源头。西方艺术也是到19世IE之后才走向表现主义的阵地。在木刻版画的创作中如能脱离"形似"的桎梧，强调"意象"之美，和西方的表现主义保持距离，渗透中国文化的要素，载入历史的厚度，在现当代生活中找寻可表达的内容，也能幵辟新的木刻形式语言。十二届全国美展的进京作品中，有一幅广东版画家朱宇航的作品《执琴者》，画面中的人物形象表现粗彳广自然，执琴者fl姿态生动，颇得"意象"之神韵。
3、新艺术形式之三：二维表现的构图形式
在世界人们的心目中，俄罗斯艺术是成功的，而这成功的背后，却没有剥离开对俄罗斯传统艺术的继承与延续。继承，是对俄罗斯艺术的承接，而延续，则是在俄罗斯艺术中注入了时代的色彩。这也就意味着，俄罗斯艺术并没有将其轻盈的步伐停留在某一个时代，而是将斯拉夫人特有的融合精神渗入到艺术形式当中，以其开阔的胸怀接纳来自八方的艺术形式，以俄罗斯的艺术理念塑造了俄罗斯艺术特有的风格。有人说艺术史家是极具有冒险精神的，并会以乐观主义面对一切，恰恰是这些精神，成为了俄罗斯艺术创作的理念。艺术作品是写实与虚幻的完美融合，然而这种艺术的表达却是宛若仙境一般的高贵，不仅要用眼睛去欣赏，还要用心灵去体会，感受艺术形式的内在涵义。也许俄罗斯的传统艺术是用手描绘出来的，而蓝图则是在心灵深处塑造，并以俄罗斯风格表达出来，那种威严之感令人肃然起敬，却没有因此而失去热情，而且还实现了雄壮与优雅的完美融合。
一、俄罗斯当代油画艺术
对于俄罗斯的油画，我们并不陌生。当踏入俄罗斯的美术博物馆的时候，俄罗斯传统的物质生活和精神生活就会从这些陈列品中渗透出来。俄罗斯民族味十足，其华丽的装饰，丰富的表情，极富感染力的造型，都会令人不禁想到了俄罗斯的生活环境和思想境界。如果观看原创作品，就会发现这些油画所呈现出来的内容，不仅是俄罗斯民族的自我展示，更是生活的升华。
俄罗斯是中国最大的陆地邻国，在油画创作风格上与中国有着不解之缘。两国有着同样的深厚文化底蕴，这让油画艺术作品更容易解读。与中国的油画相比较，俄罗斯油画更具有明显的精神气质。如果说深沉、大气和理想主义情怀是俄罗斯油画艺术的传统特色，那么，那种浓重的人文气息和以写实为主体的现实油画艺术，则是当代俄罗斯油画艺术的经典。在俄罗斯绘画艺术中，现实主义油画艺术堪为是最高成就。
从中国的俄罗斯当代精品油画展中，可以体会油画写实中鲜明的现实主义元素，这成为了俄罗斯美术中的一大特色。近些年来，俄罗斯油画艺术正在发生着新的变化，主要是基于俄罗斯油画与世界艺术潮流发生碰撞而产生的结果。俄罗斯油画极富民族特色，在传统美术的基础上注入现代艺术因子，实现了艺术的升华。民族特色以现代的艺术风貌展示出来，形成了不同以往的艺术风貌。
俄罗斯新生代画家具有创作精神和探索的勇气，这种创作的时代特征中同样坚守着现实主义的原则。但是他们所遭遇的挑战也是前所未有的。油画的艺术样式中还要有其它艺术样式的运用，以彰显出本土特有的审美情趣。如果说20世纪80年代为传统的“现实主义”题材搪塞的年代，那么，真正的现实主义是当代画家所创作的，其中所涵盖的时代元素更能够引起受众的共鸣，并在绘画样式上表达得恰如其分。以“俄罗斯当代油画展”的展示为例，这些高水平的油画风格清新而优雅，刻画细腻，虽然富于时代的气息，但是民族传统底蕴却蕴涵于其中，将俄罗斯风土人情静静地陈述出来，油画的艺术魅力也因此而散发出来，并给人以理性的思考。俄罗斯油画进入新生代，其所呈现出来的不仅是民族的自信和开放，更多的是民族的凝聚力体现。
二、俄罗斯的雕塑艺术
俄罗斯是一个伟大的民族，俄罗斯的雕塑艺术的发展，推动着世界的艺术史。如果说雕塑在艺术史中所起到的作用是持续的推动作用，那么，俄罗斯的雕塑艺术，则可谓是对人类的美的历程的述说。
俄罗斯雕塑伴随着这个国度成长，一路走来，无论是政治上的统一，还是文化上的成就，都有雕塑在其中留下痕迹。俄罗斯雕塑受到当时苏联严肃题材的影响，逐渐由现代主义向现实主义发起了了挑战。从艺术创作的特点上来看，主要是从传统的民族精神出发，实现了古典审美与时代的融合，并将这以精神贯穿于现实主义雕塑的艺术风格当中。带有现实主义创作风格的雕塑，在雕塑语言的表达上，仍然坚持着古典主义，这就是深受俄罗斯人民喜爱的史诗性主体雕塑。
以斯维什尼科夫的雕塑创作为例。其雕塑作品虽然没有延续古典主义，但是在造型上却延续着古典主义的风格。因此，斯维什尼科夫的雕塑具有现代主义的风采，与古典主义文化之间存在着差别。这一点从创作思想上也足以体现出来。斯维什尼科夫的雕塑无论是从创作思想，还是价值取向上，都把持着现实主义的观念。其所采用的都是现实主义的语言和雕塑表达形式，而情感和理性则是从民族意识出发，在肯定了物质特性的同时，还将具象主义的哲学基础和终极表达勾勒出来，显示出当代现实主义的新的文化语境。
艺术总是紧跟着时代脚步，雕塑作品尤其如此。人类社会总是处于不断变革的历史长河中，俄罗斯拥有着人类艺术的精华，也诉说着人类世界文明。当一些人类本体精神脱离了政治之后，就会从艺术家的艺术创作的作品中流淌出来。但是在艺术创作的价值取向上，总是离不开本土的传统文化色彩。
在斯维什尼科夫看来，艺术是人的精神体现，应该对人的认知进行解读，并对社会问题、文化风潮以及生活现实都要有极高的敏感度。斯维什尼科夫所创作的雕塑是以现实主义的写实风格作为主要的创作形式，但是与传统的写实主义有所不同，现实主义的写实更能够将人类的心理状态反映出来，是现实社会中升华的新的语言文化和当代意识。
斯维什尼科夫认为，在进行雕塑艺术创作的时候，要注重写实，更要注重写实直觉性。真实的事物，也是客观的，作为一名雕塑艺术者，要以冷静的态度思考雕塑创作，才能够使艺术成为现实主义观念下所创作出来的具有独立意识的艺术作品。艺术是抽象的，雕塑艺术是以写实的手法而表达出来的艺术抽象。斯维什尼科夫的雕塑作品虽然是以当实作为主题，但是其内核仍然延续了俄罗斯传统，所凸显出来的依然是俄罗斯灿烂的文化。
艺术作品的内容源于“形式”本身，俄罗斯雕塑即是如此。如果说20世纪中期的雕塑艺术具有明确的主题，那么，当代的雕塑艺术则呈现出具有大众性和宣传性的色彩。雕塑艺术家的内容世界已经不再从艺术作品中体现出来，而是以单纯的艺术形式，实现其导向性的作用。此时雕塑艺术则更为体现为现实主义的大众艺术。 在俄罗斯的艺术发展进程中，雕塑艺术呈现出多元化发展的局面。这就需要对俄罗斯雕塑艺术从其社会历史发展的角度加以解读，才能够做到客观对待，并从更高的层次充分认识俄罗斯雕塑艺术的成就。
三、俄罗斯传统艺术形式的发展趋势
（一）俄罗斯传统艺术走向创新之路
俄罗斯于2006年设立了当代艺术创新奖。关于艺术创作的特征，在评奖标准中就已经体现了出来。其一，艺术创作要能够将俄罗斯的现实生活深刻地体现出来，并对当今的社会问题具有深刻的思考价值；其二，艺术创作要具有前卫性特征，所呈现出来的艺术样式要具有当代性，并体现为影像、表演以及装置的形式。其三，艺术创作要具有综合性特征，要求艺术创作过程中，要将多种艺术形式融为一体，多种艺术样式之间不再界限分明，而是逐渐模糊化。这就充分地说明了俄罗斯传统艺术要跟得上社会的脚步，就要在保持传统的基础上，注入时代的因子，以实现艺术形式的创新。比如，原本破旧的文化宫音乐厅经过艺术加工之后，变成了苏联记忆的殿堂。其艺术创作的目的是提醒人们，这里留存下来的仅仅是历史的回忆，虽然依然留存有材料支撑的外壳，但已经日渐损毁。这当然也是在昭示着苏联的命运。因此而被命名为“行进过程”。
在2005年的一部艺术创作作品“墙”，则是艺术创作综合性特征的代表性作品。艺术创作者所关注的问题是当中国正处于“美术馆时代”的时候，当代艺术正在被官方的美术馆所收容，或者在商业画廊上展出。但是这堵横亘在前卫与体制之间的那堵墙已经逐渐消失，也预示着两者之间的对立正随着这堵墙的消失而致使墙内和墙外的对立趋于融合。
（二）俄罗斯的画廊艺术
所谓的画廊艺术，事实上是创建艺术交流的途径。进入21世纪以来，俄罗斯艺术登上了一个新的台阶。越来越多的俄罗斯艺术家走上了世界艺术殿堂。与此同时，俄罗斯的绘画交流也越来越受到重视。各种艺术画廊成立起来，不仅促进了俄罗斯绘画艺术的交流，而且还起到了艺术品收藏的作用。比如，俄罗斯国立特列季亚科夫画廊是俄罗斯规模最大的艺术博物馆之一，其所收藏的艺术作品已经超过了五万件，以其作为载体，在促进艺术交流的同时，还可以将俄罗斯当代艺术推向更高的层次。
（三）俄罗斯的艺术作品展览
一些经历了苏联时期的艺术家往往会由于画风等等因素的影响而受到排挤。为了促进当代艺术的健康发展，私人美术馆的发展为这部分艺术家提供了作品展示的机会。比如，俄罗斯有“当代艺术收藏俱乐部”，其艺术展览的目的是希望更多的人关注传统艺术，同时还展出艺术收藏。这些艺术商人，或者其本身就是艺术家，已经成为了艺术媒介，以俄罗斯的艺术作品搭建了与外界沟通的桥梁，在推动俄罗斯艺术跨越式发展的同时，还将艺术价值推向了极致。
大量的音乐的实践证明：音乐与绘画虽有艺术属性的界定，但二者之间确实存在着诸多的相似或沟通之处。二者都讲求美的艺术形象塑造，都讲求美的艺术形象感知、认识及批评。但是，与绘画不同而与文学相似的是塑造音乐的艺术形象并不在于直观的视觉感知，其艺术形象的“可视”性塑造是先听到涌动的悦耳乐音，再在“联觉/联想”的引导下，利用情感体验逐渐由模糊到清晰，由局部到全局，由恍惚到稳定地“看见”艺术形象。可见，音乐的艺术形象是“想见”出来的。另外，塑造音乐艺术形象的前提，首先是解读声音的、文字的、乐谱的符号。人们一边在解读符号，一边主观臆断出艺术的形象。也可以说，音乐的艺术形象是用心，用情感体验“看”出来的，所谓“象由心生”。因此文艺理论把音乐归类为“想象的艺术”。而绘画正好相反，其艺术形象是“见想”出来的——绘画首先塑造出客观、静态的固定艺术形象，然后才有他人的视觉感知和鉴赏，继而才有审美的思考。不难看出，音乐的艺术形象与绘画的艺术形象之间有着主客观的存在差异。这种差异，归根究底是由艺术构成的“感性材料”——“我们把这种构成艺术的物质材料叫做感性材料”的不同而造成的。
（一）音乐与绘画相似的基本组织要素音乐和绘画看似泾渭分明的两种艺术。二者之间其实有着“剪不断，理还乱”的密切联系。很多人不太在意，绘画中讲求的点、线、面、色彩、主色调以及明暗、节奏等等基本组织要素也存在于音乐领域之中。音乐中的“点”便是单个的乐音。如同单一的点在绘画中无意义一样，单个的乐音也不能构成任何的音乐意义；音乐中的“线”，即是乐音所构成的“音程的连续构成了曲调进行的线条，即‘曲调线’（或称‘旋律线’）”；而音乐中的“面”即音乐的“织体（texture）”。织体，特指音乐作品整体的曲式、和声结构以及由此而生的（横向）各声部旋律与（纵向）和声连接的呼应关系（这层意义亦不悖于单声部作品）。织体以纵横的二维空间性反映了作品的组织结构，反映了不同作品的体裁、调式、调性、风格以及和声功能等等形式特征。织体也类似于绘画的空间布局和主色调。说到色彩，音乐与绘画更是有着异曲同工之妙。在音乐中的色彩——音色，其内涵较为丰富。乐音作为音乐的基本材料，其基本属性之一就是音色。不同的乐器或人声，不同的和声配器，甚至不同的音区都有独特的音色。此外，蕴含于音乐作品中的调性（调式）、和声、配器等等基本组织形式都有着鲜明的音色意义。在音乐中，不同类型的音色以描绘对象为出发点，刻画出具有鲜明色彩的艺术形象。用音色表现艺术效果的音乐作品，集中地体现在交响音画、组曲等音乐作品中。如俄国作曲家鲍罗丁的交响音画《在中亚细亚草原上》，小提琴协奏曲《梁祝》中的“引子——春景”，俄国作曲家穆索尔斯基的钢琴组曲《图画展览会》之中的“波兰牛车”、“两个犹太人”、“基辅的大门”等等。
在此不一一赘述。说到音色与色彩，不得不探讨音色与色彩的明暗问题。音乐欲刻画艺术形象不可避免地用音色变化来表现绘画似的明暗效果。对音色明暗的感知，笔者以为追根溯源是建立在人们对于音高判断的心理机制的基础上的。人们普遍以为：音越高就越是显得轻盈、小巧或明朗；音越是低就越是显得厚重、硕大或暗淡。这一心理机制不仅影响了作品的调式、调性、旋律、和声进行等等的写作，同时也限定了作品的配器选择。例如，在法国作曲家圣桑的组曲《动物狂欢节》里，“大象”就是一首低音大提琴的独奏曲。该曲在bE大调上以3/8拍子演奏，似乎表现了一只硕大的象正在跳着笨拙的舞蹈。倘若改用小提琴演奏，则绝不会有“大象”的形象认同。同理，在小提琴协奏曲《梁祝》里，祝英台的艺术形象主要由小提琴塑造，而梁山伯的艺术形象则主要由大提琴担任。为什么作这样的配器安排呢？因为素有乐器“皇后”之称的小提琴，其音色轻盈、委婉，非常贴近女性的气质，适合表现祝英台的艺术形象。大提琴较小提琴而言，则显得深沉、稳重，具有男性化的气质，适合表现梁山伯。这样的选择源于生活中的男性总是显得比女性硬朗、强壮；而女性总是显得比男性纤巧、委婉、细腻。如果有谁将表现二者的乐器颠倒一下，则会让人大跌眼镜，显得荒诞不经。正是音乐创造性地运用了以上的器乐音色，才准确地模拟了自然界、社会界林林总总的事物，才得以实现艺术表现生活的目的。
（二）音乐与绘画的组织要素区别音乐与绘画虽有以上的相似的组织要素，但是二者本质区别仍然是明确的。此两种艺术虽然都能实现艺术形象的“可视”，然而由于人的感官接受的截然不同——音乐的听觉接受，绘画的视觉接受，终而导致二者在时空中的明显不同存在形式。虽然时空是不可分割的，但是音乐更侧重于时间性的意义，所谓“音乐是时间的艺术”；绘画则侧重于空间性的意义，即“绘画是空间的艺术”。有人说“音乐是流动的建筑”，“建筑是凝固的音乐”。如果抛开了时间的意义，音乐则无法流动。同理，若抛开了空间的意义，建筑、绘画也无处凝固。音乐与绘画，因感官、时空存在以及展示形式的动静态等诸多区别，致使组成两种艺术的各自基本组织要素的性质也截然不同。音乐与绘画都使用了点、线、面、色彩、色调、明暗、节奏等等组织要素，在人的心理转换机制中对于两种艺术形态便产生了“同构联觉”的联系——“我们可以将这种由不同事物引起的相同心理运动体验从而产生的二者之间的联觉称之为‘同构联觉’”。“同构联觉”的产生是基于在音乐与绘画，两种不同性质的艺术之间存在着“同构关系”，“或者叫‘同形’或‘同态’关系”的本质联系而产生的。就音乐与绘画艺术形象的展示方式来讲，音乐塑造艺术形象是在既定的时间内，动态地演奏（唱）出既定的作品。精心组合的乐音经人的听觉感受后，再经过“想象”、“联想”及“通感”的领悟，塑造出主观特色鲜明的艺术形象；绘画则是以视觉的、静态的、客观的方式在既定的空间里展现“既成事实”的艺术形象。如果说对于绘画艺术形象的欣赏、接受首先是以“眼”观物的话。那么，对于音乐艺术形象的接受和欣赏则首先是以“心”观音。
二、器乐与声乐中艺术形象的“可视”性区别
有人将器乐称之为“纯音乐”，而把声乐排斥于“纯音乐”之外。所谓声乐，即指一切用人声和这诗词歌谣演唱出的音乐——其范畴涵盖了歌唱艺术、戏曲声腔艺术、曲艺说唱艺术，以及宗教经文吟唱等等。由于器乐与声乐的“感性材料”的不同及组合形式的不同，二者在塑造艺术形象方面一定是有所区别的。
（一）器乐塑造“可视”性艺术形象的基本特征作为“纯音乐”的器乐，自身又分为“无标题音乐”和“标题音乐”两类。所谓的“无标题”，是指作品无文学性标题而言。如肖邦所作的大量《夜曲》等钢琴作品都属于无标题音乐。十九世纪欧洲浪漫主义音乐兴起，其中有较多的音乐作品属于标题音乐。如贝多芬的交响曲《命运》、《田园》《、英雄》，斯美塔那的交响音诗《我的祖国》，鲍罗丁的交响音画《在中亚细亚草原上》，穆索尔斯基的钢琴组曲《图画展览会》等等。对于标题的意义李斯特有如下解释：“标题能够赋予器乐以各种各样性格上的细微色彩，这种种色彩几乎就和各种不同的诗歌形式所表现的一样。标题赋予器乐以颂歌、酒神祭歌或哀歌——一言蔽之即一切抒情诗体的性质”⑦。由于音乐语言的“语焉不详”，器乐中的无标题音乐给人的联想/联觉空间比较自由和宽泛，几乎没有主题乐思的约束，所塑造的艺术形象亦是“仁者见仁智者见智”的，其乐思并不恒定。故而说无标题音乐更能直接深入人们内心的情感体验。然而，标题音乐确定了音乐的乐思方向，在创作、理解和鉴赏作品时都会按照既定的乐思方向去构思艺术形象，一般来说不易产生岐解，这就增强了音乐艺术形象塑造的确定性。也就是说作为器乐的标题音乐和无标题音乐在艺术形象的塑造上是各有千秋的。
（二）声乐塑造“可视”性艺术形象的基本特征“诗，言其志也；歌，咏其声也；舞，动其容也。三者本于心，而乐器从之”（《礼记•乐记》）。在音乐史上，最早的音乐是诗歌舞三位一体的声乐，或说是载歌载舞的歌唱。上溯到古希腊，《荷马史诗》相传是盲诗人荷马边弹着诗琴（里拉琴）边吟唱出《伊利亚特》和《奥德赛》。司马迁在《史记•孔子世家》中说到：“《诗》三百五篇，孔子皆弦歌之，以求和《韶》、《武》、《雅》、《颂》之音”。无论是春秋战国时的《诗经》、《楚辞》，还是唐诗、宋词、元曲，乃至明清的戏曲念白，在朗诵时无不具有“宣叙调”般的吟哦，无吟哦无以体会诗韵。从古至今，声乐曲少不了曲调和歌词两大组成部分，声乐曲都必备诗文般的歌词（声乐曲均可看成标题音乐——都有文学性的标题。《无词歌》、《练声曲》除外）。诗与歌的结合构成了声乐。这里既有音乐历史演进的必然，也是声乐艺术抒感的本性使然——“情动于中而行语言，言之不足，故嗟叹之；嗟叹之不足，故永歌之（《毛诗序》）”。关于诗与歌、乐的渊源还可以引用唐末宋初产生的“词”为之佐证。词，又叫“曲子词”、“长短诗”。最初的曲子词都有曲牌。曲牌的作用在于区分不同曲子及填词格律的差异。较著名的曲牌有“忆秦娥”、“菩萨蛮”、“采桑子”、“水调歌头”、“如梦令”等等。彼时，曲牌即词牌。曲子与词，也可以说音乐与诗词是浑然一体的。据此推断，声乐曲中的词曲结合从古至今就是一个不可偏颇的整体。德国诗人海涅曾说：“语言停止的所在，就是音乐的开始”。此话其实不尽然。恰恰是语言为声乐艺术形象的“可视”，起到了不可小觑的作用。
[中图分类号]：J2 [文献标识码]：A
[文章编号]：1002-2139（2015）-27--01
14世纪在意大利兴起的文艺复兴运动，推动着时代向前迈进，随之在15世纪影响了整个欧洲的思想，一场空前的思想复兴解放运动蓬勃发展起来。这场运动是欧洲文学和艺术发展的一次飞跃，也成就了欧洲科学技术发展的黄金时期。并推动了欧洲历史文化的大繁荣时代的到来，历史学家把这个时期称之为为古代希腊、罗马文化在经历了近千年的黑暗与衰落之后的再生时代。
一、文艺复兴时期美术是一种社会意识形态的进步
中世纪时期欧洲人们思想愚昧，社会文化落后，社会等级非常森严，基督教会就趁虚而入，基督教铺天盖地的深入到了人民中来，宗教开始影响人民的生活和画家的表现题材。当然，这个时期的画家选择绘画自然题材作品不单是表达自己对自然的热爱，更多的是通过自然题材的形象来象征传达自己内心的宗教信仰。以形象的自然刻画来表达内心精神的真实，这种绘画特点在这个时期普遍存在。
“文艺复兴”运动出现的根本原因是资本主义的萌芽的出现，文艺复兴给人们一次思想大解放，推动了历史前进的步伐，同时，也促进了科学技术的飞跃和文化艺术的繁荣。资本主义萌芽时期的生产关系发生变化，资产阶级需要建立新型社会模式，宗教控制模式已经严重阻碍了资本主义生产关系的发展，资本主义社会需要崇尚自然和科学，更加注重体现人自身的价值。随之，美术也要冲破封建宗教意识，开始注重“人性”和对人自身的表达，开始真实地表达真实的自然世界。终于冲破“神性”和宗教的束缚，表达“人性”的美好。达?芬奇的著名美术作品《蒙娜丽莎》就是那个时代典型女性的作品，画面是以风景为背景，女性形象蒙娜丽莎呈现出无尽的优雅气质，脸庞上稍有微笑，却又有着若有有无的悲伤。达?芬奇刻画了一个内心情绪复杂、面庞带有微笑却又夹杂忧伤的形象。这已经不再是宗教题材的人物形象了，不再是神的传播者了，而是崇尚人自身美感和内心情感表达，所以，这段时期的美术作品都富有鲜活的生命力，饱含着艺术家的灵感，同时也是美术发展史上一个重要的时期，为近代美术的产生和繁荣奠定了坚实的基础。
二、文艺复兴时期美术在思想和形式上的解放
在中世纪时期，人被压榨的无所作为、消极和自卑，人的价值根本就是微不足道。而文艺复兴时期提倡的人文主义思想， 大力提倡人性要得到解放，人需要自由，需要关注人自身的价值和创造力，打破“神性”的束缚，实现“人性”的解放和追求；关注人的现世生活，重视对人的个性的关怀，强调维护人性尊严，主张自由平等和自我价值体现。反对中世纪的宗教神学主义和禁欲主义，强调追求物质幸福及上的满足。因此，这一时期的人们转而关注自身及个性，对生活的追求也变得世俗化。人文主义思想也给艺术家带来了重大的影响，指引他们在思想上进行了一次深刻的变革。他们不再受到宗教的管制和束缚，不再有打压，变得大胆起来，敢于在绘画作品中勇敢表达自己的观点，表达“人性”，表达自己对人的自由的追求，对人自身的关注。如威尼斯画派著名画家提香的名作《乌尔宾诺的维纳斯》，它是一幅女性的画，其中的女性形象不再是像之前中世纪时期的作品一样，不再是神圣得高高在上的样子，而是像普通世俗生活中的。提香不仅将画中人物表现成清醒的模样， 而且眼神中充满了企盼的神情。提香的这幅作品是对禁欲主义权威的挑战，体现了人类肉体的生命力，同时还表达了肉体的诱惑，而这些都体现出了作者受到人文主义思想的深刻影响。
三、文艺复兴时期美术在画材和技法上的突破
技术创新，是文艺复兴时期一个重要方面。其中，在美术上最为显著的技术创新之一就是15世纪尼德兰画家扬?凡?艾克对于油画技法的革新。中世纪时期的画家在绘制油画作品时，一般采用蛋彩颜料。由于这种颜料会在几分钟内干掉，画家在作画时就会受到很大的局限。他们必须在画板上一小块一小块地迅速作画，而这不利于画面长时间的精细刻画。直到15世纪初用油作为媒介剂调色的技术才引起艺术家们的普遍重视。当时的调色油多以蓖麻仁油做媒介， 但这种油干燥时间过长，延长了绘画的制作周期。
1.1图书馆员外在形象
公众对图书馆员大多留有刻板的印象，所谓刻板印象是指人们对某一类人或者事物产生的比较固定、概括而笼统的看法，是由部分推至全体的认识[2]。人们认为图书馆员大多古板、严肃、保守甚至冷漠，整体综合素质不高，他们主要从事一些简单重复的体力劳动，社会地位不高，工作待遇较低，对工作也是敷衍了事。在一些影视作品中，图书馆员形象基本已经有一种固定的模式，尤其是女性图书馆员，似乎全世界的图书馆员都是这样的行头：middle-aged，withglassesandherhairinabun；wearsconservativebusinesssuits；oftenshushesthereaderswhomadeanoise.即：中年，戴眼镜，头发向后梳成一个抓髻，穿着保守的工作服，经常把手指放在嘴唇上示意安静，总体上给人一种古板的四眼老太（oldladyfoureyes）的感觉[3]。在影片《哈利波特》中，IrmaPince是霍格沃兹魔法学校的图书馆员，她终日表情严肃，没有一丝笑意，总是用非常严厉的态度对待每一位学生，并且不让学生碰她自己喜爱的图书。在《黑侠》中，由李连杰扮演的徐夕在暴露身份前是一个性格内向、不善言谈的图书馆员。他经常呆坐在图书馆里看书，从来不参与任何娱乐活动，同事要和他打麻将，他拿出300元就当自己输了。
1.2图书馆员内在素质
在人们印象中，图书馆员的服务模式大多都是“看门守摊式”，他们素质不高，只会从事借书、还书、上架、打扫卫生等技术含量低的工作，当读者查阅资料遇到问题时，图书馆员也不会起到任何有效的帮助作用。在电视剧《牵手》中，主人公小雪终日穿着蓝色大褂，百无聊赖地做着简单、重复的工作。上班的时候，她经常走神，从未把图书馆员这一神圣职业作为自己的事业，她对工作没有任何责任感。外界对图书馆员职业形象和职业特点的认识有些模糊，还有些误区，造成了图书馆员对这个职业产生自卑感，这在一定程度上影响了图书馆的社会地位，阻碍了图书馆的发展进程，加深了图书馆和用户之间的矛盾。事实上图书馆员并非外界所理解的形象，相反，很多名人都做过图书馆员。1918年在北大图书馆任图书管理员；沈从文1925年在北京香山慈幼院任图书管理员；冼星海1926年在北京大学任图书管理员；曾在北大图书馆工作过；华罗庚兼任过清华大学数学系资料室图书管理员；诺贝尔文学奖获得者莫言原为保定某部图书管理员。如何转变公众对图书馆员由来已久的刻板印象是个亟待解决的问题。
2通过对影视作品角色的分析，重塑图书馆员形象
2.1图书馆员拥有超强的信息处理能力
在网络技术迅速发展的今天，人们对信息资源、文化休闲的需求越来越强烈。由于需求者的文化程度、从事职业和专业领域的不同，产生的需求层次也不尽相同，出现了多元化的发展趋势。因此，图书馆要积极转变服务理念、改变服务方式，满足不同用户的信息资源需求，从过去的被动提供服务转向主动为用户提供所需的增值服务。图书馆员不再只是文献资源的保管者，而是信息咨询员，拥有超强的信息处理能力，能够充分利用自身所具备的丰富的知识、技术等综合能力优势，将形成的信息产品推荐给用户，为用户提供更深层次的信息资源服务。在影片《木乃伊》中主人公Evelyn是一位典型的信息处理专家，在去往埃及金字塔的途中，她把自己拥有的这种能力完全展现给观众，她用自己的智慧、能力和勇气最终阻止了木乃伊不可战胜的预言。Evelyn有一句话让所有图书馆员感觉到振奋，“我或许不是探险者，不是冒险者，不是财富的探求者，也不是杀手，但是我为能成为一名图书馆管理员而骄傲”。影片对Evelyn角色细节的描写体现出来就是图书馆员对信息资源有着敏锐的洞察力和超强的信息处理能力，在解决问题时，能够准确地将复杂的信息资源进行组织、分析和加工，真正做到“去粗取精，去伪存真”，把有用的信息资源推送给用户，为用户提供方便、周到的服务。
2.2图书馆员是优秀的信息导航者
信息媒体的多样化和分散化，近程、远程信息网络的广泛使用，电子出版物的剧增，信息生产的广泛化和无序化，网络资源的急剧膨胀和复杂化，把用户带入一个无所适从的信息海洋[2]，这就造成了用户获取所需的信息资源的时间没有缩短反而延长的现象。因此，图书馆员要成为数字时代中信息的管理者、传播者和信息检索利用的导航者，为用户提供快捷的服务。同时还要加强对用户的信息技能培训，引导用户利用技术设备迅速准确地获取所需的信息资源。在《水银蒸发令》中，BruceWillis所扮演的探员阿特·杰弗里为了追查给他发邮件的神秘人，来到图书馆中寻求馆员的帮助，这位馆员利用数据库有关资源迅速找到神秘人的地址，为其尽快破案提供了巨大帮助。
2.3图书馆员是复合型人才
在数字化时代，用户对馆员整体素质的要求更为严格。一名合格的馆员要具备扎实的图书情报专业基础知识，熟练掌握计算机操作系统、网络搜索以及检索各种数据库等技能，能够运用自身的专业知识，并利用现代的网络技术把有价值的信息资源提供给用户。与此同时，随着交叉学科不断出现，用户的需求也逐渐呈现综合性的特点，要解决某一问题，往往需要几门学科的知识。图书馆员不但要具备专业基础知识，而且还要掌握其他专业等相关学科的知识，以迎接不断变化发展的信息资源的挑战。好莱坞影片《图书馆员》三部曲就是以图书馆员探险为主要题材，讲述了主人公Carsen保护命运之矛、寻找所罗门王的宝藏以及阻止吸血鬼王子利用圣杯作恶的阴谋。图书馆员Carsen是一个拥有22个学位的高才生，他上知天文，下知地理，利用自己的知识能力在短时间内学会一种又一种古老文字，推算出一个又一个藏宝地点。他在与敌人斗争的过程中，用智慧和勇气，捍卫了图书馆的尊严，保护了人类的财富。在影片中，Carsen就是一个复合型人才，他具备多学科专业知识，个人能力和综合素质极高。从另一个角度也可以理解为当代社会对合格馆员的要求是非常严格的。
3图书馆员改变自身形象的实践活动
新加坡国家图书馆管理局在网上开办了图书馆商城，出售图书和与图书相关的装饰品等，这些饰品可以由馆员自己设计，把他们的创新想法融入设计中，让更多的人深入了解图书馆员。国家图书馆管理局的主要工作内容是通过推出商品让公众在日常生活中经常有图书馆的印记，使公众对图书馆不再陌生，缩小人们与图书馆的距离。《鼓山十九号》是由高雄市立图书馆拍摄的影片，它讲述了图书馆员的日常工作情况，把一些不为人知的工作细节展现给大家，将图书馆员的心路历程毫无保留地呈现给观众，让公众更加了解图书馆员的实际工作，减少对图书馆员的误解。在当今时代，网络和传媒的力量不可忽视。馆员可以把馆内举办活动以及工作的情况拍摄成微电影在网上或者大屏幕上放映，也可以将图书馆员形象制作成海报在公众集中的地方进行张贴宣传，向公众展示新时代图书馆员多元化的形象。
4结语
摘要：随着社会的发展，人们对语文教师的期待越来越高，要求也越来越高。教师所扮演的角色不再只是知识传授者，更是知识的研究者、学生发展的促进者，语文教学也成了一门艺术，无论是其与学生的交流、知识的传递，还是情感的表达都无不体现其艺术性。那怎样成为一名具有艺术性的语文教师呢，本文对其问题进行探讨。
关键词：艺术型 语文教师 专业 写作 情感
赵汀阳曾经说过“知识不只是科学的问题，更是与人的命运和幸福相关的问题” 。那怎样成为一名具有艺术性的语文教师呢？现我将从以下几方面谈谈我的看法。
一、热爱语文课程
有教师曾经这样说过教师的幸福是一种体验，是对教育中生存状态的一种高级、愉悦的情感体验，是一种精神享受。所以说作为一名语文教师首先应该是一个语好者，同时热爱自己所教学科。而这种爱好可以帮助教师抵御许多外界的诱惑，真正投身与教育事业，而不是仅仅把教育当作挣饭吃的职业，而是把教育当作值得为之奋斗一生的事业，在教学中创造有魅力的教育教学特色，形成自己成熟而清晰的教育教学理念，创造令自己感到欣慰和满足的语文教学艺术。
二、提升专业素养，告别重复
每一位优秀的语文教师，一定是具有健康的教育精神和较高的专业素养的人。这样的教师善于改变自己，经常反思自己的教学，不断的提炼自己的教育思想，具有自己的教育行为品质。改变自己，告别重复，这就意味着作为语文教师要有自己的教育思想，有自己的专业教学方式。通常我们有太多的语文教师习惯于重复，重复过去的教育教学方法，重复过去所运用的内容，这样的教师往往依赖于其过去的经验进行教学，没有创新。所以，作为语文教师要坚决杜绝机械重复的教育人生，告别平凡和守旧，形成自己的专业习惯，培养自己对学生的文化影响力。
三、针对教材内容，活化其教学
小学语文教师在课堂教学中，要想活化教学，必须活化小学语文课的教学内容，激发小学生的学习兴趣。对于教材，小学语文教师必须严格按照小学语文教学新大纲的要求进行上课，同时，语文教师也要结合学生的实际情况，进行有效的再组合和排列，重新编排，形成小学生乐于接受和易于学习的教学内容，这样就会活化小学语文的课堂教学，师生之间的思想能进行有效的交流和沟通。对于枯燥的小学语文授课内容，可以改善教学方法，采用体验式教学等方式达到优质的课堂效果，如采用小品、游戏等新颖的讲授方式来诠释课堂内容，增加学习内容的趣味性，克服学生学习过程中对知识的恐惧感，提高他们的学习信心。
四、做一个爱读书的语文教师，让自己学养深厚
高尔基曾说“书籍是人类进步的阶梯”，所以离开了书籍，人类就不会进步。而作为一名语文教师，阅读不仅是自己教学的一部分，更应该把它当作自己生活中最根本、最重要的一部分。作为一名教师，尤其是作为一名语文教师，如果不读书，还能去教书吗？课堂是老师和同学的对话场，中国有句谚语“书中自有黄金屋，书中自有颜如玉”，在古代黄金和宝玉，分别代表的是尊和贵。这就说明在书籍中可以获得尊贵。一个不经常读书，没有养成良好读书习惯的教师，就好比胎儿失去了与母体连接的脐带，汽车没有了燃料一样，没有营养的注入，缺乏生命的动力，这样的教学不仅是对学生，更是对自己的懈怠。有句话说得好“一年不读书，自己知道；两年不读书同事知道；三年不读书，学生知道”，可见作为一名教师阅读是多么的重要。每一位语文教师都要坚持阅读，让 “教书人”和“读书人”融为一体，并让自己在读与教的过程中“始于读，发于思，成于行”。
五、坚持写作，表达教育生活的体验
一名优秀的语文教师，是善于表达自己的，同时语文老师还应该是具有写作精神的创作者。写作就是表达，而我们要表达，就必须要有感言表达的勇气和善于表达的习惯，特别是作为语文老师在平时的生活中，依据自己每日的所见所闻，及时的记录下自己的思想和情感是十分重要的。因为对于教师而言，写作并非是完全的创作，更多的是教师教育生活方式的一种体验，一种升华。著名的加拿大教育家马克斯.范梅南曾说“写作即观察”，即使说，教师的写作是从教育开始的。教师通过观察教育活动中的人和事，观察教师与学生之间，学生与学生之间的活动，从而凝聚心灵的感悟，形成创作的源泉。
同时，经常的写作还可以促进教师思考问题和发现问题，从而有助于教师提高认识，反思行为，改善实践，实现创新。一名优秀的语文老师，一定要养成良好的写作习惯，让自己成为读、教、写有机结合的实践者。
六、注重情感的投入和表达
人与机器最本质的区别就在于人是有情感的。作为教师，情感素质是应该具备的，毕竟教师所从事的职业是一份需要激情，需要感动的事业。而作为一名语文教师更需要有稳定的情绪和丰富的情感。1962年，美国一位工程师普莱西研制出了世界上第一台程序教学机器，并且，随着这种机器的问世，有人就说“教师这个职业在21世纪将会不复存在”，可是在科学技术迅速发展的今天，教师这个职业不仅没有消失，而且还在不断的壮大。我想其原因就在于任何先进的机器都无法替代教师的情感教育功能。因为，对于有血有肉的人来说，最有影响力的教育或是说触动莫过于“动情”。之所以装有先进教学程序的机器不能取代有对话、有交流的师生主题教学，就是因为人和机器之间缺少了情感的交流。所以，教师的情感在教学中有着重要的作用。举个例子经常可以听到一些语文老师说：我特别喜欢这篇课文。我觉得这就是一种情感的体现。试想一下，如果连你自己都不喜欢这篇课文，仅仅是为了完成任务，那么又如何来感染学生喜欢？换句话，你自己都不喜欢，白开水一样地将这篇课文讲完了，学生又能得到什么呢？所以说，如果教师的表达没有情感的参与，那么其表达智慧显得苍白无力，而教师的情感一旦参与了语言活动，不仅能够触动学生的精神世界，而且还能提升学生的关注度，提升学生对教学活动得参与度。而作为，对情感要求最多的语文教师，更应该是一个情感丰富的人，是一个容易被感动，并且，善于感动他人的人。如果一个语文教师整日萎靡不振、麻木不仁、不苟言笑，那他肯定不是一个好的语文老师。相反，一个优秀的语文老师，一定是激情洋溢，富有感染力的老师。
参考文献：
[1]郭元祥.教师的20项修炼[M].华东师范大学出版社.2009
